Theatrum Ater Tumti

Reiki y fluir en el teatro

2012-01-13T13:21:00.000+01:00

Entrevista sobre reiki y teatro que me hicieron para explicar mi técnica de desbloqueo emocional.
Espero que os guste

Una entrevista de Francisco Saiz
http://www.ivoox.com/24-reiki-teatro-m-elena-audios-mp3_rf_988045_1.html

El universo suena y cada persona tiene un sonido

2012-01-05T21:25:00.000+01:00

Néstor Eidler, músico y pedagogo vibracional

Resonancias

“El universo es una caja de música”, explica Eidler, “pues está construida en proporciones equivalentes a los intervalos de la octava musical”. Dijo Einstein, violinista y matemático: “Sólo quiero conocer a Dios; lo demás son detalles”. Y se puso a tañer con fórmulas la música del universo. En esa línea está Néstor Eidler, al que han llamado “médico de médicos”: imparte técnicas que permiten tocar mejor porque, de hecho, se sanan de bloqueos y disfunciones. Eidler insiste en que toca el alma a través de cuerpo y alma (“la espiritualidad pasa por el cuerpo”), y en que todos podemos resonar con el Todo. (nestoreidler.blogspot.com).

¿El universo es sonido?
¡Sí! Y la vida, vibración. Toda vibración es sónica. ¡El universo suena!

¿A qué suena?
Oígalo en esta grabación...

Oigo una melodía armoniosa...
Son las vibraciones captadas por la sonda Voyager en el espacio entre Júpiter y Saturno: es la resonancia del viento solar en la ionosfera de los planetas…

El universo suena, pues...
¡Está oyéndolo! Pitágoras (siglo VI a.C.) habló de la “música de las esferas”: Pitágoras debía de tener afinada la percepción de esta realidad cósmica vibrante que hoy la tecnociencia nos confirma.

¿Con qué implicaciones?
Los compositores de música más inspirados (Bach, Mozart, Beethoven...) quizá son personas capaces de conectar con los inmanentes y eternos sonidos del cosmos.

¿No crean? ¿Sólo transcriben?
La música no la inventó el hombre: ¡existe desde siempre! Toda música está aquí: se trata de captarla y plasmarla.

¿Usted compone?
Nací músico. Por mi sangre corren notas. Estudié violín... y quise contactar con David Oistrach, violinista y pedagogo judío ruso.

¿Por qué precisamente con él?
Yo no estaba conforme con mi sonido. Y escuchaba el de otros grandes violinistas: “Farsantes”, pensaba. Hasta que oí a Oistrach: “Es el único que no miente”, me dije...

No entiendo a qué se refiere…
En los otros percibía interferencias, o físicas o narcisistas... Oistrach era el único que me hacía vibrar, sentía que conectaba con la esencia... ¡Quise tocar como él! Como discípulo de Fedora Aberastury, ella me enseñó el camino a los misterios y hacia Oistrach.

¿El camino de los misterios?
Fue la creadora del método Aberastury, llamado sistema consciente para la técnica del movimiento, que te ayuda a reconectarte con tu primer instrumento: ¡tu cuerpo!

¿Y conoció al fin a Oistrach?
Conseguí una cita con él para verle tocar... ¡Y al cabo pude asistir a varias clases! Murió poco después: ¡llegué justo a tiempo!

¿A tiempo para qué?
Oistrach me confesó: “Sé que tengo secretos... pero no sé cómo enseñarlos”, y vio en mí a la persona que sí podría hacerlo.

¿Y qué enseña?
Que quien conoce el sonido lo conoce todo. Cada persona tiene un sonido. El universo es vibración, emanada del tictac de la polaridad originaria, y como el de tu corazón.

Sea más preciso.
Se trata de reactivar conscientemente esas notas de vida, mediante ciertos ejercicios tomados de los métodos de los pianistas Claudio Arrau y Fedora Aberastury: se trabajan cerebro, manos, lengua, plexos, articulaciones, columna, sentidos...

¿Para tocar mejor el piano o el violín?
Es indiferente el instrumento musical; tocar bien un instrumento ¡exige primero aprender a respirar bien! Exige reactivar los motores internos del movimiento...

¿Una especie de reset interno?
Se trata de recuperar tu armonía psicofísica, rearmonizarte emocionalmente, reaprender a activar correctamente tu energía, bloqueada por tensiones, ¡y de ahí se derivará un estado de inspiración creativa!

¿Y el músico interpretará mejor?
He conocido a intérpretes con bloqueos musculares, tendinitis, artritis... que perturbaban sus capacidades: tras el curso música- energía recuperaron sus facultades.

¿Qué es la relación música-energía?
“Dame una cuerda y te explicaré el universo”, proclamó Pitágoras: la vibración es función proporcional del segmento de cuerda… Música, matemáticas, geometría… Tu armonía interna responde a proporciones matemáticas, igual que el cosmos. Restablécela y la energía fluirá: conectarás con tu emoción y sonarás como un instrumento afinado...

No basta el dominio virtuoso de la técnica...
No. La música es como la religión: ¡un sendero para conectar con el absoluto! Esto lo podemos sentir todos.

¿En qué ocasión lo ha sentido más que nunca?
Di un concierto en una nave románica del monasterio de la Oliva (Navarra)... y perdí la noción del tiempo, como si todo fluyese solo y yo observase desde fuera... Vi pasar la eternidad... ¡Cualquiera puede experimentarlo!

Parece hablar de un yoga musical...
Mejor de unas artes marciales... En mis cursos con alumnos, trabajo con su alma... ¡Les toco el alma! Igual que toco el alma de un violín, toco el de las personas.

¿Un violín tiene alma?
Sí, una piececita de madera que une las paredes de la caja del violín, suelta, sin encolar, movible: yo la muevo una sola micra... y cambia el sonido.

Y... ¿en qué parte de mi cuerpo está el alma?
Descartes dijo que en la glándula pineal, que hoy sabemos que está conectada con la punta de los pies, con el dedo gordo de los pies: ¡el alma está en el dedo gordo!

¿Es usted un psicoterapeuta de músicos, por tanto?
Psique significa alma: sí. Les enseño que somos música, que todos tenemos un sonido propio, que a través del cuerpo podrás hallarlo: estarás tocando el alma. Y entonces resonarás a coro con el universo.

FELIZ 2012, CON UN DESEO PROFUNDO DE AMOR Y FELICIDAD PARA TOD@S!

2011-12-20T20:08:00.000+01:00

Goya

2011-12-17T02:04:00.001+01:00

La Orquesta de la Lluvia

2011-12-06T23:35:00.000+01:00

Mitos de la humanidad: El Mahabharata

2011-11-26T01:08:00.003+01:00

Documental dividido en 6 partes.

Mahabharata, de Peter Brook

2011-11-24T15:02:00.004+01:00

El Mahabharata describe la historia, el presente y el futuro de la humanidad.

El Mahabharata es una obra en la cual la realidad permanece encubierta tras el tupido velo del lenguaje mito-poético, repleto de simbolismo, alegorías y fábulas que nos hablan del Ser Humano, sus pasiones y deseos más bajos (Kurus) y de sus intenciones y virtudes más nobles (Pandavas).

Cuando llegues al final, ya no serás el mismo.
El Mahabharata es una experiencia.
El Mahabharata transforma.

Esta obra maestra de Peter Brook es la representación fílmica de un texto escrito en idioma sánscrito, que se considera clave del hinduismo. Es el segundo trabajo literario más extenso del mundo (después de los Cuentos Tibetanos de Gesar). Originalmente, fue pasada de generación a generación oralmente, hasta que finalmente se convirtiera en el libro mas extenso.

Mahâbhârata (Sánscrito), es el mayor poema épico de la India. El texto original de el Mahâbhârata, o la “Gran (guerra de los) Bhâratas”, contiene 220.000 versos, divididos en 18 libros (parvas), y fue compuesto, según se cree, por Krichna Dvaipâyana, llamado el Vyâsa (“ordenador” o “compilador”).

No hay dos orientalistas que estén de acuerdo acerca de la fecha de su composición, pero sin duda alguna es sumamente antiguo y se estima en 5.000 años.

En la actualidad la mayoría de los hindúes creen que narra hechos reales sucedidos en febrero del 3102 a. C., y que fue puesto por escrito por Viasa y Ganesh poco después. Esta tradición se basa en los cálculos astrológicos del astrónomo indio Aria Bhatta (476-550 d. C.)

La maravillosa versión cinematográfica de este poema épico, realizada por Peter Brook, consta de tres partes y se extiende casi por seis horas. Esto hace casi imposible verla completa de una sola vez, no solo por su extensión sino tambien por la significancia de cada palabra.

DVD I – Vyâsa – El Juego de dados
Duración: 1 hora 38 minutos
DVD II – El exilio – Las reglas de la guerra
Duración: 1 hora 54 minutos
DVD III – La guerra – Las puertas del paraíso
Duración: 1 hora 52 minutos

FICHA TÉCNICA
Título original: Mahabharata
País: Reino Unido, Francia
Duración Total: 325 minutos
Producción: Michel Propper
Dirección: Peter Brook
Guión: Peter Brook, Jean-Claude Carrière, Marie-Hélène Estienne
Fotografía: William Lubtchansky, en Color
Montaje: Nicolas Gaster
Música: Toshi Tsuchitori
Dirección Artística: Emmanuel de Chauvigny, Raúl Gómez
Diseño de Producción: Chloé Obolensky
Vestuario: Pippa Cleator
Intérpretes: Robert Langton-Lloyd (Vyasa), Antonin Stahly-Vishwanadan (el chico), Bruce Myers (Ganesha/Krishna), Vittorio Mezzogiorno (Arjuna), Andrzej Seweryn (Yudhishthira), Georges Corraface (Duryodhana), Jean-Paul Denizon (Nakula), Mahmoud Tabrizi-Zadeh (Sahadeva), Mallika Sarabhai (Draupadi), Miriam Goldschmidt (Kunti), Ryszard Cieslak (Dhritarashtra), Hélène Patarot (Gandhari)

Musicoterapia. ¿Otra terapia alternativa?

2011-11-09T10:12:00.000+01:00

Ciencia o esoterismo

Si alguien se interesa por la musicoterapia y comienza a buscar información en internet, se puede encontrar con todo tipo de páginas web, tanto buenas como malas. Si consideramos que esto nos puede pasar con otros muchos aspectos de nuestra vida no tendría que preocuparnos. Pero sí debería hacerlo si pensamos que la musicoterapia es una disciplina relacionada con el ámbito sanitario y la responsabilidad e importancia que ello supone.

Después de un pequeño vistazo nos daremos cuenta de que lo que encontramos corre en un vaivén entre la cientificidad y el esoterismo. Decantarnos por una u otra vertiente podría ser cuestión personal del paciente. Sin embargo, desde el punto de vista profesional deberíamos hacerlo por la cientificidad. Y para ello, previamente, se debe poseer un amplio bagaje teórico y experiencial, aparte de una postura ética hacia la práctica musicoterapéutica.

El origen

La musicoterapia, como disciplina con carácter propio organizado, nace en 1950 en EE.UU. con la NAMT (National Associaction for Music Therapy). Sin embargo, para que esto ocurriera en la citada fecha, es de entender que previamente ya se estaban llevando a cabo estudios e investigaciones al respecto. No solamente en EEUU, sino también en Europa y Latinoamérica de manera especial.

Aquí en España, como en muchas otras cuestiones relacionadas con el ámbito cultural y sanitario, nos encontramos retrasados con respecto a otros países que ya utilizan la musicoterapia en el ámbito social, educativo y sanitario a nivel oficial y con un gran reconocimiento.
Breve conceptualización

La musicoterapia, desde un punto de vista profesional, se puede conceptualizar de la siguiente manera: La “música” del concepto debe entenderse desde la concepción más antigua del concepto: “Ordenación de los sonidos en el tiempo”. Con ello nos hacemos la idea de que en musicoterapia no importa tanto el aspecto estético o artístico de ésta sino su uso como medio o método para llevar a cabo la propia terapia. El hecho de no importarnos el valor estético hace que los pacientes o usuarios no necesiten tener conocimientos musicales previos. Cosa que no puede ocurrir con el musicoterapeuta, puesto que como cualquier otro profesional debe conocer sus métodos y herramientas de trabajo. La “terapia” del concepto debe entenderse desde la concepción griega del término: Éste significa ayudar o apoyar a las personas. Y para que así sea debe tratarse de un proceso sistemático, por el cual nos encontramos, dentro de éste, con las siguientes fases necesariamente:

Valoración inicial: En esta fase, el musicoterapeuta deberá buscar y encontrar las necesidades del usuario. Para ello, se podrá contar con la información previa del profesional o persona que remita al paciente, del propio historial clínico del usuario, de la observación directa y de la entrevista, tanto con el usuario como con personas cercanas.

Planificación de objetivos y tratamiento: Esta fase se alimentará de la información recogida en el assessment (valoración inicial). A partir de las necesidades de los usuarios podremos planificar un tratamiento y marcarnos unos objetivos, tanto generales como específicos, así como a corto, medio y largo plazo.

Tratamiento: Una vez tenemos marcados los objetivos, deberá comenzar el tratamiento en sí mismo. Para ello deberíamos seguir las siguientes etapas dentro de esta fase:

Observación del paciente o usuario.
Establecimiento de una buena relación terapéutica.
Trabajar en la consecución de los objetivos marcados.
Ayudar al paciente a conseguir su autonomía.

Evaluación: En esta fase podremos demostrar si se han cumplido los objetivos propuestos o no.

Finalización del proceso terapéutico: Según la NAMT, un tratamiento debe finalizar cuando el paciente:

Ha conseguido los objetivos propuestos.
Cuando ya no se beneficie del tratamiento.
Cuando no pueda asistir por cuestiones de horario.
Por ser dado de alta en el hospital u otro centro.

Desde esta perspectiva, la musicoterapia no puede entenderse como la mera asistencia por parte del paciente o usuario a sesiones aisladas de musicoterapia, pues de esta forma carecería de la variable temporal necesaria en cualquier tipo de terapia, del tipo que sea. Además, en ningún caso se podrían causalizar los cambios en el paciente con las intervenciones del musicoterapeuta.
Las técnicas

En cuanto a las técnicas utilizadas en musicoterapia: Éstas suelen ser, de manera generalizada, de dos tipos (aunque los métodos y técnicas dependan directamente del paciente y el trastorno):

Técnicas receptivas: Las técnicas receptivas se basan en la audición, por parte del usuario, de música, ya sea grabada o en vivo. Los objetivos primordiales que se pretenden son la modificación del estado de ánimo o emocional , el conocimiento profundo interno de la persona, facilitar la expresión verbal de los sentimientos, la toma de conciencia por parte del usuario de sus propios sentimientos entre otros y el trabajo de aspectos emocionales, intelectuales y espirituales en mayor medida. Normalmente, este tipo de técnicas se utilizan con personas que poseen la capacidad de atención y recepción necesarias. Sus principales versiones son las de: Escucha contingente, escucha meditativa, reminiscencia de canciones o música de un recuerdo lejano, regresión a través de canciones o música, recuerdo inducido por canciones o música, escucha perceptual o perceptiva, escucha musical activa, escucha eurítmica, escucha estimulante, relajación con música, comunicación a través de las canciones, escucha imaginativa, escucha proyectiva, discusión con letras de canciones y construcción de letras y la autoescucha.

Técnicas expresivas: Las técnicas expresivas, por otra parte, se basan en actividades activas por parte del usuario en el proceso musical. Entre las técnicas más utilizadas están las de: Canto grupal, canto vincular, diálogo sonoro, psicodrama musical, improvisación clínica, asociación libre cantada, collage musical y el trabajo con canciones. Los objetivos a conseguir, entre otros, serán los de fomentar la libertad interior del sujeto, aumentar su creatividad y el conocimiento de sí mismo, aumentar la autoestima y el conocimiento del entorno entre otros.

Los métodos

En cuanto a los métodos, y aunque ya se dijo anteriormente que son muy diversos (en función de la patología y el paciente), se puede indicar que actualmente existen varios que son considerados como oficiales por la Asociación Mundial de Musicoterapia. Éstos son:

Método GIM: Basándose en las teorías de Freud y Jung, el método GIM es eminentemente receptivo y se utiliza en gran medida para el crecimiento personal en personas sanas mentalmente y con otro tipo de pacientes cuyo problema está vinculado de una manera especial con aspectos psicológicos.
Método Benenzon: Parte de las teorías desarrolladas por el psiquiatra y musicoterapeuta argentino Rolando Benenzon. Se trata de un método eminentemente expresivo (musicalmente hablando) y centrado en la apertura de canales de comunicación en el usuario. Se encuentra dentro de las terapias no verbales.
Método psicoanalítico: Basado en los conocimientos y saber hacer de Mary Piestley, éste método utiliza técnicas expresivas a nivel instrumental y verbal como un medio de autoexploración. Se utiliza en campos de actuación de diferente índole como el médico, educativo y geriatría y a nivel físico, emocional, cognitivo y conductual.
Método Nordoff-Robbins: Parte de la terapia humanista de Maslow y se centra en el tratamiento de trastornos tales como el autismo, el retraso mental, problemas neurológicos y físicos, sensoriomotrices y emocionales con niños. Se desarrolla bajo la idea del niño musical que todos tenemos dentro y a través del cual podemos comunicarnos.
Método conductista: Basado como su propio nombre indica en la corriente psicológica del conductismo, buscan descubrir el por qué de la ocurrencia de los acontecimientos. Su precursor fue Cliford Madsen, y los primeros estudios estuvieron a cargo, entre otros, de Steele, Jorgenson y Parnell y Walker.

La figura del musicoterapeuta

De nuevo, si nos ceñimos por la Asociación Mundial de Musicoterapia, que en principio es la que rige esta disciplina a nivel profesional, la figura del musicoterapeuta acreditado se conseguiría mediante los siguientes requisitos:

Experiencia profesional de un año como musicoterapeuta a tiempo completo, o equivalente.
Mínimo de 60 horas de supervisión de práctica clínica.
Mínimo de 20 horas de cursos de formación post-formación inicial y de asistencia a congresos, jornadas u otras actividades académicas regladas, que estén en relación directa con la Musicoterapia.
Mínimo de 60 horas de proceso formativo didáctico y terapéutico personal (self-experience).
Estar asociado a una Asociación Profesional de Musicoterapia del ámbito territorial donde se ejerza la profesión y que sea miembro asociado del EMTC.

El musicoterapeuta es una de las partes más importantes del proceso, puesto que su saber hacer así como la relación entre éste y el paciente también sirven de elemento terapéutico. Por otra parte, Egan indica otras características que debe tener éste para considerarse un buen profesional:

Buena salud y vitalidad.

Estabilidad emocional.
Comprensión y aceptación de uno mismo.
Deseo de ayudar a los demás.
Paciencia.
Tacto.
Saludable sentido del humor.
Habilidad para el trabajo en equipo.

Ámbitos de aplicación

Por último, si nos centramos en las diferentes aplicaciones que hoy en día tiene la musicoterapia, podríamos indicar, entre otras muchas, el área hospitalaria, comunitaria, tercera edad, educativa y clínica.

Últimas conclusiones

Después de todo lo anterior, el lector se podrá hacer la idea de que la musicoterapia es una disciplina centrada en el método (el uso de la música como medio terapéutico) y no en la patología en si (hemos visto que las patologías a tratar mediante la musicoterapia son muchas y muy variadas).

Es por esto mismo que sea tan importante que, cuando nos decidamos por probar los beneficios de la musicoterapia (que no son los mismos que la música), lo hagamos a manos de una persona debidamente formada y experimentada y no a manos de una persona con baja cualificación que proponga métodos tales como la compra de CD´s específicamente compuestos para tal o cual patología o estado anímico y cosas similares (de estas práctica está llena la red).

Posiblemente podamos hablar de una terapia alternativa, pero que con mucho esfuerzo de la comunidad científica va desarrollando su propio constructo teórico y práctico. Esto último únicamente puede suceder desde la profesionalidad, tanto a nivel teórico como práctico, de los responsables de su aplicación.

Manuel Martín González
Psicólogo Máster oficial en Musicoterapia

Leer más: http://www.saludterapia.com//articulos-de-interes/musicoterapiaiotra-terapia-alternativa.html#ixzz1ckpBMYWr

Cómo se hacen los Didgeridoo

2011-11-05T21:02:00.000+01:00

3 capítulos!

Frecuencias, Vibraciones y nuestra salud

2011-11-02T08:09:00.001+01:00

La frecuencia puede definirse como el número de ciclos idénticos de un fenómeno por unidad de tiempo. Y así la frecuencia respiratoria se refiere al número de ciclos respiratorios por minuto. Si una emisora emite a una frecuencia de 105,8 un programa en el que interviene nuestro cantante preferido, es necesario sintonizar con esa frecuencia para poder oírlo. Si lo hacemos un poco antes o después no podremos escuchar la entrevista. Lo mismo pasa con la salud o la enfermedad.

Cada pensamiento, cada sentimiento, cada emoción que tenemos vibran a una determinada frecuencia que podemos comparar con una emisora. Podemos comparar nuestro cerebro con un instrumento de retransmisión, como una radio que capta lo que difunde la emisora que sintonizamos al elegir la frecuencia.

Supongamos que una de tus vecinas va a tu casa y te dice: “tienes suerte, cada vez que vengo oigo melodías agradables en tu radio. En mi casa no escucho mas que malas noticias que me preocupan y una música que me vuelve loca”. ¿Le responderías que tiene razón, que tienes suerte y ella no? Por supuesto que no, porque sabes muy bien que la suerte no tiene nada que ver con esto. Más bien le dirías: “No tienes mas que cambiar de emisora o de frecuencia.

ENFERMAR, SENTIRSE DESGRACIADO O ENCONTRARSE EN UNA SITUACIÓN DESAGRADABLE NO ES CUESTIÓN DE MALA SUERTE NI UNA CASUALIDAD O UN CASTIGO DIVINO. NO ES MAS QUE SINTONIZARSE CON DETERMINADA FRECUENCIA.

Solo hay que cambiar de una frecuencia negativa a otra positiva para que el malestar, el dolor o la enfermedad desaparezca, para transformar una situación difícil o para mejorar nuestra relación con los demás.

Veamos un ejemplo: contrato el servicio de una empresa de mudanzas especializada en el transporte de instrumentos musicales para que trasladen mi piano lacad en negro. Durante el trayecto uno de los empleados realiza una falsa maniobra que hace que el piano se desnivele y se raye en un lado. Yo me enfado muchísimo y la emprendo con el responsable de la empresa exigiéndole una reparación. Estoy enfadado y triste a la vez ya que este piano era de mi padre. Esta emoción me ha dejado sin energía. Al día siguiente aparece en mi labio una calentura además de una erupción de granos en el brazo.

La empresa lleva el piano a un taller de restauración que lo deja como nuevo. Ya no tengo ninguna razón para seguir enfadada e incluso aprecio el servicio que me han ofrecido pensando que son cosas que pasan. Los granos y la calentura desaparecen y recupero mi energía. YA NO ESTOY EN LA FRECUENCIA DEL ENFADO. Por consiguiente las frecuencias vibratorias pueden ser altas o bajas: las altas están relacionadas con la salud, el bienestar, la armonía y la felicidad. Y las bajas dan como resultado el malestar, sufrimiento y enfermedad. De hecho sería mejor utilizar los términos de “armonía” y “equilibrio” para definir el estado de salud y “falta de armonía” y “desequilibrio” para expresar lo que llamamos malestar o enfermedad. La curación no es más que volver al estado de armonía y equilibrio.

PERO RECUERDA QUE ERES LIBRE DE SINTONIZAR CON UNA U OTRA FRECUENCIA. Al conocer el funcionamiento de las frecuencias vibratorias, podemos comprender cómo damos lugar a tal o cual enfermedad. Lo mismo sucede con los acontecimientos que vivimos en nuestra vida. Las frecuencias vibratorias existen en nuestras vidas con una función de continuidad: cambian pues de un momento a otro siguiendo una cadena. Si pensamos en nuestra vida, ¿no es una sucesión –cadena- de acontecimientos agradables y desagradables?

La Metamedicina se interesa en algo más que la curación del cuerpo físico de la persona, pues se centra en la asimilación de la lección que la persona afectada debe aprender para su evolución.

Ahora disponemos de una buena visión de la primera parte de la ley de la responsabilidad que consiste en aceptar que nada es fruto del azar. Todo tiene su razón de ser, y SEGÚN LAS FRECUENCIAS VIBRATORIAS ENGENDRADAS POR NUESTROS PENSAMIENTOS, CREENCIAS, SENTIMIENTOS, EMOCIONES ASÍ COMO LAS PALABRAS QUE PRONUNCIAMOS Y LAS LECCIONES QUE TENEMOS QUE INTEGRAR, ENCONTRAREMOS EN EL MUNDO LOS ACONTECIMIENTOS O LAS CIRCUNSTANCIAS QUE LE CORRESPONDEN.

Una vez asimilada esta primera parte, no podemos sentirnos ya víctimas y decir: “No es mi culpa”, “no he tenido suerte”. Tampoco podemos actuar como abogados que buscan un culpable al que acusar: “Mis úlceras de estómago son por su culpa, él escucha siempre las noticias y esto me angustia”. “Es él o ella quien ha provocado mi enfado”. “Mi padre ha destruido mi vida”. “Mi madre nunca me ha querido, por eso no puedo ser feliz”.

Con la ley de la responsabilidad, ya no hay víctimas ni verdugos. Por consiguiente no puedes acusar a los demás de lo que vives porque ineludiblemente hay algo en ti que te hace reaccionar de esa manera o lleva al otro a tratarte así. El otro no es más que un espejo en el que nos miramos. Uno puede rechazar su furia y otro expresarla con violencia pero ambos están presos en ella.

Esto no significa que tengamos que permitir que un niño soporte malos tratos de su padre, ni dejar que los que sufren expresen su violencia sin reaccionar, ni que los genocidas aniquilen a su pueblo. No solo tenemos una responsabilidad individual respecto a nuestra salud y felicidad, también tenemos una responsabilidad colectiva.

Una historia cuenta que un día el cerebro, el pulmón y el corazón discutían para saber cual de ellos era más importante. El cerebro decía: “soy yo porque doy las órdenes”. Los pulmones replicaron: “Sin aire no puedes funcionar, por tanto, yo soy más importante. El corazón dijo: “Sin mi, tu aire no circularía y ambos os asfixiaríais”. El ano al oírles discutir se cerró y les dijo: “Cuando os hayáis puesto de acuerdo, me abriré.”

Este pequeño cuento nos demuestra que un organismo es primero y ante todo un conjunto de componentes y que si uno de los órganos está afectado, repercutirá en el resto del organismo. Si vivimos en armonía con nosotros mismos y con nuestro entorno, nuestro cuerpo lo reflejará con un estado físico en el que todas nuestras células colaborarán armónicamente. De este modo llegamos a la conclusión de que nos corresponde a nosotros mismos responsabilizarnos de nuestra salud y nuestra felicidad.

Si reconocemos que hemos creado tal o cual situación o hemos atraído determinado acontecimiento a nuestra vida y pensamos que este acontecimiento no “es correcto” o que es malo, esto no puede más que llevarnos a adoptar una actitud reprobatoria o un sentimiento de culpabilidad. Sin embargo si comprendemos que son nuestras actitudes las que han dado lugar a esos acontecimientos, podremos aceptar éstos sin culpabilizarnos, porque esos acontecimientos están relacionados directamente con las lecciones que debemos integrar en nuestra evolución.

Esta segunda parte de la ley se basa en el reconocimiento de que la situación creada o el acontecimiento vivido eran necesarios para nuestro camino evolutivo.

Es lo mismo que decir que, cualquier cosa que hayamos vivido, cualquiera que sea la enfermedad que nos afecta o el trágico suceso que hayamos sufrido, lo necesitábamos para asimilar lecciones esenciales para nuestra evolución. En las lecciones de vida que tenemos que integrar todo es perfecto, aunque a menudo únicamente lo vemos retrospectivamente o en la distancia.

Admitirlo nos hace adquirir mucha más flexibilidad ante las situaciones que encontramos en la vida o ante las personas que tratamos. Reconoce que todo es perfecto no significa abdicar, abandonarse o no reaccionar. Al contrario es actuar con responsabilidad en lugar de elegir la vía de la rebelión o de la abdicación. Abdicar es cruzarse de brazos y creernos cometidos a una fatalidad de la que no podemos escapar.

POR EL CONTRARIO ACTUAR CON RESPONSABILIDAD ES:
Reconocer que somos los creadores de nuestra vida.
Intentar comprender la razón de este desequilibrio y la lección que debemos asimilar.
Pasar a la acción para recuperar la armonía
Esta actitud aumentará tu bienestar a la vez que progresas en tu camino evolutivo.

FUENTE: Extracto del primer capítulo de Metamedicina de Claudia Rainville

La Realidad es una Ilusión

2011-11-01T17:53:00.000+01:00

Hemi sync - Cómo sincronizar el cerebro con la música

2011-10-31T17:59:00.001+01:00

Hemi-Sync® es una tecnología de sonido que funciona con sencillez, enviando diferentes sonidos o tonos a cada oído, a través de auriculares estéreos. Los dos hemisferios del cerebro entonces actúan al unísono para "escuchar " una tercera señal - a diferencia entre estos dos tonos. Esto no es un sonido real, pero una señal eléctrica que solo se puede percibir dentro del cerebro al funcionar ambos hemisferios cerebrales conjuntamente.

El proceso patentado de Hemi-Sync® se ha ido refinado durante más de 40 años de investigación y de desarrollo. La experimentación continua, recolección de datos, y el análisis se llevan a cabo en las instalaciones del laboratorio del Instituto Monroe para demostrar la correlación entre los informes sujetivos de la experiencia y las medidas electrónicas objetivas.Dicha investigación es indispensable para revelar la influencia de patrones específicos de Hemi-Sync® sobre la conciencia. A través del tiempo, estos esfuerzos han resultado en el desarrollo de muchos productos individuales para aplicaciones específicas tales como atención enfocada, control del estrés, meditación, la mejora del sueño, y el control del dolor, para llamar algunos pocos.

Gracias a la cooperación de notables instituciones médicas y universidades, la tecnología Hemi-Sync® probada científica y químicamente, sigue siendo el enfoque de una gran variedad de proyectos de investigaciones especializadas. Además, muchos terapeutas, médicos, educadores, y otros profesionales usan el Hemi-Sync® ampliamente.

El proceso Hemi-Sync® tiene prestigio internacional. Miles de personas han viajado desde todo el mundo para asistir a los programas residenciales en el Instituto Monroe. Estos programas se llevan a cabo en las instalaciones en el Instituto Monroe en Virginia y también en algunos otros sitios del mundo y se dedican al desarrollo, exploración, y aplicación de estados expandidos de conciencia utilizando las extraordinarias tecnologías de sonido llamados Hemi-Sync®.

Demostración de mapas cerebrales:

¿Que pude hacer Hemi-Sync® por tí?

El Hemi-Sync® es una tecnología segura, que te ayuda a cambiar tus ondas cerebrales con patrones de muchas capas de frecuencias de sonido. Cuando los escuchas a través de auriculares esteros o altavoces, el cerebro responde produciendo un tercer sonido, llamado el batido binaural o tono diferencial (que facilita la actividad de ondas cerebrales deseadas.)El tema de los tonos diferenciales o batidos binaurales funciona así: Un sonido presentado en el oído izquierdo se escucha como un tono individual. Un tono en el oído derecho también se escucha como un tono individual. Cuando se tocan juntos el vibrato percibido se llama batidos binaurales.

Investigaciones con Hemi-Sync®

La sólida base de las grabaciones que ofrece el Instituto, así como sus programas educativos, es el producto de cuatro décadas de investigaciones, recopilación de datos y análisis. Los sujetos en las investigaciones proveen informes de sus experiencias mientras escuchan las distintas combinaciones y secuencias de patrones de sonido. La relación entre estos informes subjetivos y las medidas objetivas biofisiológicas y electrónicas revelan de manera contundente la manera en que patrones específicos de sonidos afectan la mente.

Estos patrones, verificados y refinados durante miles de sesiones de laboratorio con diferentes sujetos, se combinan con instrucciones habladas o música para producir el efectivo proceso Hemi-Sync®.

El Instituto Monroe continúa en una posición de liderazgo en el campo de investigaciones científicas asociadas con la tecnología de sonido. En cooperación con destacados institutos médicos y universidades, los efectos científicamente comprobados de Hemi-Sync® siguen siendo el enfoque de una amplia gama de proyectos de investigación especializados. Como resultado de estos esfuerzos, la tecnología Hemi-Sync se emplea extensamente por terapeutas, médicos, educadores y otros profesionales.

Un resumen de cada investigación en dos párrafos, con un link a la página del Instituto. Esta es la lista actual, para tu información.

http://www.monroeinstitute.org/wiki/index.php/The_Effects_of_Hemi-Sync_on_Electrocortical_Activity
http://www.monroeinstitute.org/wiki/index.php/Binaural-Beat_Induced_Theta_EEG_Activity_and_Hypnotic_Susceptibility
http://www.monroeinstitute.org/journal/hemi-sync-into-creativity/
http://www.monroeinstitute.org/wiki/index.php/Highlighted_Research

Tipos de Hemi-Sync®

Hay tres tipos de CDs de Hemi-Sync:

Metamúsica (Metamusic®): son evocativas composiciones musicales. Los tonos especiales de Hemi-Sync® están entrelazados en la música y apoyan la experiencia que se desea. No contienen instrucciones verbales. Proporcionan beneficios en altavoces y auriculares, aunque siempre será más potente escuchando en auriculares.

Alimento para la mente (Mind Food): son grabaciones que proveen la experiencia o beneficio mientras se están escuchando. Algunas contienen instrucciones verbales. Se recomienda escucharlas con auriculares.

Entre los títulos más destacados, tenemos Concentración, Super Sleep (Super Dormir), Hemi-Sync Meditación, Transcendence (Trascendencia), Momento de revelación, Caminata energética, Retener-Recordar-Soltar y Relajación profunda.

Humano Plus: son grabaciones con guía verbal y que aprovechan el estado de profunda relajación, para dar codificaciones verbales que permiten recrear el efecto deseado en cualquier momento de la vida. Tienen dos pistas: la primera te guía a un estado de relajación muy profunda. Se debe escuchar varias veces antes de pasar a la segunda pista, donde una vez relajado, instrucciones verbales te guía para poder conseguir el efecto deseado en cualquier momento del día, simplemente diciendo mentalmente los códigos aprendidos.

En español hay dos: Cambio de hábitos y Apoyo inmunológico.

Usos de Hemi-Sync®

La versatilidad del Hemi-Sync® lo hace útil para una gama casi ilimitada de aplicaciones. Cuando sabes lo que quieres hacer, el Hemi-Sync® eficazmente concentra los recursos inherentes de tu mente, cerebro y cuerpo para llevar a cabo tu propósito.

La experiencia de usuarios en todo el mundo y la investigación han corroborado muchos de los usos y han descubierto otros. Puedes ver títulos específicos para los diferentes categorías buscando por "Usos" en la página principal.

Procesos Emocionales (Ver experiencias de usuarios)
Mejorar el autoestima
Fomentar confianza en uno mismo
Moderar la hiperactividad
Superar la timidez
Desarrollar la espontaneidad
Lograr la serenidad
Liberar memorias bloqueadas
Facilitar interacciones sociales
Abrirse a los sentimientos
Eliminar el auto-sabotaje
Superar la irritabilidad
Dormir y utilizar el tiempo de sueno (Ver experiencias de usuarios)
Superar problemas de sueño
Reducir la necesidad de medicación para dormir
Recordar sueños
Facilitar el sueño lúcido
Experiencias disociativas y transcendentes (Ver experiencias de usuarios)
Profundizar en la meditación
Facilitar la percepción
Acceder a la intuición
Trasladarse más allá del mundo físico
Explorar estados enfocados de conciencia
Apoyar la experiencia fuera del cuerpo
Productividad y rendimiento mental (Ver experiencias de usuarios)
Reducir la tensión de los exámenes
Eliminar el despiste mental
Aprender idiomas
Aumentar la productividad
Ayudar en el atención deficiente
Aprender a tocar instrumentos musicales
Superar tareas difíciles
Mejorar el ambiente en las aulas
Recuperar habilidades perdida

Preguntas frecuentes sobre el proceso Hemi-Sync®

Aquí hay preguntas frecuentes enviados por personas que usan Hemi-Sync® de todo el mundo y participantes es nuestros programas. Las respuestas son el resultado de muchos años de experiencia, investigación y búsqueda por el Instituto Monroe y sus asociados y colegas.

¿Se puede bajar Hemi-Sync® a un reproductor MP3 sin mermar sus beneficios?

Sí, se puede, pero hay que hacerlo correctamente, porque con la compresión de datos típica del MP3, se anulan los beneficios de Hemi-Sync®. Cuando se graba un CD en el ordenador para pasarlo al reproductor MP3, tienes varias posibilidades de calidad. Si elegimos archivo .wav o MP4 o calidad CD, no hay problema, porque no comprime los sonidos especiales de Hemi-Sync®. Ocupa más espacio en la memoria, pero conserva los beneficios de la tecnología Hemi-Sync®.

¿Es necesario usar auriculares para obtener beneficios de la tecnología Hemi-Sync®?

Como Hemi-Sync® es una tecnología basado en sonidos diferentes en cada oído, siempre será mejor aislar estos sonidos con auriculares. Pero, la experiencia ha mostrado que las selecciones especialmente de música, funcionan muy bien también en altavoces, como música ambiental. Normalmente para ejercicios guiados será más beneficioso escuchar con auriculares en un lugar donde puedes estar relajado y cómodo y totalmente concentrado en el ejercicio.

¿Qué debo hacer si no me siento totalmente despierto y alerta después de escuchar un ejercicio?

Hay muchos métodos efectivos para conectarte con el mundo físico otra vez. Puedes contar lentamente de 10 a 1; beber agua fresca; tomar una ducha fresca o echar agua fresca en la cara, cuello, y muñecas. Si el tiempo lo permite, puedes andar con zapatos al aire libre, tomando respiraciones profundas y liberando energía excesiva a través de tus pies. También puedes colocar tu espalda contra un árbol e imaginar la energía fluyendo desde tu cabeza a las ramas encima y desde tus pies a las raíces del árbol y hasta el mismo centro de la Tierra.

¿Siempre tendré que usar los Cds?

No. Son como ruedas de entrenamiento en una bicicleta - son buenas para practicar, pero te limitan cuando aprendas a montar y pasear sólo, lejos y libre.

¿Qué pasa si me duermo cuando escucho un CD?

Puede haber momentos en los que "desconectas" totalmente cuando empiezas a moverte más allá de tu nivel de experiencia. Desconectar es algo diferente que dormir, hay una sensación de haber desaparecido del ejercicio. Al terminar el ejercicio, no hay percepción de que haya pasado el tiempo. Tendrás almacenado en tu memoria la experiencia pero no tienes recuerdos inmediatos de ella. Desconectar es una experiencia normal y bastante frecuente. Cuando has progresado a determinados niveles, ya dejará de pasar y tendrás recuerdos totales. Mientras, intenta poner la idea o una imagen del sueño en tu caja de conversión de energía. Si todavía te duermes, prueba con hacer el ejercicio sentado. Y después de todo, hay que practicar, practicar, practicar. Es a través de la paciencia y la práctica continua que aprendes a mantener el equilibrio en el estado entre la relajación profunda y el sueño.

¿Qué debo hacer cuando varias imágenes o pensamientos interfieren con lo que estoy intentando hacer en el ejercicio?

Mejor es no reprimir ni forzar que se vayan las imágenes. Mejor es reconocerlos sin implicarte en ellos. De otra manera podrás entrar en estado de sueño. Miras y los dejas ir. Siempre puedes volver a ellos después del ejercicio.

Normalmente duermo sobre un lado o boca abajo, y me siento inseguro tendido boca arriba. También, no puedo seguir boca arriba mucho tiempo sin sentirme incómodo.

Puedes probar sentándote de manera cómoda en tu cama mientras escuchas. Algunas personas dicen que prefieren estar sentados porque tienen menos probabilidades de dormirse. Si tienes unos auriculares pequeños o planos que te resultan cómodos, puedes probar colocándote de lado o boca abajo. Estos auriculares se pueden comprar fácilmente en las tiendas.

¿Cuándo hago los ejercicios, estoy consciente de una presión o zumbido en mi frente y también una aceleración de mi corazón. ¿Es esto normal?

Un ligero zumbido o presión ocurre frecuentemente a algunas personas. Significa que estás respondiendo al proceso de Hemi-Sync®. Sin embargo si estás experimentando mucha incomodidad, puede que tengas el volumen demasiado alto. Para conseguir los mejores resultados, el volumen debe de ser justo lo suficiente para escuchar las instrucciones verbales. Recuerda que estás expandiendo tu estado de percepción; consecuentemente, estás más conciente del latido de tu corazón, tu respiración, etc. Este es un fenómeno común en el cambio a niveles energéticos como el cambio de estar despierto y alerta a un estado de relajación profunda.

¿Porque no mezclar drogas que alteran la mente con el Hemi-Sync®?

Estos ejercicios te entrenan para controlar tus estados de conciencia, las drogas normalmente interfieren con ese control. También tus interpretaciones e entendimiento de tus experiencias serán más precisas sin las influencias no predecibles de las drogas o otras substancias que alteren la mente.

¿Los métodos de Hemi-Sync® son útiles para meditadores con experiencia o personas que llevan años practicando otras disciplinas?

Hay muchas personas que participan en los cursos y dicen "definitivamente que sí". Aprecian beneficios tales como la velocidad y la facilidad de acceder al estado expandido, la habilidad para mantener estos distintos niveles y guías para las exploraciones. Hemi-Sync® parece que ayuda a la gente allí donde se encuentren en su desarrollo, les ayuda a seguir hacia delante a niveles incluso más profundos de auto-conocimiento y de exploración de otras realidades.

A veces durante un ejercicio siento tanta energía en el cuerpo que realmente resulta incómodo y quiero salir de la experiencia, ¿que debería hacer?

Date cuenta de que la energía que sientes es energía del segundo estado, la energía no-física que primero, necesitas percibir antes de poder utilizarlo de manera continuada. Observa la energía cuando se mueva a través de tu cuerpo. Espera a ver si acelera o va más despacio. Expresa gratitud para la experiencia consciente de la energía. Dialoga con la energía, pregunta en la mente: "¿hay un mensaje para mi en esta experiencia?" El hecho de que estás percibiendo la energía indica que estás llegando a un estado expandido de conciencia.

Musicoterapia, el poder calmante y armonizante del sonido

2011-10-29T09:54:00.001+02:00

Alberto Correa, Bernardo Benjumea y Miguel E Colazo

La Musicoterapia rompió con los rígidos esquemas tradicionales permitiendo el descubrimiento de los ritmos naturales en el ser humano, único punto de partida para la comunicación con el enfermo. El precursor de la Musicoterapia fue Emile Jacques Dalcroze. Sostenía que el organismo humano es susceptible de ser educado eficazmente conforme al impulso de la música. Unió los ritmos musicales y corporales, siendo sus discípulos pioneros de la Terapia Educativa Rítmica. Actualmente se ha convertido en una terapia para el tratamiento, rehabilitación y educación de adultos y niños que padecen trastornos físicos, mentales y emocionales.

La acción de la música es una eficaz terapia que actúa sobre el sistema nervioso y en las crisis emocionales, aumentando o disminuyendo las secreciones glandulares, activando o disminuyendo la circulación de la sangre y, por consiguiente, regulando la tensión arterial. La música actúa dentro de nosotros, de nuestra mente por medio de vibraciones naturales que encontramos en cualquier tipo de manifestación material. En este caso, estas vibraciones se filtran en nuestra mente y a su vez ésta envía la orden afectando a nuestro organismo.

Juliette Alvin (1967), una de las pioneras de esta especialidad científica, la define como el uso dosificado de la música en el tratamiento, rehabilitación, educación y adiestramiento de adultos y niños que padecen trastornos físicos, mentales y emocionales. La Facultad de Ciencias de la Recuperación de la Universidad de Museo Social Argentino, la define como una rama de la medicina recuperativa, que mediante la música se ocupa de coadyuvar en la recuperación orgánica, espiritual y emocional de personas con diversas deficiencias.

Para otros autores, la Musicoterapia tiene un verdadero sentido psicoanalítico y lo enmarcan dentro de lo psicoterapéutico de inspiración psicoanalítica, encuadrándolo entre las psicoterapias de corta duración y de activación. Estudia el complejo sonido-ser humano en un enfoque de diagnóstico y lo utiliza para fines terapéuticos, sea este sonido musical o no. Así Benenzon (1976) la define como la especialización científica que se ocupa del estudio e investigación del complejo Sonido-Ser Humano, sea el sonido musical o no, tendiente a buscar los métodos diagnósticos y los efectos terapéuticos de los mismos... Es el hacer música entre el paciente y el terapeuta, para tratar de reestablecer la comunicación perdida.

Todas estas definiciones enfocan bajo diversos aspectos el verdadero significado terapéutico de la música, pero no alcanzan a cubrir todas las posibilidades que ésta implica. Todos los componentes provocan reacciones y cambios aprovechables dentro del tiempo de diagnóstico y rehabilitativo. El término Musicoterapia se presta a confusión, porque la música en sí no tiene verdadero efecto curativo. Se podría utilizar mejor el término de Técnicas psicomusicales de rehabilitación o de estimulación musical para el desarrollo.

HISTORIA DE LA MUSICOTERAPIA

El uso de la música es tan antiguo como el mismo hombre, podemos diferenciar dos grandes etapas en la evolución de esta práctica.

De Lo Mágico-Religioso A Lo Terapéutico

Ya en los papiros médicos egipcios del año 1500 a. C. se hace referencia al encantamiento de la música relacionándola con la fertilidad de la mujer. En la Biblia encontramos como David efectuaba música curativa frente al rey Saúl. En muchas leyendas, cosmogonías y ritos sobre el origen del universo en diversas culturas, el sonido juega un papel decisivo.

Así pues, la música fue para el hombre primitivo un medio de comunicación con el infinito. Por ejemplo, para los egipcios, el Dios Thot creó el mundo con su voz; para S Juan, el Verbo, es decir, la palabra se hizo carne y habitó entre nosotros... Los médicos brujos solían y suelen utilizar en sus ritos mágicos, canciones y sonidos para expulsar los espíritus malignos que existen en el individuo enfermo y se ayudan con la danza, la expresión corporal y la ejecución instrumental.

Los griegos dieron a la música un empleo razonable y lógico, sin implicaciones mágicas religiosas, utilizándola como prevención y curación de las enfermedades físicas y mentales. Aristóteles hablaba del valor médico de la música y Platón la recomendaba con las danzas para los terrores y las fobias.

En el siglo XV, Ficino se esfuerza por una explicación física de los efectos de la música, uniendo la filosofía, medicina, música, magia y astrología. Ficino aconsejaba que el hombre melancólico ejecutara e inventara aires musicales. A mediados del siglo XVII, Burton reunió todos los ejemplos disponibles de curación por medio de la música. Así mismo, en este siglo se realizan gran cantidad de estudios y tratados.

En el siglo XVIII, se habló de los efectos de la música sobre las fibras del organismo, se le atribuyó un efecto triple a la música. En el siglo XIX, Esquirol, psiquiatra francés, ensayó la música para curar pacientes con enfermedades mentales. Tissot, médico suizo, diferenciaba la música incitativa y calmante y estimaba que en el caso de epilepsia estaba contraindicada la música.

La Musicoterapia Hoy: La Etapa Científica

Entre 1900 y 1950 el creador de la rítmica y precursor de la Musicoterapia fue Emile Jacques Dalcroze. Sostenía que el organismo humano es susceptible de ser educado eficazmente conforme al impulso de la música. Unió los ritmos musicales y corporales, siendo sus discípulos pioneros de la Terapia Educativa Rítmica. Dalcroze rompió con los rígidos esquemas tradicionales permitiendo el descubrimiento de los ritmos del ser humano, único punto de partida para la comunicación con el enfermo.

Edgar Willems, pedagogo, educador, y terapeuta ha realizado profundos estudios los cuales giran alrededor de la preocupación por investigar y profundizar acerca de la relación hombre-música a través de las diferentes épocas y culturas. Karl Orff, tomó como base de su sistema de educación musical, el movimiento corporal, utilizando el cuerpo como elemento percusivo y el lenguaje en su forma más elemental. Para Orff la creatividad unida al placer de la ejecución musical permite una mejor socialización y establecimiento de una buena relación con el terapeuta, así como un aumento de la confianza y autoestima.

En Estados Unidos desde la Primera Guerra Mundial, los hospitales de veteranos contrataban músicos como ayuda terapéutica, preparando así el camino para la Musicoterapia. Esta valiosa experiencia sirvió para que los médicos la tomaran en cuenta y en 1950 se fundó la Asociación Nacional de Terapia Musical, la cual edita una revista, realiza un congreso anual e inicia la formación de terapeutas musicales. En la actualidad esta formación se da en varias universidades de este país y los musicoterapeutas tienen alto rango de acción profesional.

En Inglaterra se fundó en 1958 la Sociedad de Terapia Musical y Música Remedial dirigida por Juliette Alvin. Luego cambió su nombre por Sociedad Británica de Musicoterapia que extiende el grado de musicoterapeuta y también edita un boletín. Desde 1958 en la Academia de Viena, se dictan cursos especializados en Musicoterapia con práctica en hospitales psiquiátricos y neurológicos. En Salzburgo, Herbert Von Karajan, fundó un instituto de Musicoterapia, con una orientación hacia la investigación Neuro y Psico-Fisiológica

03.relajacion sonica

En América Latina se han desarrollado en los últimos tiempos varias asociaciones tales como: La de Argentina fundada en 1966 y en 1968. Se realizaron allí las primeras jornadas Latinoamericanas de Musicoterapia. En el transcurso del mismo año se fundó la Asociación Brasileña, al año siguiente la Uruguaya, Peruana y Venezolana. En el año de 1970 se fundó la Sociedad Antioqueña de Musicoterapia y en el año de 1972 la colombiana. En febrero de 1987 se refundieron estas dos Sociedades en una, que controle y estimule los trabajos en este campo de Terapia Musical.

EL PODER DE LA MUSICOTERAPIA (**)

La noción de musicoterapia ha sido aceptada dentro del vocabulario médico en tiempos relativamente recientes. Sin embargo, los efectos benéficos que puede ejercer la música sobre la salud humana son conocidos desde hace siglos. En las principales ciudades del mundo actual ya existen centros de musicoterapia que brindan atención especializada a enfermos físicos y mentales, teniendo como fundamento el poder efectivo e inductivo de la música cuando se emplea con fines terapéuticos.

Tratamientos de este tipo se han aplicado con éxito tanto en pacientes psicóticos cuanto en neuróticos, angustiados, estresados o agotados por exceso de trabajo o tensiones. También se han obtenido resultados alentadores en niños tímidos, introvertidos en exceso, inestables o disminuidos físicamente. Es que no puede negarse que la música, esa expresión artística que conjuga sensibilidad con inspiración e imaginación, es una fuerza muy poderosa que puede llegar a incidir -y de hecho llega e incide- en la dinámica de los procesos psíquicos más profundos.

La música está presente en toda la vida de las personas y, desde aquellas amorosas canciones de cuna hasta las marchas fúnebres, puede decirse que acompaña al hombre en todos sus momentos, desde los más sagrados hasta los más profanos y tampoco falta en la mayoría de los actos rituales, los cuales pareciera que, sin música, no son lo que debieran ser.

Obviamente que, partiendo del punto de vista de la salud humana, la música ejerce un predominio que depende de muchos factores, empezando por su calidad y siguiendo por el modo de emplearla. Cabe también aclarar, de entrada, que ciertos ritmos como el rock u otros de tipo afro-cubano, en vez de provocar o conducir hacia la distensión y el relajamiento emocional y mental, estimulan inversamente a la psiquis dando impulso a los instintos reprimidos por la conciencia y fomentan ciertos comportamientos agresivos.

La influencia positiva y terapéutica de la música es una complicada cuestión, condicionada por la estructura y las funciones del sistema nervioso central y el sistema neurovegetativo, las glándulas de secreción interna y los propios órganos internos del cuerpo humano. Todo ello se conjuga, en una compleja construcción, con la obra musical, con su melodía, su armonía, su ritmo, el timbre y la disposición psíquica particular del paciente. La música, según esas características señaladas, puede poner en movimiento o bloquear la sensibilidad emocional del sujeto, su memoria, su imaginación, sus representaciones mentales y hasta sus contenidos ideicos. El terapeuta que utiliza la música como método de tratamiento debe saber con exactitud cuándo y cómo debe reforzar o debilitar, según sea necesario, esas cualidades inherentes al ser.

La musicoterapia constituye un método para liberar a las personas de situaciones de angustia, tristeza, duda, a través de la inducción de ciertos estados emocionales que influyen correctivamente sobre el ánimo deteriorado. Se ha demostrado científicamente que la música puede ejercer acciones sobre diversos órganos y sistemas, como el ritmo cardíaco, la tensión arterial, la secreción de los jugos gástricos e intestinales, la tonicidad muscular, el funcionamiento de las glándulas sudoríparas, el equilibrio térmico de la piel, etcétera.

Las experiencias obtenidas demuestran que la musicoterapia es útil en situaciones que afectan profundamente al enfermo, produciendo en él sentimientos de angustia por el destino de su vida, temores y fobias a ciertas situaciones inconscientemente traumáticas, miedo a la impotencia, la invalidez o la soledad. Los sitios de aplicación de la musicoterapia deben ser los mismos en que comienza y transcurre el proceso de enfermedad y curación del hombre tratado.

En todos los individuos del género humano, aún en ciertos discapacitados profundos, existen fuerzas creadoras y de imaginación que habitualmente no son utilizadas. La música y el color influyen poderosamente para el desarrollo de estas fuerzas. En el trascendental reino de la imaginación, los niños siempre encuentran soluciones creadoras. En cambio los adultos, con una mente mucho más mecanizada, encuentran dificultades para transitar ese gigantesco sendero que lleva hacia el centro de las facultades de crear, el hemisferio derecho del cerebro humano.

Los niños, en sus primeros años de vida, se conectan con toda facilidad con sus áreas cerebrales creativas pero, apenas comienzan sus estudios sistemáticos, es decir la escuela primaria, dejan o son obligados a abandonar eso que se llama pensamiento mágico para introducirse en el mundo de la lógica, las reglamentaciones, las obligaciones y el miedo. Un miedo, en especial hacia los adultos, representado por sus padres y sus educadores, que hace que esa imaginación que se mostraba brillante termine perdida en el fondo del subconsciente, por lo general cargada de culpas y de más miedos.

La música y el color son los dos grandes ayudantes para romper ese círculo del miedo inconsciente a la falta y de ahí a la culpa. Con la música y el color se puede crear el sueño o ensueño a voluntad, que es un mecanismo muy importante para conectarnos con nosotros mismos, o con esa parte de nuestro ser que hemos escondido en un freezer por temores que provienen de la realidad.

En las antiguas culturas se observaban conexiones entre música, canción y curaciones, a veces en medio de ritos cargados de contenidos simbólicos. Egipcios, griegos y persas, entre otros, aluden en sus leyendas a curaciones que hoy podrían calificarse de milagrosas, provocadas por medio de la música. Se dice, por ejemplo, que Herófilo, médico del famoso conquistador Alejandro Magno, regulaba la tensión arterial de acuerdo a una escala musical propia que él confeccionaba en consonancia con la edad del paciente. Demócrito, por su parte, afirmaba que las picaduras de serpientes muy venenosas podían curarse con música de flauta tocada en forma hábil y melodiosa.

De todo esto se desprende que, la musicoterapia tal como hoy es entendida y practicada, no es tan moderna que digamos, pese a lo cual su trascendencia sigue siendo relativamente limitada. Ultimamente, se ha hablado mucho de las alteraciones en los estados de conciencia que se pueden provocar a partir de cambios en la frecuencia respiratoria. Pero se ha descubierto también que la música y ciertos sonidos poseen capacidad propia para provocar modificaciones en los ritmos de las ondas cerebrales. Ciertas pautas sónicas pueden generar per se ondas cerebrales alfa. Cuando uno escucha una melodía, o una sinfonía, el cuerpo también está presente en ese proceso y tiende a seguir el ritmo. No hace falta una concentración profunda en lo que está ocurriendo, sino que debe dejarse que se produzca como una sintonía automática y sincrónica con la música.

De esa manera, el efecto de la música se irá convirtiendo en una especie de masaje sónico que ayudará a eliminar las tensiones provocadas por una vida cotidiana cargada de estrés y ansiedad.

La música como herramienta terapéutica

2011-10-27T12:26:00.003+02:00

La música está siempre con nosotros, por todo el mundo, en todas las culturas. La música nos acompaña desde el nacimiento cuando, por ejemplo, nos cantaban nanas. Y continúa con nosotros durante cada una de las etapas de nuestra vida (las canciones infantiles, el primer amor, el nacimiento de un hijo, una despedida….). La utilizamos de forma natural para relajarnos cuando estamos estresados, enfadados o tenemos miedo. Todos sabemos reconocer cuándo una canción nos parece y generalmente asociamos nuestro estado de ánimo a la melodía de numerosas obras de todo tipo. No hace falta saber de música, para saber como afecta a nuestro organismo: basta con sentir que tipo de emociones despierta en nosotros. La música influye en nuestra mente y nuestro cuerpo mediante la creación de emociones. Cualquier pieza musical puede influir, ya sea de manera negativa o positiva.

Hoy sabemos que la música tiene una serie de efectos fisiológicos: modifica el ritmo respiratorio, la presión arterial, las contracciones estomacales y los niveles hormonales. Los ritmos cardiacos se aceleran o se vuelven más lentos, de forma tal que se sincronizan con los ritmos musicales. También se sabe que la música puede alterar los flujos eléctricos de nuestro cerebro. Los estudios científicos han encontrado que la música tiene un gran impacto en la comodidad, la relajación y la percepción del dolor de los pacientes, incluso en el dolor del cáncer

Los enfermos que reciben musicoterapia, junto con sus tratamientos normales, han informado de una menor intensidad del dolor y, a veces, han requerido menos medicación para mitigarlo. Otros estudios clínicos han sugerido que la música puede reducir las sensaciones de ansiedad y depresión e incluso puede ayudar a dormir.

Actualmente se están llevando a cabo investigaciones respecto de los beneficios de la música. Y sus usos son múltiples: se puede emplear para reducir el estrés a través de interpretar y/o escuchar música, disminuir la ansiedad, mejorar la autoestima; permite a las personas explorar sus sentimientos, hacer cambios positivos en su estado de ánimo y emocional y mejorar sus habilidades de comunicación.

Desde la Asociación Española Contra el Cáncer en Teruel, pretendemos ayudar al enfermo oncológico y las personas de su entorno para mejorar su calidad de vida, independientemente del momento de la enfermedad en la que se encuentre, así como incidir en la prevención de esta enfermedad. En esta línea, desde 1999, venimos desarrollando el programa “Mucho por Vivir”, dirigido a las mujeres diagnosticadas de cáncer de mama y a sus familiares. Este programa se compone de diferentes áreas como son la intervención psicológica individual y grupal, la intervención social, las actividades de ocio y tiempo libre, la prevención del linfedema y el voluntariado testimonial.

Va dirigida tanto a las mujeres diagnosticadas como a sus familiares, en cualquiera de las fases de la enfermedad en la que se encuentre, con el objetivo general de minimizar las alteraciones emocionales derivadas del proceso de la enfermedad. Pueden ser tanto sesiones de asesoramiento como terapia psicológica, dependiendo de la problemática presentada

Intervención psicológica grupal. El trabajo grupal es una manera eficaz de promover cambios en las actitudes, conductas, emociones y hábitos a través del intercambio de experiencias. También ayuda en el autoconocimiento y apoyo mutuo, la prevención del aislamiento, el fomento de la participación en un espacio de escucha y de promoción de salud y la mejora de la dinámica de la relación familiar y de pareja. En esta área se trabajan diferentes contenidos como son el estado de ánimo, la ansiedad y el estrés, la imagen corporal, la sexualidad, la autoestima o la comunicación y familia. Dependiendo del contenido, la intervención se dirige a las mujeres diagnosticadas (que no presenten alteraciones psicológicas severas que puedan interferir en el desarrollo del grupo) o a ambos miembros de la pareja. Este es, junto con el voluntariado testimonial, uno de los pilares del programa.

Intervención social. Se ofrece tanto a las mujeres diagnosticadas como a los familiares que lo demanden, con el objetivo de informar, orientar y asesorar sobre recursos sociales (prótesis, bañadores adaptados, ayudas económicas, pisos para enfermos y familiares, voluntariado...).

Actividades de ocio y tiempo libre, formativas, culturales y talleres ocupacionales. Van dirigidas a las mujeres diagnosticadas, independientemente del momento de la enfermedad en la que se encuentren. Constituyen un apoyo y complemento al resto de áreas del programa, favoreciendo la interacción social, aumentando su red social y fomentando la participación en actividades lúdicas u ocupacionales.

Prevención del linfedema. Dado que el linfedema es una de las complicaciones más frecuentes derivadas del tratamiento quirúrgico del cáncer de mama, se considera importante enseñar a la mujer operada a prevenir la aparición del edema en el brazo afectado y mantener los beneficios conseguidos. Las actuaciones dentro de este área (talleres, conferencias…) siempre son impartidas por fisioterapeutas que colaboran con la AECC y se complementan con la oferta de otras actividades como la natación o baile de sevillanas.

Voluntariado Testimonial. Son las mujeres que han superado la enfermedad y previa formación, continuo seguimiento y reciclaje, ofrecen un modelo de adaptación positiva a la enfermedad a otras mujeres que han sido diagnosticadas. Además son cauce de información de los servicios de la AECC, así como de otros recursos.

Dentro del área de intervención grupal y tomando como punto de partida algunas de las aplicaciones de la música, ésta actúa como motivación para el desarrollo de la autoestima, provocando sentimientos de realización, confianza, satisfacción y seguridad en sí misma. Por ello decidimos utilizarla como herramienta terapéutica para trabajar una de las sesiones iniciales del módulo de autoestima, anteriormente citado, cuyo objetivo general era el autoconocimiento, partiendo de la historia vital de cada una de las participantes.

Para dicha sesión una tarea que previamente tenían que realizar en casa era recuperar esas canciones, que de forma significativa, les habían acompañado en momento vitales importantes, tanto positivos como negativos y escribir un texto sobre ellos. Esta tarea conlleva una serie de objetivos específicos: dedicar parte de su tiempo a reflexionar sobre su trayectoria vital; enfrentarse a sentimientos y vivencias con la perspectiva del tiempo vivido (después del diagnóstico de cáncer) y realizar una actividad gratificante.

En las dos sesiones siguientes cada una de las participantes leía su texto, y a medida que se realizaba la lectura, escuchábamos cada una de las canciones que habían elegido. Tras la audición, se establecía un dialogo que posibilitaba la expresión de sentimientos y la comunicación entre el grupo, fUn ejemplo del trabajo que realizaron en estas sesiones, es el texto escrito por una de las mujeres participantes en la actividad:

“En la vida hay cosas muy importantes, una de ellas son los recuerdos. Recuerdos plasmados en una foto, viendo una película o escuchando una canción. A mí, gracias a Dios la vida me ha dado muchos recuerdos con muchas canciones, marcando importantes etapas de mi vida.

Cuando era una adolescente toda la música valía para reír, bailar y disfrutar con los amigos; una de ellas fue el “Poupurrí de los 80”. Un día un amigo me dejó una cinta de casete del mejor, el más grande, el rey como le dicen, él es Bruce Springsteen, con sus canciones he vivido grandes momentos…. y los que me quedan. …., con su canción “Tunnel of Love” conocí a la persona que comparte mi vida desde que tenía 16 años ¿no es maravilloso? Pero hay una especial por y para él: “Te regalo” de Carlos Baute. Image

A los 21 me convertí en la persona más feliz con el más preciado tesoro que la vida puede dar a una mujer: una estrella, mi hija, mi estrella; con una luz que nunca pierde su fuerza y mantiene clara mi oscuridad. Para ella, mi princesa, siempre será la canción “Esta soy yo” de El Sueño de Morfeo. Pasa el tiempo y mantienes todos tus sueños, tus alegrías. Sueños que llegan a los 26 y aparece en mi vida un nuevo sol con una energía y un calor que te enganchará y del cual no puedes escapar. Él es mi día, mi rey, mi hijo. Para él: “Dale más velocidad” de El Canto del Loco.

Cada segundo que pasa la vida nos da y nos quita. Yo me agarro a lo que me da. Con la canción “To be free” de Mike Olfield siento la paz del sol, las estrellas, el aire y el agua correr, en dos palabras LA VIDA.

Aunque a veces es inevitable y esa palabra te sorprende, como la de esta canción que me cuesta pero me llena “Escapar”, de Moby y Amaral, y como dice su letra, sientes que algo se te escapa de las manos que no te deja pensar y te cuesta reaccionar. Cuando me siento mal escucho a mi corazón y reacciono con “Caminar por la vida” de David Civera, entonces puedo ver que nada es imposible, solo hay que luchar, salir y mirar a tu alrededor, todo lo que tienes frente a ti.

Ahora estoy bien, estoy aquí, ¿qué más puedo pedir? Como diría otra de mis canciones de Luz Casal…. “Aquí estoy bien.” (Rosario Blasco. Teruel, abril 2008).

Pero el trabajo del grupo no quedó ahí. De esta sesión, en la cual escuchamos y compartimos muchas canciones significativas para cada una de estas mujeres, acabaron eligiendo una que es desde este año un mensaje que lanzan en uno de los actos más simbólicos de la AECC: el Desfile “Mucho por vivir”, un pase de lencería y ropa de baño adaptado. Ellas son MODELO para muchas otras mujeres, sus familiares y el resto de la población.

La canción elegida fue “Color Esperanza” de Diego Torres. Su idea principal no puede ser más significativa:

“Saber que se puede, querer que se pueda, quitarse los miedos, sacarlos afuera.

Pintarse la cara color esperanza, tentar al futuro con el corazón”.

BIBLIOGRAFIA

. Benenzon. R, Hemsy de Gainza.V y Wagner.G. Sonido, Comunicación y Terapia. Amarú Ediciones. Salamanca 1997.

. Campbell, D. El efecto Mozart. Ediciones Murano. Barcelona. 1998

. www.abcmedicus.com/articulo/pacientes/1/id/163/pagina/1/musica_terapia.html. (Fecha de consulta noviembre 2008).

.www.muchoxvivir.org. (Fecha de consulta noviembre 2008).

. www.nlm.nih.gov/medlineplus/spanish/news/fullstory_69145.html. (Fecha de consulta noviembre 2008).

. www.psiquiatria.com/noticias/tratamientos/psicoterapias/38479/. (Fecha de consulta noviembre 2008).

.www.ribbonofpink.com/spanish/content/breast-cancer- music.jsp?usertrack.filter_applied=true&NovaId=2229645022398151695. (Fecha de consulta noviembre 2008).

. www.recercat.cat/bitstream/2072/12417/1/musicoterapia+en+pacientes+con+cancer.pdf. (Fecha de consulta noviembre 2008).

Escrito por Mercedes Castellote Mengot

Psicóloga. Asociación Contra el Cáncer de Teruel.

"Earth Song", M.Jackson

2011-10-26T17:09:00.002+02:00

Vide censurado en USA.

Cualidades terapéuticas de la música

2011-10-25T16:50:00.001+02:00

El concepto de música como terapia ha existido en la mayoría de las culturas y en todos los tiempos. Se entiende por terapia todo remedio que se utiliza para curar, paliar o prevenir trastornos físicos y psíquicos del hombre, aunque debido a nuestro estresante estilo de vida, todos podemos beneficiarnos sin padecer necesariamente algún trastorno.

La música y la danza forman parte las denominadas "terapias creativas y artísticas"; nos ayudan a:
• Reducir y manejar el estrés, disminuir la ansiedad.
• Mejorar la autoestima, explorar sentimientos.
• Mejorar las habilidades de socialización.
• Hacer cambios positivos en el estado de ánimo.
• Descargar energía tanto física como emocional.

Todos conocemos por experiencia que distintas melodías despiertan en nosotros estados de ánimo diferentes. Es una práctica sencilla que podemos realizar en nuestra propia casa. A partir de este experimento, podremos llegar a diseñar un repertorio de composiciones musicales con distintas características, que podremos administrarlas para, en un momento determinado, cambiar el giro de nuestros pensamientos.

Cualidades terapéuticas de la música
La música ejerce distintos efectos a varios niveles en el ser humano. Resumiendo he aquí las siguientes cualidades:

Fisiológicas
- Acelera o retarda las principales funciones orgánicas: ritmo cerebral, circulación, respiración, digestión, metabolismo…
- Actúa sobre el sistema nervioso central y periférico; su acción se traduce en sedante, excitante, enervante…

Psicológicas
- La música puede despertar, evocar, provocar, robustecer y desarrollar los más diversos sentimientos.
- Su naturaleza no verbal, ayudar a la expresión de emociones profundas.

Intelectuales
- Desarrolla la capacidad de atención. Estimula la imaginación y la capacidad creadora.
- Desarrolla la expresión musical, la memoria.
- Inicia a quien la practica a la meditación o reflexión.
- Mejora la memoria reciente y estimula la memoria a largo plazo.

Sociales
- La música contribuye al establecimiento de las relaciones y habilidades sociales. Las actividades musicales realizadas en grupo, ofrecen una experiencia única de relacionarse y compartir experiencias con otros.
- Favorece la integración social.
- Invita al diálogo y comunicación con los miembros del grupo.
- Favorece la expresión individual ante el grupo.

Conclusiones
- Estas terapias son un tratamiento "flexible" que permite llegar a personas con diferentes habilidades y capacidades.
- Constituyen un tratamiento "no invasivo" ni doloroso, que permite obtener resultados sorprendentes incluso en aquellos casos de personas más reacias a participar en otro tipo de tratamientos
- Son un efectivo elemento motivador, que permite a los individuos establezcan relaciones satisfactorias con su entorno.

Nueva y actualizada página web

2011-10-25T15:37:00.000+02:00

Siendo mi espacio personal, me gustaría dejar nticia de mi nueva y actualizada página web, donde están colgados todos mis trabajos de teatro, ópera, masterclasses, películas y fotos!

Gracias de antemano si pasáis y echáis un vistazo!

http://web.me.com/agatarco/M%C2%AAElena_Mex%C3%ADa/M%C2%AAElena_Mex%C3%ADa.html

Cambia, todo cambia....

2011-10-14T21:36:00.000+02:00

Cambia lo superficial
cambia también lo profundo
cambia el modo de pensar
cambia todo en este mundo

Cambia el clima con los años
cambia el pastor su rebaño
y así como todo cambia
que yo cambie no es extraño

Cambia el mas fino brillante
de mano en mano su brillo
cambia el nido el pajarillo
cambia el sentir un amante

Cambia el rumbo el caminante
aunque esto le cause daño
y así como todo cambia
que yo cambie no extraño

Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia

Cambia el sol en su carrera
cuando la noche subsiste
cambia la planta y se viste
de verde en la primavera

Cambia el pelaje la fiera
Cambia el cabello el anciano
y así como todo cambia
que yo cambie no es extraño

Pero no cambia mi amor
por mas lejos que me encuentre
ni el recuerdo ni el dolor
de mi pueblo y de mi gente

Lo que cambió ayer
tendrá que cambiar mañana
así como cambio yo
en esta tierra lejana

Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia
Cambia todo cambia

Pero no cambia mi amor...

La música prehispánica, Sonidos Rituales a lo largo de la Historia

2011-08-15T22:12:00.000+02:00

Por Arnd Adje Both

Vaso silbador. Preclásico. Tlatilco, estado de México.

Aunque en Mesoamérica, la música y los sonidos rituales tenían una gran importancia, su reconstrucción apenas está en proceso. Si bien la historia del mundo sonoro prehispánico aún no está escrita, sabemos que ese mundo estaba muy desarrollado y que en él subyacían conceptos mágico-religiosos.

Los instrumentos musicales evolucionaron a la par que las sociedades mesoamericanas. El cada vez más refinado conocimiento de la cerámica permitió la creación de fascinantes vasijas en las que previamente se había puesto liquido para que, al moverlas y con el paso del viento, sonaran, como este perro con máscara antropomorfa, cuyos silbatos, que están en lugar de sus orejas, sonaban cuando el viento pasaba por ellos.

En Mesoamérica florecieron culturas musicales multifacéticas. Tanto los sonidos del ambiente natural como la música instrumental y vocal estaban estrechamente relacionados con los conceptos religiosos. Mientras el origen de los instrumentos musicales tenía raíces mitológicas, el sonido de los instrumentos más sagrados se entendía como la voz de los dioses. Al ser considerados recipientes divinos, los instrumentos fueron tratados con gran respeto, y hasta se les dedicaron templos y altares en donde se les adoraba al lado de estatuas de los dioses de la música y la danza.

La investigación de las culturas musicales prehispánicas en Mesoamérica se basa en el estudio de una gran cantidad de artefactos sonoros y de representaciones en las artes, que manifiestan un empleo ritual de la música y la danza. Las fuentes escritas de la época colonial temprana proporcionan informaciones reveladoras. Además, se realizan comparaciones con la música y las danzas de grupos étnicos contemporáneos, en las cuales aún sobreviven elementos prehispánicos con gran profundidad histórica.

Ejecutante de tambor. Tlatilco, estado de México.

LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN MESOAMÉRICA

Arcaico (antes de 2500 a.C). Los orígenes de la música en Mesoamérica se pierden en la oscuridad de la historia. Sin embargo, es probable que con los primeros pobladores del continente llegaran las flautas de hueso que en el Viejo Mundo ya eran conocidas durante el Paleolítico Superior (40,000-10,000 a.C). En el grupo de instrumentos musicales prehistóricos manufacturados por los cazadores-recolectores alrededor de 10,000 a.c. se encuentran los silbatos de hueso con una perforación, que producen sonidos de animales. La imitación de sonidos naturales constituía un remedio eficaz y era un medio mágico de comunicación.

La imitación de sonidos de animales para la cacería mostró que se podía influir en el ambiente natural por medio del sonido. Probablemente la evocación ritual de la lluvia por medio de sonajas se originó sobre la base de esta observación.

Colima. Museo Universitario de Arqueología de Manzanillo, Colima.

Con la fabricación de instrumentos que producían sonidos no existentes en la naturaleza, se fortaleció la idea de que los sonidos artificiales estaban asociados a conceptos religiosos. Entre los primeros instrumentos de Mesoamérica a los que se daba este uso se encuentran los raspadores de hueso, los caparazones de tortuga y los sartales de concha.

Es probable que estos instrumentos se utilizaran en actividades rituales, en las cuales los sonidos, el ritmo y el movimiento desempeñaban un papel importante para entrar en contacto con el mundo espiritual.

En el Preclásico Medio (1200-300 a.C.) los alfareros mesoamericanos elaboraron figurillas que reproducían escenas cotidianas o rituales. Entre estas últimas, hubo las de hombres tocando un tambor que fueron colocadas en los entierros como parte del ajuar funerario de los difuntos.

Al ser considerados recipientes divinos, los instrumentos musicales fueron tratados con gran respeto, y hasta se les dedicaron templos y altares en donde se les adoraba al lado de estatuas de los dioses de la música y la danza.

En los rituales en que los chamanes del Occidente de Mesoamérica del Preclásico Tardío (300 a.C.-150 d.C.) lograban estados de éxtasis religioso, se tocaban flautas dobles que producían interferencia en las ondas acústicas y las transformaban en sonidos de efectos psicoacústicos. Flauta doble de cerámica y raspador de piedra.

Flauta de pan, Región del Golfo de México.

La música y la danza tuvieron gran importancia durante el Clásico mesoamericano (150-750/900 d.C.) tanto que incluso las ciudades pequeñas tenían una música propia.

*Arqueología Mexicana, Vol. XVI, Núm. 94

Las Babi de Bistritsa polifonía, danzas y prácticas rituales arcaicas de la región de Shoplouk

2011-08-14T15:06:00.000+02:00

Descripción: Las danzas y los cantos polifónicos de la región de Shoplouk, en Bulgaria, siguen siendo interpretados por un grupo de ancianas, las Babi de Bistritsa. Esta tradición incluye la diafonía, conocida con el nombre de polifonía shoppe, antiguas formas del baile en cadena horo, y la práctica ritual del lazarouvane, una ceremonia de iniciación para las muchachas.
La diafonía es un tipo específico de canto polifónico en el que una o dos voces construyen la melodía compuesta de izvikva, (grito, llamada), y del bouchi krivo, (rugido), mientras que otros cantantes mantienen un bordón monotónico que se duplica o se triplica para producir un sonido más fuerte. Las bailarinas, vestidas con trajes tradicionales, se mantienen unidas agarrándose por el cinturón o la cintura y bailan en círculo, con pasos ligeros y moviéndose en el sentido contrario a las agujas del reloj. Dentro de esta estructura se realiza un cierto número de variaciones, dependiendo de la canción y de la práctica ritual.
La función social del canto polifónico ha cambiado a lo largo del siglo XX, pues ahora se representa sobre todo en una escena. Sin embargo, las Babi de Bistritsa son consideradas como un componente importante de la vida cultural de la región, transmitiendo expresiones culturales tradicionales a las generaciones más jóvenes. Estas mujeres figuran entre los pocos representantes que quedan de la polifonía tradicional y el pueblo de Bistritsa es una de las últimas zonas de Bulgaria donde esta expresión cultural se ha mantenido durante siglos.
La proximidad de la capital Sofía, donde se ofrece gran variedad de atracciones culturales, hace que los jóvenes pierdan el interés por las tradiciones basadas en la comunidad. A lo largo de los años, se ha reducido el rico repertorio de cantos y bailes, incluyendo ahora solamente sus aspectos más populares para ser representados en escena.
Paises: Bulgaria

Los cantos polifónicos de los pigmeos aka de Centroáfrica

2011-08-12T09:02:00.001+02:00

Descripción: Los pigmeos aka, que viven en el suroeste de la República Centroafricana, han elaborado una tradición musical particular: una forma compleja de polifonía contrapúntica a cuatro voces que el conjunto de la comunidad aka domina perfectamente.
La música y la danza forman parte integrante de los rituales aka, en especial las ceremonias que acompañan la inauguración de nuevos campamentos, la caza o los funerales. Al contrario de los sistemas polifónicos que son representados mediante notas, la tradición vocal de los pigmeos aka permite la expresión espontánea y la improvisación. Cada cantante puede, durante la ejecución de una canción, modificar su voz para producir una multitud de variaciones, lo que produce la impresión de que la música está en continua evolución. Los cantos suelen estar acompañados por diversos instrumentos de percusión y de cuerdas específicos para cada circunstancia. Los más utilizados son el enzeko, un tambor local, el geedale-bagongo, una especie de arpa, y el mbela, un arco de una sola cuerda. Mediante los cantos se transmiten los conocimientos considerados esenciales para la cohesión del grupo y la preservación de los valores de la comunidad. Las danzas se acompasan batiendo palmas. Según el ritual, ciertos bailes son ejecutados por hombres, otros por parejas mixtas y, en algunos casos, en solitario. Los pigmeos aka han conseguido preservar ese conocimiento musical mediante la transmisión oral desde muchas generaciones asociando a los niños a todos los rituales desde su más tierna edad.
El modo de vida de los pigmeos aka se ha visto profundamente perturbado por los cambios que se están produciendo en la República Centroafricana. La escasez de los animales de caza resultante de la deforestación, el éxodo rural y la folclorización de su patrimonio con fines turísticos son algunos de los principales factores que han contribuido a la desaparición gradual de muchas de sus costumbres ritos y técnicas tradicionales.
Paises: República Centroafricana

Segunada Muestra de música indígena de las américas

2011-08-10T19:00:00.000+02:00

Segunada Muestra de música indígena de las... por dgtvesep

¿Qué es la Música Psicogemetrica?

2011-08-07T18:57:00.001+02:00

La utilización de los sonidos como medio de apoyo terapéutico se remonta a los albores de la civilización: Los hombres primitivos creían que cada ser tenía su propio sonido secreto al cuál debía responder. Los ritos mágicos de médicos brujos tenían la función de descubrir ese sonido secreto ante el cuál el cuerpo y el espíritu del paciente reaccionarían en forma auto sanadora.

Aristóteles hablaba, en la antigua Grecia, del valor médico de la música ante las emociones incontrolables y atribuía su efecto benéfico para la catarsis emocional. Platón, a su vez, recetaba música y danza como cura para la angustia. El aseguraba que "la música no ha sido dada al hombre con el objeto de halagar sus sentidos, sino más bien para calmar los trastornos de su alma y los movimientos que experimenta el cuerpo lleno de imperfecciones".

En la actualidad, los asombrosos resultados obtenidos mediante la Musicoterapia y otras terapias alternativas basadas en sonido ha despertado el interés de psiquiatras, neurólogos y científicos, dando lugar a la conformación de nuevas líneas de pensamiento científico tales como la musicología cognitiva.

En años recientes, se ha descubierto que el sistema nervioso se compone de células que se comunican entre sí a través de sustancias denominadas "neurotransmisores", tales como las endorfinas, las cuales provocan la sensación de bienestar a las vez que tienen un efecto sedante, antidepresivo y analgésico. La psiquiatría promueve el uso de medicamentos para sustituir la carencia de estos neurotransmisores, sin embargo, las nuevas corrientes terapéuticas han demostrado que actividades como el ejercicio, ciertos aromas y algunos sonidos pueden generar, de manera natural, dichas sustancias. En otras palabras, está científicamente comprobado que la música puede liberar endorfinas.

Cuando una persona se somete a una relajación cerebral a través de frecuencias sonoras, inmediatamente experimenta cambios físicos como disminución de la frecuencia cardiaca y respiratoria, disminución de la temperatura corporal, menor consumo de oxígeno, relajación muscular y otros síntomas que denotan una liberación de endorfinas.

¿En qué consiste el estudio de Música Psicogeométrica de la nota tonal?

En Psicogeometría División Música desarrollamos e incorporamos en la composición musical los elementos básicos de la Geometría Sagrada: proporcionalidad, significación, fractalidad, auto-recurrencia, etc., con patrones armónicos de frecuencias audibles identificados como capaces de catalizar procesos biológicos, psicológicos y emocionales, obteniendo un tipo de música que "trabaja" para equilibrar al escuchante con su interior y con su entorno de una manera auto-organizable.

En la composición de la música psicogeométrica se utilizan tanto instrumentos electrónicos como instrumentos musicales convencionales e instrumentos musicales de tipo étnico provenientes de tradiciones culturales ancestrales. Se combinan voces, silabaciones y mantralizaciones en distintas lenguas para obtener un canto armónico.

El objetivo de este estudio es determinar la frecuencia sonora fundamental que produce, de forma recurrente, un efecto de resonancia con el cuerpo físico y el cuerpo emocional. Esto se obtiene mediante la observación de las respuestas oculares a estímulos auditivos en un estado de relajación consciente. Asimismo, se determinan frecuencias adicionales a las que la biología responde como producto de la manifestación del estado emocional específico de la persona.

En base a las frecuencias y proporciones encontradas, se elabora una composición musical única para la persona que se presenta en un CD de música para que el interesado lo escuche recurrentemente y pueda obtener los beneficios de esta música. Está integrada por su nota tonal, sus armónicos y su gusto estético. Se procesa la información y se potencía mediante elementos de música geométrica, permitiendo lograr un efecto auditivo combinado que logra hacer resonar positivamente el cuerpo, ayudar a restablecer el equilibrio armónico, inducir emociones placenteras, y proveer una poderosa herramienta para el bienestar.

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Autor del documento: Arturo Ponce de León para Psicogeometría México. Colaboración: Ninón Fregoso
http://www.psicogeometria.com/musica.html

Cualidades terapéuticas de la música
La música ejerce distintos efectos a varios niveles en el ser humano. Resumiendo he aquí las siguientes cualidades:

Fisiológicas
- Acelera o retarda las principales funciones orgánicas: ritmo cerebral, circulación, respiración, digestión, metabolismo…
- Actúa sobre el sistema nervioso central y periférico; su acción se traduce en sedante, excitante, enervante…

Psicológicas
- La música puede despertar, evocar, provocar, robustecer y desarrollar los más diversos sentimientos.
- Su naturaleza no verbal, ayudar a la expresión de emociones profundas.

Intelectuales
- Desarrolla la capacidad de atención. Estimula la imaginación y la capacidad creadora.
- Desarrolla la expresión musical, la memoria.
- Inicia a quien la practica a la meditación o reflexión.
- Mejora la memoria reciente y estimula la memoria a largo plazo.

Sociales
- La música contribuye al establecimiento de las relaciones y habilidades sociales. Las actividades musicales realizadas en grupo, ofrecen una experiencia única de relacionarse y compartir experiencias con otros.
- Favorece la integración social.
- Invita al diálogo y comunicación con los miembros del grupo.
- Favorece la expresión individual ante el grupo.

Planeta Libre

2011-07-29T04:32:00.000+02:00

WebIslam

Singh Kaur Crimson

2011-07-17T05:24:00.000+02:00

Cantar este mantra para ayudar a resolver una situación difícil. Ardas Bhai es una oración mántrica. Si la cantas, tu mente, cuerpo y alma automáticamente se combinan y, sin tener que decir lo que quieres, la necesidad de la vida, se ajusta.
Ardaas Bhai, Amar Daas Guru
Amar Daas Guru, Ardaas Bhai
Ram Daas Guru, Ram Daas Guru
Ram Daas Guru, Sachi Saji
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Natascha Nikeprelevic explica la técnica del canto armónico

2011-07-15T03:48:00.000+02:00

Todo canto tiene una técnica y el canto armónico es fonética pura:
U - O - A; U - Yu - I; O - er - I; A - a - ei - I.

Buscando el camino, la verdad y la vida

2011-07-12T12:56:00.000+02:00

La canción de los hombres

2011-07-10T00:44:00.001+02:00

En esta tribu de África hay otra ocasión en la cual los pobladores cantan la canción. Si en algún momento durante su vida la persona comete un crimen o un acto social aberrante, se lo lleva al centro del poblado y la gente de la comunidad forma un círculo a su alrededor. Entonces le cantan su canción.

La tribu reconoce que la corrección para las conductas antisociales no es el castigo; es el amor y el recuerdo de su verdadera identidad. Cuando reconocemos nuestra propia canción ya no tenemos deseos ni necesidad de hacer nada que pudiera dañar a otros

La canción de los hombres por eslabonencontrado

Cuando una mujer de cierta tribu de África sabe que está embarazada, se interna en la selva con otras mujeres y juntas rezan y meditan hasta que aparece la canción del niño.
Ellas saben que cada alma tiene su propia vibración que expresa su particularidad, unicidad y propósito. Las mujeres encuentran la canción, la entonan y cantan en voz alta. Luego retornan a la tribu y se la enseñan a todos los demás.
Cuando nace el niño, la comunidad se junta y le cantan su canción.
Luego, cuando el niño va a comenzar su educación, el pueblo se junta y le canta su canción.
Cuando se inicia como adulto, nuevamente se juntan todos y le cantan.
Cuando llega el momento de su casamiento, la persona escucha su canción en voz de su pueblo.
Finalmente, cuando el alma va a irse de este mundo, la familia y amigos se acercan a su cama y del mismo modo que hicieron en su nacimiento, le cantan su canción para acompañarle en el viaje.
En esta tribu, hay una ocasión más en la que los pobladores cantan la canción.
Si en algún momento durante su vida la persona comete un crimen o un acto social aberrante, se le lleva al centro del poblado y toda la gente de la comunidad forma un círculo a su alrededor. Entonces... le cantan su canción.
La tribu sabe que la corrección para las conductas antisociales no es el castigo, sino el amor y el recuerdo de su verdadera identidad. Cuando reconocemos nuestra propia canción ya no tenemos deseos ni necesidad de hacer nada que pudiera dañar a otros.
Tus amigos conocen tu canción, y te la cantan cuando la olvidaste. Aquellos que te aman no pueden ser engañados por los errores que cometes o las oscuras imágenes que a veces muestras a los demás. Ellos recuerdan tu belleza cuando te sientes feo, tu totalidad cuando estás quebrado, tu inocencia cuando te sientes culpable, tu propósito cuando estás confundido.
"No necesito una garantía firmada para saber que la sangre de mis venas es de la tierra y sopla en mi alma como el viento, refresca mi corazón como la lluvia y limpia mi mente como el humo del fuego sagrado".
Tolba Phanem

El Agua

2011-07-08T19:41:00.002+02:00

CIMÁTICA: "La forma del sonido"

2011-06-26T03:34:00.000+02:00

Cuadros de Sonido: Haciendo Visibles las Vibraciones Invisibles

En nuestra cultura moderna donde para muchos ver es creer, ¿cómo sabemos que lo que dicen las sagas y los practicantes de energía acerca del poder del sonido es verdad? ¿Hay evidencias que la vibración y el sonido pueden afectar la materia, interactuar con nuestras moléculas y estimular la curación? Y en ese caso, ¿podemos nosotros medir sus efectos?

En el siglo dieciocho, el científico alemán y músico Ernst Chladni, conocido como el padre de la acústica, dio un paso hacia contestar estas interrogantes. Él demostró, en simples y sencillos experimentos visuales, que el sonido afecta la materia. Cuando él tomó un arco de violín alrededor del borde de una placa cubierta con arena fina, la arena formó varios patrones geométricos, como se muestra abajo.

Otro pionero en esta arena fue el Dr. Hans Jenny. Suizo, doctor en medicina y científico, Dr. Jenny comprendió la importancia de la vibración y el sonido, y partió para estudiarlos de un único ángulo. Sus fascinantes experimentos en el estudio de fenómenos de ondas que él llamó cimática - cymatics (del kyma griego, significando “la onda”), nos proporciona nada menos de cuadros de cómo el sonido influencia la materia.

En los años sesenta, el Dr. Jenny puso arena, fluido y polvos sobre platos de metal, que él hizo vibrar con un generador especial de frecuencia y una bocina. Sus experimentos produjeron bonitos e intrincados patrones que eran únicos para cada vibración individual (vea las fotografías debajo). Es más, estos patrones variantes permanecieron intactos mientras el sonido pulsaba a través de la sustancia. Si se detenía el sonido, el patrón colapsaba.

Para muchos, estos experimentos muestran que el sonido puede, de hecho, alterar formas, que diferentes frecuencias producen diferentes resultados, y ese sonido realmente crea y mantiene la forma.

Las fotografías abajo fueron tomadas por el trabajo del Dr. Jenny en cimática.

Usado con el permiso de la edición de dos-volúmenes de Cimática: Un Estudio de Fenómenos de Onda

MACROmedia, 219 Grant Road, Newmarket, NH 03857.

www.cymaticsource.com

Aunque es mejor conocido por sus estupendas imágenes de cimática, el Dr. Jenny también era artista y músico, así como filósofo, historiador y científico físico. Quizás más importante, él era un estudiante serio de las maneras de la naturaleza con los poderes perspicaces de observación.

Ya fuera el ciclo de las estaciones, las plumas de un pájaro, una gota de lluvia, la formación de patrones climáticos, montañas u ondas - o aún la poesía, la tabla periódica, música o sistemas sociales - el Dr. Jenny vio un subyacente tema unificador: patrones de ondas, producidos por vibración.

“Dondequiera que vemos, podemos describir lo que vemos en términos de periodicidades y ritmos,” escribió. “Cuando la naturaleza crea algo, cualquier cosa que crea en este estilo periódico.” 1

Para él, todo reflejaba inherentes patrones de vibración, involucrando número, proporción y simetría—lo que él llamó el “principio armónico.”

El Dr. Jenny animó a continuar la investigación del fenómeno de ondas. El propósito de tales estudios, explicó, era “escuchar” los sistemas de la Naturaleza.

“Lo que queremos hacer es, que aprendamos a ‘escuchar’ los procesos que florecen en las flores, a ‘escuchar’ la embriología en sus manifestaciones y aprehender el proceso de interiorizar,” escribió. 2

Nuestras Células Responden al Sonido

Las implicaciones del trabajo del Dr. Jenny son inmensas, especialmente para el campo de sanar y medicina vibratoria. Si el sonido puede cambiar las sustancias, ¿puede alterar nuestro paisaje interior? Puesto que los patrones de vibración son ubicuos en su naturaleza, ¿qué papel juegan creando y sosteniendo las células de nuestros propios cuerpos? ¿Cómo los patrones vibratorios de un cuerpo enfermo difieren de los patrones que el cuerpo emana cuándo es saludable? ¿Y podemos darle vuelta a las vibraciones enfermas y volverlas saludables?

Mientras el Dr. Jenny no se enfocó en las posibilidades curativas del sonido y vibración, su trabajo inspiró a muchos cuyo destino era hacer eso.

Dos otros investigadores que han creado una abrumadora evidencia visualdel poder del sonido son los científicos japoneses, Masaru Emoto y Fabien Maman. Maman, compositor francés, acupunturista y bioenergetista, y Helene Grimal, una bióloga, experimentaron con células saludables y células cancerosas para ver cómo ellos responderían a la voz y a los varios instrumentos. En su libro El Papel de la Música en el Vigésimo primer Siglo, (The Role of Music in the Twenty-First Century) Maman reporta que entre los dramáticos efectos de sonido que capturaron en sus fotografías estaba la progresiva desestabilización de la estructura de células cancerosas. Cuando Maman tocaba sonidos que progresaban hacia arriba de la escala musical, las células cancerosas eventualmente explotaron.

El Científico japonés, Masaru Emoto mostró los potentes efectos del sonido, fotografiando cristales de agua. En sus notables experimentos, él tocó música clásica y canciones folklóricas de Japón y de otros países a través de portavoces puestos al lado de las muestras de agua. Él luego congeló el agua para hacer cristales y comparó la cristalina estructura de diferentes muestras. Con cada pieza musical, la muestra de agua formó diferentes cristales, hermosamente geométricos. Cuando tocó música metalica pesada, la estructura hexagonal básica del cristal de agua se quebró en pedazos.

En otro experimento, Emoto y trescientos otros se congregaron en las orillas de un lago fuertemente contaminado en Japón, y habló en voz alta una afirmación de paz y gratitud. Los cristales del agua cambiaron de una nublada y torcida imagen antes de la oración, a lindos cristales geométricos, después de la oración.

Grupos más pequeños de personas han repetido este experimento en otros lagos alrededor del mundo, con resultados similares a los que Emoto ha publicado en el segundo volumen de sus Mensajes del Agua (Messages from Water).

Notas

1. Hans Jenny, Cymatics: A Study of Wave Phenomena and Vibration (Newmarket, N.H.: MACROmedia, 2001), p. 271
2. Ibid., p. 276

Las virtudes curativas de las ondas sonoras

Los especialistas en esta doctrina terapéutica suelen comparar al cuerpo humano con un instrumento musical que a veces da notas falsas y debe ser afinado: para ello dirigen ondas sonoras de alta frecuencia a la zona afectada, con lo que restituyen al organismo su calidad de conjunto armonioso. El nombre de la terapia procede del griego kyma, que significa "cima" u "oleaje".

Aplicaciones de la terapia Se dice que la cimática beneficia en particular a los enfermos de ARTRITIS, DOLOR DE ESPALDA, FRACTURAS, LUMBAGO, REUMATISMO. HERNIA DE DISCO y algunas formas de parálisis. Se aplica también a las personas que van a someterse a una intervención quirúrgica, por ejemplo, para recibir una prótesis de la articulación de la cadera (DOLENCIAS DE CADERA), a fin de favorecer y acelerar la recuperación.

En busca del terapeuta adecuado. Aunque no todos los MÉDICOS ORTOPEDISTAS Y FISIOTERAPEUTAS prescriben este tipo de terapia, pueden proporcionarle información sobre otros especialistas o centros dedicados a la terapia cimática.

La consulta El terapeuta pasará por la zona afectada un instrumento manual parecido a los aparatos de vibromasaje y que emite ondas sonoras de alta frecuencia. A veces hace que el paciente se sumerja en una bañera de agua caliente por la que se transmiten las ondas: se dice que esto aumenta mucho las propiedades curativas del agua. También puede emplearse música terapéutica especial que incluye ondas de alta frecuencia a fin de relajar y aumentar la sensación de bienestar.

El punto de vista ortodoxo

Hay pruebas científicas de que la cimática acelera la curación de las fracturas: algunas clínicas ortopédicas la emplean para ese fin. Actualmente se investigan otras aplicaciones.

BRAHM NAAD, música por la paz en el mundo.

2011-06-24T03:00:00.000+02:00

21 Nov, 2008
NCR Delhi, India

Sinfonia BRAHM NAAD, por primera vez en el mundo tocando juntos 1000 sitaristas, concebida por el guru Sri Sri Ravi Shankar.

Música Gandharva Veda

2011-06-23T02:31:00.000+02:00

Hace miles de años, los grandes rishis o sabios de India conocieron en su propia conciencia los ritmos y las melodías del Veda. El Veda es el conocimiento puro presente en la fuente de la naturaleza.

El Gandharva Veda, que es una rama del Veda, es la tradición de una música que reproduce las vibraciones de la naturaleza a diferentes horas del día y la noche.

La música Gandharva Veda, más conocida como música clásica de la India, es la expresión de la eterna música de la naturaleza. Es la música que está en sintonía con la ley natural. Si puedes escuchar la música de la naturaleza cuando sale el sol, cuando el sol brilla en la plenitud del medio día, cuando las primeras sombras del anochecer se extienden por el campo, si puedes escuchar el anochecer, el profundo silencio de la media noche, la quietud de la mañana y el primer despertar del amanecer, éstas son las melodías y los ritmos de la música Gandharva Veda.
Encajan perfectamente con los ciclos y ritmos cambiantes de la naturaleza que gobiernan la evolución de todos los niveles de la creación, desde lo diminuto hasta el universo en constante expansión.

El Gandharva Veda en el Ayurveda

La música Gandharva Veda es utilizada en el Ayurveda para activar los poderes auto-curativos del cuerpo, para neutralizar el estrés, y crear una atmósfera relajada y pacífica. El sistema ayurvédico de salud lo ha usado durante miles de años para tratar enfermedades.

Según la tradición védica, cuando una persona escucha una raga (melodía) a su hora apropiada, de acuerdo a los ocho Praharas (ciclos) del día: amanecer, mañana, mediodía, tarde, atardecer, noche, medianoche y madrugada, esta eterna música de la naturaleza tiene el efecto de poner a la mente, al cuerpo y al medio ambiente en armonía con los ritmos universales de la naturaleza.

A través del rasa (la cualidad) particular de cada raga podemos avivar en nosotros esa mismas cualidades como fuerza emocional, serenidad, creatividad, felicidad, compasión, sabiduría, éxito, sueño reparador…

El Gandharva Veda se describe en los antiguos textos védicos como la música que tranquiliza y relaja la fisiología, y al mismo tiempo produce un efecto armonizador en el medio ambiente.

Mejorar la memoria con música
La música es algo más que ”sedante” o “excitante”. La escuchamos por placer, y todos los placeres cambian nuestra fisiología. Estudios científicos muestran una mejora de un 16% en la memoria a corto plazo escuchando a Mozart, descrito como el “efecto Mozart”. Se ha comprobado que la memoria y la capacidad de aprender aumentan sobre un 36% escuchando música de Gandharva Veda Maharishi.

Sandhi Prakash Transición hacia la Luz

4-7 a.m.

Dulzura, Refinamiento de los Niveles Sensoriales, Paz, Claridad Mental, Integración de Todos los Niveles de la Vida, Mayor Ayuda de la Naturaleza.

Mañana
7-10 a.m. Alegría, Compasión, Amor & Devoción, Paciencia & Nutrición; Ayuda del Corazón.

Medio Día

10 a.m. -1 p.m. Fuerza en la Acción, Mayor Energía, Éxito en la Actividad, Conocimiento & Sabiduría.

Tarde
1-4 p.m. Logros, Éxito, Creatividad, Abundancia & Prosperidad, Cumplimiento de los Deseo.

Sandhi Prakash
Transición a la Noche
4-7 p.m. Armonía, Funcionamiento Coherente del Sistema Nervioso, Paz, Claridad Mental, Integración de Todos los Niveles de la Vida, Mayor Ayuda de laNaturaleza.

Noche
7-10 p.m. Celebración, Expansión de la Serenidad, Mayor Calma con el Objeto deInvitar al Sueño

Media Noche
10 p.m.-1 a.m. Profundo Descanso & Relajación, Mejora el Sueño, Purificación, Renovación &Rejuvenecimiento

Últimas Horas de la Noche

1-4 a.m. Mayor Calma Tranquilidad, Fuerza Interna, mente y cuerpo sanos.
SAMAVEDA

chakras-all

El Sama Veda es la suma total de todo lo referente al Samhita, lo que significa UNIÓN.

Todo en esta creación tridimensional es una Santa Trinidad y nosotros no estamos ajenos a ello, de hecho somos YO, espíritu; mente y cuerpo.

El poder sentirnos, apreciarnos, ver, evaluar, ganar conocimiento, actuar, etc., también dependen de esta Trinidad, y para ello siempre debe y estará presente un OBSERVADOR; UN PROCESO DE OBSERVACIÓN y UN OBJETO OBSERVADO. En Sanskrito, sería Rishi, Devata y Chandas. Cuando esta estructura de tres se expresa a nivel de la fisiología, se convierten en Vatta, Pitta y Kapha.

El Sama Veda, lo que hace es ajustar esta Trinidad, tomando especial cuidado con el Observador, o sea Yo o Vos, que lees éstas líneas, pero Vos. No son tus ojos, ni es tu cerebro, que procesa la información que le llega de tus retinas y del sistema nervioso óptico.

El Sama Veda representa y actúa en la totalidad de los sistemas sensoriales y del aparato perceptivo, incluyendo los receptores, los canales, los circuitos, las estructuras implicadas en la organización, el equilibrio de los mismos, las entradas, los procesos, el descifrar y la identificación de la información. La fisiología en estado de alerta o vigilia, recibe todos los flujos de experiencias a través de estos canales y procesos, que a la vez, promueven y sostienen la calidad de la plenitud que fluye a través del cuerpo, la mente y vos. O sea, la capacidad de permitir y sostener una experiencia de Conciencia Cósmica. ¿Que significa esto?:

Que el Sama Veda ayuda a activar y reforzar los sistemas específicos y las leyes de la naturaleza que se dedican a promover y reforzar la calidad del Rishi, el observador, la calidad de atestiguar – dentro del nivel del Samhita (unión) de los sentido-, proporcionando una estructura al nivel eternamente silencioso, que es uno mismo, autosuficiente, auto-referente, auto-interactúante, un estado completamente despierto de los sentido, que es íntimo y personal de cada uno, sin perder la capacidad de actuar dentro de los límites, del cambio incesante y del antagonismo, que nos rodea.

Por ello, os recomiendo escuchar el Sama – Veda después de cada meditación. Ya sabemos que debemos descansar 5 minutos después de meditar, para tener una transición suave a la actividad. El cambio que podemos hacer es, descansamos 2 minutos después de la meditación y escuchamos, en el mismo lugar que nos encontramos, 5 minutos de Sama – Veda, Verán como se sienten aún más armonizados al salir.

El otro momento para escuchar Sama – Veda es, antes de dormir, la idea es escucharlo y luego en silencio nos dormimos, o nos vamos a la cama, todo lo demás, lo hacemos antes de.

La Geometria del Sonido

2011-06-22T03:25:00.000+02:00

Vivimos en un inmenso océano de sonidos del cual, infinitas ondas rizan las costas de nuestra conciencia en miríadas de patrones e intrincadas formas de diseño. Esas mismas poderosas fuerzas que mueven las corrientes revolviendo las misteriosas profundidades, donde la Luz pocas veces alcanza, penetran en nuestros cuerpos, nuestras mentes hasta la esencia misma de nuestro ser.
De hecho cada aspecto de la naturaleza late en nosotros en una interrelación infinita y compleja de delicadas e inmensurables vibraciones.
De todo ello nosotros estamos casi completamente inconscientes, más por que no seamos conscientes no significan que estos sonidos, con sus ritmos particulares, sus tonos y sus armónicas no existan o afecten a nuestro Ser.

La danza de los 15 pendulos

2011-06-20T02:48:00.000+02:00

Esta pequeña e hipnótica instalación consta de quince péndulos orquestados de manera que sus ritmos se conjuguen en increíbles ondas visuales. El ciclo completo de todos los péndulos dura 60 segundos. El péndulo que más tarda en completar su trayectoria esta justado para que ejecute 51 oscilaciones en un minuto, mientras que los más chicos ejecutan, sucesivamente, una oscilación más durante el mismo lapso, por lo que el péndulo más corto oscilara 65 veces a lo largo de los sesenta segundos.

Esta demostración de arte cinético, que fusiona la magia implícita en la matemática, y estética del movimiento, nos revela patrones cuasi-místicos, algunos de los cuales incluso aluden explícitamente a la estructura de nuestro ADN. Pero más allá de interpretaciones racionales, lo más recomendable es simplemente observar y disfrutar.

Sonidos curativos

2011-06-18T02:19:00.000+02:00

La música es la respiración del Alma y la conciencia. El Alma se manifiesta en la tierra a través de la música. Cuando el hombre despierte su conciencia superior, cuando desarrolle en su interior posibilidades de percepción más sutiles, empezará a oír la grandiosa sinfonía que resuena a través de los espacios de un extremo a otro del universo, y comprenderá entonces el verdadero sentido de la vida”
Ommraam Mikhaël Aïvanhov

Kodo

2011-06-15T15:18:00.000+02:00

Under the theme 'One Earth,' Kodo brings the sound of the taiko to all corners of the globe as our music and message resonates with myriad cultures and ways of life.

Exploring the limitless possibilities of the traditional Japanese drum, the taiko, Kodo is forging new directions for a vibrant living art-form. In Japanese the word "Kodo" conveys two meanings: Firstly, "heartbeat" the primal source of all rhythm. The sound of the great taiko is said to resemble a mother's heartbeat as felt in the womb, and it is no myth that babies are often lulled asleep by its thunderous vibrations. Secondly, read in a different way, the word can mean "children of the drum," a reflection of Kodo's desire to play the drums simply, with the heart of a child. Since the group’s debut at the Berlin Festival in 1981, Kodo has given over 3400 performances on all five continents, spending about a third of the year overseas, a third touring in Japan and a third resting and preparing new material on Sado Island.
Kodo strives to both preserve and re-interpret traditional Japanese performing arts. Beyond this, members on tours and research trips all over the globe have brought back to Sado a kaleidoscope of world music and experiences which now exerts a strong influence on the group's performances and compositions. Collaborations with other artists and composers extend right across the musical spectrum and Kodo's lack of preconceptions about its music continues to produce startling new fusion and forms.

Chi Kung: Los Seis Sonidos Curativos

2011-06-13T21:26:00.000+02:00

Chi Kung por enyoes

LOS 6 SONIDOS CURATIVOS
Estos ejercicios divulgados por el Maestro Mantak Chia están al alcance de todos y pese a su sencillez son de probada eficacia.
La enfermedad en su mas cruda expresión no es mas que la acumulación de “pequeñas incidencias negativas”, las cuales acumuladas se consolidan en una enfermedad concreta.No insumen mas de unos 15 minutos y dejan al cuerpo limpio de toxinas, clave esta fundamental no solo para mantener la salud, sino para el desarrollo espiritual.
Se trata de seis sonidos cuya vibración refuerza y depura cada uno de los principales órganos y sus canales energéticos asociados.
Los sonidos han de hacerse en el orden sugerido, (ciclo generativo). Sentado cómodamente y con la columna recta es lo ideal, aunque otras posturas son aceptadas. El objetivo es deshacerse de las energías negativas que ciertas emociones nos generan. Transmutarlas en luz y energía positiva.
Cada sonido se debe repetir 3, 6, 9, 12, 24, ó 36 veces, expirando hasta que se note que el aire que sale por la boca es frío.
Al inspirar se lleva energía positiva –una luz blanca- y se le sonríe al órgano, enviándole gratitud y alegría.
Lo ideal es que el sonido sea emitido hacia el órgano, para masajearlo con la vibración. O sea, presentamos un hermoso ejercicio de Chi Kung

LA PRÁCTICA
Con los ojos cerrados se atiende al órgano (se pone la atención en el):
1. PULMONES: Con la lengua detrás de los dientes cerrados y con una exhalación lenta y prolongada, producir el sonido SSSSSSS
Hacerlo con la intención de soltar todas las tristezas y depresiones. Si viniera a la mente una situación o recuerdo triste aprovechar para eliminarlo. Este sonido limpia de toda tristeza al pulmón, el órgano donde se guardan esta emociones.
Al inspirar llevar la energía del coraje, del valor y el buen animo a los pulmones. Sonreír y brindarle amor a estos órganos. Conviene visualizarlos envueltos en una luz blanca.
2.- RIÑONES: Formar una O con los labios como si se soplase la vela de cumpleaños y con una exhalación lenta y prolongada emitir el sonido HOOOOOO, al tiempo que se elimina el miedo e inseguridad.
Si le viene a la mente en ese momento una situación o persona que produce miedo e inseguridad, no lo aparte de su mente, sino piense en ello mientras hace el sonido para eliminar el miedo de la situación.
Durante los periodos de descanso respire a los riñones y sonríele mientras le envía una luz azul o negra brillante. Sienta la virtud de la Bondad y Paz.
3.-HÍGADO: ponga la lengua junto al paladar y con una exhalación lenta y prolongada, produzca el sonido SSHHHHHHHHHHHH. Al mismo tiempo que elimina la rabia, la Ira, la cólera, la agresividad.
Si le viene a la mente en ese momento una situación o persona que le produce rabia, cólera o agresividad, no lo aparte de su mente, sino piense en ello mientras hace el sonido para eliminar la situación o persona de su mundo interior, para transmutarlo.
Durante los periodos de descanso respire hacia el hígado y sonríale al tiempo que lo rodea de una luz verde brillante. Sienta la virtud de la Amabilidad.
4. - CORAZÓN: Con la boca completamente abierta colocando la punta de la lengua detrás de los dientes inferiores haga una exhalación lenta y profunda al tiempo que produce el sonido HAAAAAAAAA y elimina el orgullo, el odio, la soberbia, la impaciencia y la prisa.
Si le viene a la mente en ese momento una situación o persona que le produce esta emociones que está eliminando, no lo aparte de tu mente, sino piense en ello mientras hace el sonido para eliminar el odio, orgullo, etc. de la situación o de la persona. Durante los periodos de descanso respire y sonría al Corazón al tiempo que lo rodea de una luz roja brillante. Sienta la virtud del Amor, y la Felicidad.
5-BAZO: Ponga otra vez la lengua junto al paladar y haga una exhalación lenta y profunda al tiempo que produce el sonido GUUUUUUUUUUU ( desde la garganta como el sonido de “Gemir”) y elimina la preocupación.
Si le viene a la mente en ese momento una situación o persona que le produce preocupación, no lo aparte de su mente, mas bien piense en ello mientras hace el sonido para limpiar la situación o la persona..
Durante los periodos de descanso respire y sonría al Bazo al tiempo que lo rodea de una luz amarilla brillante y siente la virtud de la Belleza que potenciará positivamente este órgano.
6.-TRIPLE CALENTADOR: Si es posible haga este ejercicio tumbado. Con la boca abierta exhale lentamente el aire mientas hace el sonido HIIIIIIIIIIIIII. Cuando pare para exhalar, trate de imaginar un rodillo grande que va aplanando el pecho, el estómago y el abdomen, y siéntase vacío ( es como cuando aplastamos con la mano una bolsa de plástico para guardarla. Sonría al triple calentador (no es un órgano).
Esto equilibrará todas la energías activadas por los demás sonidos y relaja el cuerpo en general.

La práctica habitual de estos ejercicios depura al organismo de energías negativas, hace prevalecer nuevos y poderosos estados de conciencia de tal forma que se torna cada vez mas improbable caer en tristezas, depresiones, cóleras, miedos, etc.
Un estado de completitud y felicidad se instala, es nuestro estado de conciencia original.

De: Tao Integral

Sainkho Namtchylak

2011-06-13T14:51:00.001+02:00

En Asia Central, una extensión inmensa de estepa que se extiende casi ininterrumpidamente desde Ucrania hasta la Gran Muralla China, se encuentra Tuvá, una pequeña república autónoma rusa situada en el área de influencia histórica de los Mongoles. Su capital, Kyzyl, reclama el título de centro geográfico de Asia. Fuera de este pequeño centro administrativo se extiende una tierra poblada por nómadas y pequeñas comunidades rurales en un mundo árido y duro, con temperaturas que caen por debajo de los 30º en invierno.

Esta naturaleza infinita y bestial ha venido moldeando desde los tiempos de Gengis Kan las tradiciones del pueblo que la habita, un folklore trasmitido casi exclusivamente de modo oral entre pastores nómadas. Entre esas tradiciones figura el canto de la garganta, una forma musical fruto de la vida en espacios enormes y solitarios. Es un tipo de canto que consiste en la alteración de la onda de sonido que produce la voz mediante la manipulación de la resonancia de las cavidades de la boca y de la garganta, logrando el cantante hacer sonar varias notas diferentes al mismo tiempo.

La etnomusicología encuentra una conexión fundamental entre este tipo de canto y el chamanismo que desde tiempos remotos se practica en Tuvá. Esa visión animista considera que la espiritualidad de los objetos se encuentra no sólo en su forma sino también en su sonido. Por eso, el canto de la garganta busca y logra emular al agua, a las aves, al viento. Por ese motivo también los cantantes se desplazan largas distancias para encontrar lugares, una montaña o un río determinado, en los que su canto suene mejor.

Hasta los lugares más recónditos de Tuvá fue conducido el bluesman estadounidense ciego Paul Penna para lograr el mejor kargyraa, la variante más grave y profunda del canto de la garganta que había aprendido de modo autodidacta, aquella que produce entre cuatro y seis tonos graves simultáneamente. Penna fue el primer occidental en participar en el Khoomei Symposium dedicado al canto de la garganta y que se celebra cada tres años en Kyzyl, consiguiendo el premio en esa categoría, una hazaña relatada en el asombroso y fascinante documental Genghis Blues.

Si raro y difícil fue alcanzar este recóndito lugar para Paul Penna y sus amigos, igualmente complicado debió resultar el camino inverso. Aquel que llevó a la cantante Sainkho Namtchylak a buscar lugares donde su voz sonara mejor y más libre, incluso fuera de las fronteras de su Tuvá natal. Buena conocedora del cante de la garganta desde su infancia, no pudo desarrollar una carrera musical en su tierra debido a las limitaciones que la tradición impone a las mujeres. Por eso se desplazó hasta Moscú para continuar su formación musical, adentrándose entonces en el jazz y la música experimental al tiempo que continuaba su exploración de otras músicas tradicionales siberianas. Después, emigró a Centroeuropa, fijando su residencia en Viena, donde empezó a desarrollar cada vez más proyectos en solitario donde mezcla sus raíces musicales con patrones y sintetizadores electrónicos e instrumentaciones occidentales.

A la hora de describir la música de Tuva sería casi imposible separarla del canto que la acompaña. Es más, para hablar de la música tuvense hay que comenzar desde la voz de sus cantantes: un gemido de ultratumba que estremece, ancestral y difícil de imitar ya que en realidad son dos, uno muy ronco y otro agudísimo (el canto de los lamas y el de la tradición chamánica de Siberia), pero emitidos por una sola persona simultáneamente. El khoomei, esta extraña bifonía propia de la pequeña república de Tuva, es casi patrimonio exclusivo de la población masculina. Y es "casi" porque siempre existe una excepción a la regla. Una excepción que tiene nombre y apellido, Sainkho Namtchylak, con una trayectoria que incluye más de 25 discos y actuaciones en distintas partes del mundo.

Sainkho -el nombre artístico no lleva su apellido- nació en un minúsculo pueblo de la ex república soviética de Tuva, situada al sur de Siberia y muy cercana a la frontera con Mongolia, habitada por apenas 300.000 personas. De abuelos nómades y padres maestros de escuela, inició su trayectoria musical estudiando en una academia local pero luego decidió emprender viaje a Moscú para continuar sus estudios de canto en el Instituto Gnsinsky. Al mismo tiempo profundizó sus conocimientos en las tradiciones siberianas lamaístas y chamánicas como así también en las técnicas de los cantos guturales y bifónicos de Tuva y Mongolia.

Comenzó su carrera como cantante uniéndose al grupo folk tuvense "Sayani" con el cual realizó giras por Europa, Estados Unidos, Canadá, Australia y Nueva Zelanda. A partir de 1988 se especializó en técnicas de improvisación junto a músicos de la ex Unión Soviética con quienes formó la agrupación Tri-O, adentrándose en el mundo del jazz y los sonidos de vanguardia y recibiendo elogiosos conceptos por parte de los medios de comunicación.

Más tarde, y tras abandonar el grupo, Sainkho comenzó a colaborar con numerosos artistas en distintos países, participó en festivales, grabó una serie de trabajos discográficos y logró un inédito reconocimiento internacional para un artista tuvense, sólo comparado con el de su compatriota Yat Kha. En esta etapa se dedicó a descubrir y combinar nuevos sonidos los cuales fue incorporando con total libertad a la música ancestral de Tuva y Mongolia.

Casi tres decenas de trabajos discográficos constituyen su extensa y dispersa discografía, muchos de los cuales hoy son imposibles de conseguir. Entre sus últimas grabaciones sobresale "Naked Spirit" (Amiata Records, 1998) disco en que se acompaña por el músico armenio Djivan Gasparian, maestro del duduk (un pequeño oboe fabricado con madera de albaricoque) y un box set compuesto de tres CDs dedicados a la música de vanguardia: el número uno como solista, el dos como dúo y el tres como trío, en este último acompañada por un percusionista lituano y un bajista de San Petersburgo.

Actualmente la cantante se encuentra trabajando y viviendo en grandes ciudades europeas. A esta situación, y por sus orígenes tan lejanos, le dedicó el título de este trabajo, "Stepmother City", logrando una perfecta simbiosis entre sonidos guturales, cantos bifónicos e instrumentos asiáticos medievales con letras en inglés, samplers, loops y ambientes creados por un DJ. Al respecto, la cantante explicó que estas nuevas tecnologías "son una buena forma de transmitir a las nuevas generaciones unos cánticos que tienen muchos siglos de edad". Quienes disfrutan de Sainkho no dudan en coincidir.

Cuencos de Cristal o cuarzo

2011-06-11T12:54:00.004+02:00

Pitágoras afirmaba que "cada cuerpo celestial, cada átomo, produce un sonido particular debido a su movimiento, ritmo o vibración. Es más, todos esos sonidos o vibraciones componen una armonía universal en la que cada elemento, sin perder su propia función y carácter, contribuye a la totalidad", lo cual incluye al cuerpo humano. Cada célula y cada órgano de nuestro cuerpo, por tanto, vibran continuamente a una determinada frecuencia. Y así, cuando un órgano está sano su frecuencia vibratoria está en armonía con el resto del cuerpo; pero si esa frecuencia se altera se rompe la armonía y aparece lo que conocemos como enfermedad.

Por el principio de resonancia- que es posible modificar estas frecuencias alteradas a través de la transmisión de otras frecuencias. Y eso es lo que convierte al sonido en un proceso terapéutico capaz de abrir la puerta al equilibrio físico, emocional, mental y espiritual. Y es que merced al principio de resonancia, que el sonido de los cuencos de cuarzo y los cuencos tibetanos (metálicos) ajusta la vibración de la persona a la misma frecuencia emitida por el cuenco, es decir, terminan ambos vibrando al mismo ritmo.

Los cuencos de cuarzo emiten e inducen un modelo de onda alfa que es el mismo que emite el cerebro en los estados meditativos y de profunda calma. Y se ha podido comprobar que en esos estados hay un aumento significativo de la producción de linfocitos T, responsables del sistema inmunitario.

El sonido de los cuencos de cuarzo y de los cuencos tibetanos, afecta de manera global al individuo. Primero equilibra su cuerpo energético y los chakras (centros de energía) y luego limpia el campo áurico. Además, la vibración repercute en la columna que actúa como vehículo de resonancia y se extiende a través del sistema nervioso a nuestras células, tejidos y órganos. Esa es la razón de que la vibración producida por los cuencos tenga la capacidad de disolver bloqueos en el cuerpo físico y sutil así como de que se utilice en casos de contracturas musculares, roturas y otros problemas óseos. La vibración de los cuencos resuena y armoniza la estructura cristalina presente también en nuestro esqueleto.

Los cristales de cuarzo actúan como transductores de energía. Es decir, poseen la capacidad de tomar una forma de energía, como las ondas de presión, y convertirlas en una forma más alta de energía como la electricidad. Tienen la propiedad de ser "acústico-luminiscentes", lo que significa que pueden convertir ondas sonoras en luz, sonido en luz.
Un cristal activado emite un impulso de energía a lo largo de su eje que hace del cuarzo un gran conductor y un elemento básico de la sociedad tecnológica. Está presente desde en un simple aparato de radio hasta en el Los cristales de cuarzo actúan como transductores de energía. Es decir, poseen la capacidad de tomar una forma de energía, como las ondas de presión, y convertirlas en una forma más alta de energía como la electricidad. Tienen la propiedad de ser "acústico-luminiscentes", lo que significa que pueden convertir ondas sonoras en luz, sonido en luz.
Un cristal activado emite un impulso de energía a lo largo de su eje que hace del cuarzo un gran conductor y un elemento básico de la sociedad tecnológica. Está presente desde en un simple aparato de radio hasta en el ordenador más complejo.

Los cristales de cuarzo se activan por medio del sonido, el calor y la presión. Los cristales activados (la activación se puede conseguir por medio del sonido de un cuenco) emiten un campo de energía que abarca sesenta centímetros cúbicos por gramo de masa de cristal y amplifica cualquier tipo de energía mental que transporte dicho impulso. En los Puranas (antiguos textos Vedas de la India) se dice que el cristal de cuarzo puede aumentar los pensamientos hasta 15.000 veces.

¿Qué son los cuencos de cuarzo?

Son delicadas vasijas circulares de cristal de cuarzo puro, que al ser rozadas en forma suave con una vara especialmente diseñada, son capaces de emitir impulsos sonoros de alta calidad vibratoria, traducido en notas musicales y octavas armónicas que desencadenan proyecciones de luz y color.

Se construyen a partir de la fundición del cuarzo más refinado (99% de pureza) en hornos a temperaturas muy elevadas. Dentro de los hornos se genera una intensa fuerza centrifuga que determina la forma y el tamaño de cada cuenco. Luego cada uno es testeado y monitoreado con el fin de verificar que la nota musical que le corresponde, se halla en perfecta sintonía. Los bellos sonidos cristalinos producidos por los cuencos de cuarzo, son empleados con el fin terapéutico de armonizar los campos sutiles y la memoria celular, creando vibracionalmente estímulos de autosanación.

Su creación se basó en la tradición del uso del sonido con cuencos de metal en el Tíbet, la India, China, Japón y otros países de Oriente desde hace cientos de años para la meditación y la sanación. Con esa finalidad comenzaron a utilizarse a finales de los años ochenta, dado su enorme poder terapéutico, basado en la ley de resonancia o "resonancia forzada" es "la capacidad de las vibraciones más potentes de un objeto para cambiar las menos potentes de otro y hacer que ambos sincronicen sus ritmos ".

Los cristales de cuarzo vibran (suenan) de una forma regular (curva sinusoidal), debido a que tienen una estructura molecular en espiral (muy similar a la del ADN). Esto explica sus propiedades terapéuticas. Las personas que experimentan los efectos de los Cuencos de Cuarzo describen su experiencia como una gran relajación física y mental.

¿Propiedades de los cristales de cuarzo?

El Poder del Sonido

¿cómo se explica el efecto terapéutico de los cuencos?

El uso de la música y el sonido con una finalidad terapéutica y trascendente es tan antiguo como el hombre. Se ha utilizado en las culturas chamánicas de todo el mundo, desde Siberia hasta África y América del Sur desde hace miles de años. Los chamanes utilizaban (y utilizan ) ritmos firmes y repetitivos para entrar en estados alterados de conciencia y así emprender “el vuelo chamánico”, para poder cumplir sus funciones (chamánicas) de sanación. (Se ha comprobado que estos ritmos “primitivos” de tambores y sonajas, activan áreas del cerebro que normalmente no están activas.)

"Dado que el sonido viaja cinco veces mejor por el agua que por el aire, la estimulación en el cuerpo de la frecuencia sonora es una forma muy eficaz de estimulación corporal total, sobre todo a nivel celular. (El cuerpo está formado en más de un 70% por agua). El estímulo directo del tejido celular vivo, utilizando la vibración de la frecuencia de sonido, ha mostrado un marcado metabolismo celular, y con ello la posible movilización de una respuesta celular de curación".

La terapia basada en el sonido de los cuencos actúa en los niveles físico, emocional, mental y espiritual. Y esto es posible debido a que las sustancias cristalinas están presentes en todo el organismo: en los huesos, en la sangre, en el cabello, en la piel, en las uñas y hasta en los dientes. La estructura del cerebro : es crístalo-coloidal líquida. Los tejidos sanos del cuerpo guardan una mayor organización cristalina en su estructura mientras que en los que muestran signos de deterioro esa organización se rompe.

El sonido del cuenco de cuarzo, actúa como un resonador, que a nivel del Aura es capaz de disolver las cristalizaciones de energía potencialmente dañinas, evitando así que alcancen el cuerpo físico. A nivel del cuerpo físico actúa en cada célula. Esto es posible, debido a que en cada una de nuestras células hay cuatro moléculas de sílice (cuarzo), que resuenan con el sonido de los cuencos.

Podemos hacer una comparación del cuerpo como un maravilloso instrumento musical. Cada órgano y sus funciones, y cada célula fue diseñada con el fin de emitir determinada nota musical, para componer una melodía única, con el fin último de expresar la identidad de cada Ser. Cuando cada célula está afinada en la nota que le corresponde, hablamos de salud. Si por el contrario, pierde su afinación, podemos apoyarnos en el efecto terapéutico de los cuencos de cuarzo como resonadores, que le ayudan a cada célula a recobrar su verdadera afinación.

El sonido emitido por estos cuencos, ejerce una profunda sanación, al hacer vibrar (resonar) cada célula, cada órgano tal como lo hace un diapasón, con su nota musical apropiada, devolviéndole al cuerpo su armonía “musical”.

¿Cómo actúa el sonido de los cuencos en el cuerpo humano?

Sistema óseo

El sonido impacta y estimula al calcio, principal componente de los huesos, favoreciendo la recuperación de fracturas.

Sistema muscular

El sonido activa ciertos procesos depurativos, que le ayuda a la masa muscular a liberarse de toxinas que se hubiesen depositado.

Sistema circulatorio

La sangre está formada por partículas piramidales de cristal de cuarzo, que al tomar contacto con el sonido, comienzan a pulsar y a emitir luminosas irradiaciones sanadoras. De este modo, el torrente sanguíneo mejora su oxigenación y dinamiza su tránsito a través de las venas y arterias.

Sistema nervioso central

El sonido favorece la reparación de daños existentes en los micro circuitos cerebrales, reconectándolos (al favorecer la creación de más dendritas, que permiten la aparición de nuevas vías de conexión entre neuronas). Se sincroniza la actividad de ambos hemisferios cerebrales, generando profundos estados de sedación y relajación.

Las diferentes longitudes de onda cerebrales se relacionan con diferentes estados de conciencia. Hay cuatro categorías básicas de ondas cerebrales expresadas en ciclos por segundo (hercios o Hz), que es la manera como se mide el sonido. Las ondas beta (de 14 a 20 Hz) son las que se encuentran en nuestro estado de vigilia (despiertos). Las ondas alfa (de 8 a 13 Hz) son las de los estados de ensoñación y relajación profunda. Las ondas zeta (de 4 a 7 Hz) son las presentes en estados de meditación profunda y sueño. Las ondas delta (de 0.5 a 3 Hz) son las del sueño profundo y se han encontrado en estados de meditación y de sanación muy profundos.
Las ondas del sonido producido por los cuencos de cuarzo inducen a un estado de una gran relajación (estado alfa y zeta); llevan a la mente a un estado de calma que tanto necesita el hombre moderno. Se activan áreas y funciones del cerebro, que están relacionadas con la secreción de: ENDORFINAS. (Substancias producidas por el cuerpo relacionadas con la salud y felicidad).

El ser humano corriente, emplea un pequeño porcentaje de su capacidad cerebral; con los cuencos de cuarzo se estimulan sectores cerebrales que han sido asociados con capacidades espirituales e intelectuales y que habitualmente no están activos.

FRECUENCIA (Sonido) + INTENCIÓN = SANACIÓN

Hay experiencias en enfermos con Cáncer (en USA) que han sanado con la ayuda de los cuencos de cuarzo.

Resumen de los Beneficios de la Terapia con Cuencos de Cuarzo:

* Liberación del estrés y relajación

* Estímulo de la actividad de las ondas alfa del cerebro o meditación profunda.

*Aumento en la producción de Linfocitos T (sistema inmune).

* Equilibrio y limpieza de los chakras y del aura.

* Equilibrio de los hemisferios cerebrales.

* Regeneración celular (ADN).

*Restablecimiento del equilibrio del sistema endocrino mediante la vibración de la hipófisis o pituitaria.

*Tiene efectos positivos en casos de artrosis, problemas circulatorios, piedras en el riñón, depresiones, autismo, esquizofrenia, anorexia, bulimia fobias, problemas neuronales y otras múltiples dolencias.

* Reactiva las funciones cerebrales y neuronales.

* Sanación de áreas corporales, emociones y pensamientos.

* Estimula la generación endorfina y dopamina.

* Favorece la conexión con planos vibracionales mas elevados y ayuda a elevar tu estado de conciencia.
cargan y potencian con su vibración esencias florales y aceites esenciales

Cuarzo : es Luz solidificada

Principio: la luz es sonido y el sonido es luz manifestándose en una “forma”

Cada cuenco está afinado con una de las siete notas musicales y con los cinco medios tonos. En total hay 12 notas que representan a los "Doce Sanadores", que corresponden a los 12 Signos del Zodíaco, y a todas las glándulas endocrinas.

Sabemos que a cada una de las siete notas musicales le corresponde uno de los siete colores del Arco Iris y estas se relacionan con los siete centros (chakras) principales, los cuales a su vez tienen correspondencia con diferentes áreas del sistema endocrino y del sistema nervioso.

Los Cuencos de Cristal de Cuarzo ofrecen distintas posibilidades de trabajo de acuerdo a los distintos tamaños y notas en los que están afinados.
Los sonidos más graves producen un "enraizamiento" en la persona porque afectan a los centros inferiores de energía. Son más amplios, contienen más armónicos, son más femeninos.

Los sonidos más agudos resuenan en las zonas superiores del cuerpo (pecho, garganta y cabeza). Son sonidos más focalizados, más intensos; son más masculinos.
Es posible trabajar con un set de tres o siete cuencos cuyas notas se correspondan con diferentes chakras para un trabajo más específico en los centros de energía.

El sonido de los cuencos conduce a la conciencia a un viaje interior, a un sentimiento de plenitud y vacío. Lo que los maestros Zen llaman "llenarse de vacío". Nos inducen hacia el Silencio Interno; nos permiten salir de los estrechos límites del intelecto para adentrarnos en la paz del alma y la experiencia de nuestro espíritu, dándonos la oportunidad de ver el mundo y a nosotros mismos con otra percepción.

Presenciar un concierto o sesión sonora con Cuencos de Cristal de Cuarzo tocados por un experto, es permitirle a tu Conciencia elevarse y expandirse en un tiempo mínimo, lo que a un ritmo cotidiano de elevación llevaría milenios, por eso su aparición en estos momentos es crucial para la humanidad.

Coro virtual: 'Lux Aurumque'

2011-06-09T10:31:00.005+02:00

Virtual Choir 2.0 con 2052 personas cantando "Sleep"
Compuesto y dirigido por:
Eric Whitacre

Cantando desde 12 países distintos:
Austria, Argentina, Canada, Inglaterra, Alemania, Irlanda, Nueva Zelanda, Filipinas, Singapur, España, Suecia, Estados Unidos.

<br><br><br><br>como

Como surgió la idea de usar un coro virtual a través de internet

2o. Curso intensivo de canto, Barcelona

2011-06-08T14:37:00.000+02:00

2o. CURSO INTENSIVO DE CANTO
Técnica vocal, Interpretación musical y escénica
2nd. LYRICAL SINGING INTENSIVE COURSE
Vocal technique, scene and music interpretation

BARCELONA
22-28 Agosto/August 2011

Organizado por Atelier de l'Òpera Barcelona
Centro de alto perfeccionamiento de estudios lírico-escénicos

MIQUEL ORTEGA
Director de Orquesta, Compositor y pianista
Orchestra director, composer and pianist

DAVID MASON
Vocal Coach Internacional y pianista
International Vocal Coach and pianist

CELSA TAMAYO
Asesora Musical Teatro Real (Madrid) y pianista
Music consultant Teatro Real (Madrid) and pianist

ANNA BELÉN GÓMEZ
Soprano y Profesora de Canto
Soprano and Vocal Coach

Mª ELENA MEXÍA
Directora de Escena y Escenógrafa
Stage director and Set Designer
______________

Piano
JOSEP BUFORN
MANEL RUIZ

Límite solicitud ACTIVO
ACTIVE request deadline:
15 Julio/July 2011

Límite inscripción
registration deadline:
1 Agosto/August 2011

_______________________________________________________
www.cursocantobcn.es.tl
cursocantobcn@gmail.com

Atelier de l'Òpera
c/Abaixadors, 10 Principal
08003 Barcelona
(junto a la Basílica de Santa Maria del Mar-Borne)

El Canto Armonico

2011-06-07T15:27:00.006+02:00

El canto de armónico es una técnica antigua que capacita a un cantante para producir dos o más sonidos simultáneamente con su voz. Aunque los orígenes de esta técnica están en parte velados en el misterio, las investigaciones recientes han revelado gran cantidad de información con respecto a los usos actuales de la técnica y cierta información con respecto a sus orígenes en diferentes partes del mundo.

El canto de armónicos como técnica y forma artística musical cultural o espiritual, se desarrolló en Mongolia, Sur de Siberia y Asia central, en Tíbet, y en Sudáfrica. También se utilizó en menor grado en Cerdeña, la única forma antigua de canto de armónicos europea que todavía se practica. Existen muchas teorías sobre si el canto de armónicos tuvo alguna vez un uso ritual y espiritual en ceremonias cabalísticas, en logias masónicas, en escuelas de misterio y en prácticas sufis. Ciertas teorías llegan incluso a decir que fue utilizado hace mucho tiempo por las civilizaciones de la Atlántida, el antiguo Egipto y los mayas de Centroamérica. Desgraciadamente existe escasa información en este sentido.

Los armónicos fueron descubiertos primero en Occidente por Pitágoras hace unos 2.600 años. El famoso filósofo y matemático griego era también un maestro de la música, y junto con sus estudiantes pasó años estudiando el sonido y la vibración. Encontró, después de estudiar el monocordio, instrumento de una sola cuerda, que todos los sonidos estaban compuestos de vibraciones o frecuencias múltiples, no sólo de una, como nuestros oídos generalmente perciben.

Casi del mismo modo en que la luz blanca está compuesta de un amplio espectro de colores, que se vuelve visible cuando la luz es refractada por un prisma, el sonido también puede ser refractado de modo que sus partes constituyentes puedan percibirse. Al igual que el arco iris está compuesto de los colores que el ojo humano ve como luz blanca, los armónicos son los colores del sonido. Estos armónicos, que normalmente pasan inadvertidos, son, en realidad, de vital importancia para todos los seres humanos, y permiten que diferenciemos entre un sonido y otro. Es la riqueza de los armónicos en ciertas partes del espectro infinito del sonido lo que nos ayuda a establecer la diferencia entre un instrumento musical y otro, aún cuando ambos ejecuten la misma nota musical.

Nuestro cerebro puede decir inmediatamente si cierta nota se halla interpretada por una flauta, por una guitarra o por un piano. Si se filtran los armónicos, nos volvemos incapaces de distinguir entre estos instrumentos.

La voz humana es el más rico instrumento musical en los armónicos, debido a nuestra capacidad para hacer el más minúsculo de los ajustes posible, afinando así la voz más allá de la capacidad de la mayoría de los instrumentos musicales.

La mayor parte de los estudiantes de música y de los músicos aprenden la teoría de los armónicos, y algunos son incluso capaces de producir armónicos con sus instrumentos. La guitarra producirá armónicos cuando se rasgan sus cuerdas mientras que el dedo de la otra mano regula las cuerdas a lo largo de uno de los trastes. Una flauta, un saxofón u otro instrumento de viento a menudo pueden producir un armónico cuando se sobre-sopla, es decir, cuando se aplica demasiada presión de aire, el sonido saltará un a una octava más alta completa, o más. El bajo es tal vez el más conocido productor de armónicos en la música moderna amplificada. Jaco Pastorius, que tocaba el bajo en el grupo de jazz vanguardista Wheather Report, interpretaba todas las melodías usando sólo las armonías más altas de los tonos de su bajo, como en la canción “Portrait of Tracy”.

Son los armónicos de la voz humana, sin embargo, los más interesantes, mágicos y místicos para escuchar. El cantante produce un sencillo y potente zumbido, y entonces, a través de diversas técnicas, convierte toda la parte superior de su cuerpo en una caja de resonancia vibrante. Al utilizar el cráneo, los conductos nasales, la faringe, el pecho, el abdomen, y el diafragma, así como todas las partes de la boca: lengua, labios, paladar, velo del paladar, glotis y epiglotis, mejillas y mandíbula, el cantante comienza a canalizar el sonido de forma diferente a como lo hace un cantante según las técnicas “normales” de canto.

El sonido que sigue debe oírse para creerse, de hecho, mucha gente no cree al principio lo que están oyendo: un sonido claro, bello y aflautado que aparece sobre la voz del cantante. Un cantante de armónicos instruido es capaz de cantar de arriba abajo la Escala Armónica, alcanzando, en el caso de un cantante con una voz profunda, hasta el armónico 16 o incluso más alto. Estos armónicos siguen una secuencia aritmética fija, y siempre se conforman con el mismo principio. Si el cantante canta una nota con la frecuencia de 100Hz (ciclos por segundo), el primer armónico vibrará a 200Hz, el segundo a 300Hz, el tercero a 400Hz, etc. Esto es lo que Pitágoras halló al dividir la cuerda de su monocordio en partes iguales. La escala armónica dentro de cada nota musical es infinita, aunque nosotros sólo podemos oír y producir de forma audible las primeras 5 octavas más o menos, y esto sólo en el caso de un cantante de armónicos experto.

Aunque los armónicos se pueden aislar y amplificar de uno en uno por un buen cantante de armónicos, es importante darse cuenta de que todos y cada uno de nosotros tenemos estos mismos armónicos en nuestras propias voces todo el tiempo, sólo que están ocultos, como el arco iris tiene dentro la luz blanca.

Una vez que uno ha aprendido a seguir los de movimientos de boca, y produce un buen zumbido fuerte, el resto es realmente bastante fácil. La mayoría puede aprender a cantar algunos armónicos en sólo unas cuantas horas, pero es necesario practicar un poco para poder escuchar los armónicos de uno mismo, y después, lentamente, aumentar su volumen.

Una vez que uno ha dominado la escala y es capaz de cantar de arriba abajo la serie de armónicos, el siguiente paso es ser capaz de seleccionar tu armónico predilecto, de modo que se pueda componer o improvisar una melodía. La mayoría puede hacer esto en unos cuantos meses desde que aprende la técnica, aunque he enseñado a mucha gente que ha sido capaz de improvisar en sólo unas cuantas semanas. Puede ser tan fácil e inconsciente como silbar. Los resultados dependen de cuánto se practique.

Una vez que uno sea capaz de cantar claramente la escala e improvisar (casi del mismo modo en que mucha gente silba canciones improvisadas, compuestas según les van saliendo), el siguiente nivel de cantar armónicos, practicado principalmente en Occidente, supone cambiar el tono fundamental de la voz, más que sostener un solo zumbido.

Un cantante es entonces capaz de crear una línea melódica con la voz, y una segunda melodía aflautada sobre la voz, en esencia un auto-acompañamiento. Los ragas hindúes y los cantos gregorianos son formas musicales que se prestan fácilmente a este estilo de cantar armónicos. Mientras que esto se admira como una realización lograda por unas pocas personas, puede servir también para perder el efecto profundamente meditativo y espiritual de la música. Cambiar el tono fundamental y el armónico es, por su propia naturaleza, un ejercicio más mental e intelectual, que requiere una concentración intensa, y la música resultante puede vestirse de su poderoso y habitual efecto de inducir al trance. Es también extremadamente difícil cantar desde el corazón cuando todo tiene que pasar primero a través del intelecto.

Uno de los aspectos más curativos, meditativos y espirituales del canto de armónicos es el zumbido fundamental: la invariable nota base o nota raíz desde la que arrancan los armónicos. Un zumbido inalterable es la base de la mayoría de la música hindú, y ciertos instrumentos se han diseñado en la India y se han utilizado durante milenios con este fin, tal como el armonio simple o caja shruti y el Tampura. Un zumbido fundamental es también la base para el canto de armónicos mongol (llamado khöömii) y muchas otras formas del canto de armónicos.

Otros instrumentos de zumbido ricos en armónicos son el didgeridoo de los aborígenes australianos, la lira de boca (la lira del judío o guimbarda) y el armónico arco de boca (conocido como berimbao en Sudamérica, y como uhadi o umrubhe en África meridional, donde se originó).

Es importante para nosotros darse cuenta de que, mientras que los armónicos representan las divisiones naturales de una nota musical, los occidentales hemos adoptado en una época más reciente un sistema musical que es antinatural. Nosotros hemos escogido dividir la octava (de “oct” que significa ocho) en doce semitonos. Así es como está diseñado el piano, la base de toda la música occidental. Johann Sebastian Bach, en el año 1691 eligió utilizar este sistema, que fue adoptado rápidamente como el sistema estándar en Occidente.

Los instrumentos antiguos mencionados tienen sobre todo una cosa en común: cuando se tocan, producen las notas de la escala natural de armónicos. El piano, y los instrumentos occidentales más modernos producen una escala que, aunque matemáticamente es comprensible, no se adapta precisamente a las leyes naturales de los armónicos. Esta afinación se llama “temperamento”. Esto nos ha permitido crear música clásica para orquestas enormes, y música de una complejidad cada vez mayor, mientras que al mismo tiempo nos ha impedido resonar en armonía con la bella simplicidad de la creación y la escala natural de armónicos. Esta es una de las razones por las que nos sentimos musicalmente “perdidos” y buscando siempre algo que no podemos definir.

Aunque la música occidental ha dedicado cientos de años a desarrollar la melodía, la armonía, el ritmo, el tono y otros aspectos de la estructura musical, la única cosa que se ha descuidado es el “color” o armónico del sonido. Una forma musical que utiliza principalmente el color o timbre del sonido, suena extraño para nosotros, y requiere una reeducación de nuestro oído y de nuestra capacidad de apreciación musical. Lo extraño es que nuestro cerebro en realidad está respondiendo a armónicos todo el tiempo, y se afina de muchas maneras a las relaciones de la escala de armónicos. Simplemente hemos olvidado en un nivel consciente lo que sabemos en un nivel subliminal, subconsciente. La mayoría, al oír armónicos por primera vez, experimenta un sentimiento extraño de la familiaridad, como si hubieran oído estos sonidos anteriormente.

Se ha descubierto que el canto de armónicos tiene muchas aplicaciones terapéuticas. Tal vez la más obvia de éstas es la hipnosis, un efecto parecido al trance que tienen ambos, el oyente y el ejecutante. Este efecto, esencialmente una forma de meditación profunda, alivia el estrés, equilibra y limpia los chakras (los centros de energía del cuerpo), y crea un sentimiento de ligereza y bienestar. El sonido de los armónicos ayuda a equilibrar los dos hemisferios del cerebro, pues implica tanto a la parte lógica, resonando en el cerebro izquierdo, debido a las proporciones matemáticamente precisas de la escala de armónicos, como al cerebro derecho creativo e intuitivo a través de la expresión musical posible, una vez que uno se convierte en lo suficientemente diestro en la técnica. Esto puede ser responsable en parte de su atractivo para un porcentaje más grande de hombres que de mujeres. Las mujeres tienen por lo general mejor equilibrados, neurológica y conceptualmente, sus hemisferios cerebrales que los hombres.

Las relaciones armónicas halladas en la escala de armónicos se encuentran, no de modo sorprendente, en toda la Naturaleza, y reflejan la estructura natural de toda la vida en la Tierra. Los seres humanos no somos ninguna excepción. Otro famoso filósofo y matemático griego, Platón, descubrió que todas las cosas en este planeta están compuestas por cinco ladrillos básicos. Estas formas, llamadas Sólidos Platónicos, se pueden encontrar en el nivel molecular de todos los objetos animados e inanimados. Esto es lógico, si uno cree en un Creador, ya que los mismos principios de la creación pueden aplicarse para TODA la creación, y somos una parte integral de ello. Al escuchar, o crear armónicos, comenzamos a resonar en armonía con estas vibraciones primordiales de que estamos hechos y que reflejan nuestra propia estructura atómica, molecular y celular.

La mayoría de los seres humanos se sienten como si estuvieran vibrando fuera de la armonía con su entorno, sus prójimos, y lo más importante, fuera de la armonía con cierto aspecto vital de ellos mismos. Cuando nos sentimos fuera de la armonía, muy a menudo sufrimos enfermedades y malestar, que en términos de la Terapia del Sonido puede ser un estado de “disonancia”. Esto ocurre cuando algunas partes de un organismo están vibrando en una frecuencia diferente o inarmónica del resto, una frecuencia que no está “a tono” con el conjunto. Uno puede comparar esto con un instrumento en una orquesta que está desafinado. Incluso si 99 de 100 instrumentos están afinados, un instrumento mal afinado afecta al conjunto del sonido. Existen muchas razones por las que los seres humanos experimentan esta discordancia y una de ellas es la “templadura” de la escala musical. Después de todo, música y sonido son una parte esencial de la vida humana, y así ha sido desde tiempos prehistóricos. Es sólo en los últimos 350 años de este período de 50.000 años que la escala musical ha sido “temperada” (es decir, ajustada de modo que todas las notas musicales estén a la misma distancia, incluso las creadas sintéticamente, algo que no sucede en la Naturaleza).

Otros motivos de malestar, para los que la Terapia del Sonido puede ayudar son:

Los increíblemente altos niveles de decibelios a los que estamos expuestos en el mundo moderno, particularmente en las ciudades;

Los sistemas de creencia negativos con que somos programados por nuestros maestros, gobernantes, organizaciones religiosas, propaganda comercial, compañías farmacéuticas y el sistema médico y educativo en su conjunto;

Los sistemas de creencia negativos originados con nuestros padres, familia y amigos;

Gran consumo de alimentos tóxicos, productos químicos y una falta de nutrición adecuada.

Estas son sólo algunas de las razones por las que podríamos vibrar “desafinados” y experimentar así la mala salud o enfermedad a nivel físico, mental, emocional o espiritual.

El canto de armónicos, cuando se practica con intención, puede servir como una herramienta muy poderosa para una “remodelación” vibracional; en otros términos, un modo de reprogramar nuestros cuerpos físico, mental y emocional con un modelo más armonioso, natural y “afinado”.

La belleza de esta técnica milagrosa es que evita la mente intelectual y va derecha hacia el propio ser esencial sin analizarla antes. El análisis es un mecanismo de defensa humano antiguo que nos ayuda a tomar decisiones basadas en la experiencia, con el propósito de sobrevivir. Pero, ¿qué sucede cuando nuestra experiencia, y la información con que hemos sido programados está basada en informaciones erróneas? ¿Cómo podemos decir lo que es válido para nosotros o no?

Al concienciarse del canto de armónicos, uno comienza un viaje en las Voces de la Voz y del Sonido dentro del Sonido.

Cuando oigas o practiques el canto de armónicos sabrás si es bueno para ti o no. Lo sabrás a un nivel mucho más profundo que la deducción analítica. Lo sentirás resonar profundamente dentro de ti, donde residen otras cualidades humanas primordiales como la intuición, el instinto, el amor incondicional, la compasión y la alegría.

Vibrarás en armonía con la Creación y te sentirás uno con ella. Volverás a casa, sano y salvo.

El orden de apariciòn de los armònicos es:

- sonido fundamental

- la octava 2

- la quinta 2

- La octava 3

- La tercera 3

- La quinta 3

- La sèptima disminuida 3

- La octava 4

y sigue repitiendose indefinidamente hacia los agudos audibles e inaudibles. Esto permite posibilidades sonoras infinitas.

Si pudièsemos representar este fenòmeno en un dibujo, serìa un cubo contenido en otro màs grande y estos dos a su vez contenidos en un tercero màs grande, y asì sucesivamente. Uno de sus lados siempre comparte con los siguientes su espacio, es decir, estàn unidos en un lugar comùn a todos.

Entre más armónicos produce un instrumento, más rico es el color del sonido. Esto equivale a los matices y colores en la pintura.

La aplicaciòn pràctica de esto es maravillosa: imaginen el cuerpo humano siendo tocado en algùna cèlula bàsica por un sonido y este a su vez resuena en un armònico que toca un òrgano y este a su vez resuena en otro que toca un sistema y este a su vez resuen en otro que afecta el cerebro, y asì continùa resonando como una pelota de billar que va de un lugar a otro y cada armònico toca un aspecto màs sutil de la estructura humana.

Persona, es una palabra que significa por (per) sonido (sona); es decir, el Ser existe por el sonido. El cuerpo humano viene a manifestación por una vibración sonora que establece un patrón o frecuencia particular.

Entonces, estos armònicos forman una plantilla vibratoria de salud y coherencia entre òrganos, visceras y sistemas que necesariamente llevan a la salud y el equilibrio.

Màs allà de esto, pueden abrir posibilidades latentes en el hombre que aùn no ha desarrollado como las facultades de el hipotàlamo, donde se albergan las posibilidades del superhombre: telepatìa, telequinesis, bilocaciòn, etc. A travès de armònicos adecuados se pueden despertar estas funciones para entrar en una humanidad còsmica.

Salir de la frecuencia del planeta, viajar a las estrellas, manejar varias dimensiones simultàneamente, todo esto es posible a travès de los armònicos.

El sonido y sus armònicos son verdaderamente la escalera en espiral que conduce de la tierra al cielo.

LA VIBRACIÓN PRODUCIDA POR EL SONIDO :

	Fortalece el sistema inmunológico.
	Ayuda en los problemas de osteoporosis.
	Equilibra el colesterol.
	Puede desestructurar cualquier bloqueo albergado en la estructura molecular de las células.
	Libera el estrés de forma rápida y eficaz.
	Equilibra los hemisferios cerebrales.
	Ayuda a expandir la conciencia.
	Muy importante para el proceso de ascensión del que estamos participando.

Ater Tumti

2011-06-06T19:05:00.001+02:00

Hoy empieza un nuevo ciclo de este blog.
Después de 6 años, justo en el mes de junio, de vida del blog dedicado a la ópera,
he decidido que empieza la evolución musical de esta nueva era bloguiana.
Mi interés por abarcar otro mundo en la música y en la voz es vital y trascendental.
Os invito a formar parte del sonido cósmico, de la humanidad y sencillamente, de nuestro cuerpo.
Bienvenidos a la felicidad, al bienestar, al amor, al ser divino. A la esencia de la música.

ATER TUMTI
EL CIELO EN LA TIERRA

"Venimos desde otros mundos y otras dimensiones
para trabajar en la iluminación de la Tierra"

Terapia del sonido: cuencos tibetanos

2011-06-03T14:06:00.002+02:00

Nuestro cuerpo está en constante vibración y por ello cada una de sus partes, ya sea un órgano o un chakra, tiene una frecuencia (índice de vibración) óptima, sana. En estado de salud el ser humano vibra en armonía y equilibrio.

Sin embargo ese estado de equilibrio puede perderse debido al estrés, las tensiones físicas y emocionales, llegando a producir distintos dolores y enfermedades físicas, mentales y espirituales. Cuando estamos enfermos, se debe a que alguna parte de nosotros no está vibrando en armonía consigo misma o con el entorno. Esta disonancia o enfermedad puede equilibrarse con sonido y voluntad (intención) ‚ devolviendo a las partes enfermas su frecuencia sana.

Bene ficios

El sonido de los cuencos logra silenciar nuestro diálogo interior y permite detener nuestros abrumadores pensamientos conscientes, acercándonos a un elevado estado de conciencia.

Se ha comprobado que los cuencos producen un tipo de onda equivalente a las ondas alfa y theta, las mismas producidas por el cerebro. Por ello, dicho sonido permite alcanzar un placentero estado de relajación, siendo posible que nuestro cuerpo pueda llegar a un sutil sentido de meditación muy profunda y la experiencia de apertura del espacio interno.

Los sonidos de los cuencos nos equilibran la energía y mejoran nuestra calidad de vida ya que armonizan principalmente el sistema nervioso y el cardíaco, eleva las defensas del organismo y nos predisponen a estados profundamente introspectivos bene ciosos para nuestra salud, reduciendo la segregación de hormonas relacionadas con el estrés y elevando las endor nas.

Mediante una terapia se puede lograr:

• Reducción del estrés y la ansiedad.
• Mejora de la concentración y de la Creatividad.
• Reafirmación de la autoestima.
• Equilibrio de procesos emocionales.
• Fortalecimiento del sistema inmunológico.
• Alivio de la sinusitis y los dolores de cabeza.
• Mejora de la Visión (Física, Mental y Espiritual).
• Equilibrio de los hemisferios cerebrales.
• Mejora del Sistema Auditivo.
• Estímulo de la actividad de las ondas alfa o de meditación
profunda.
• Aumento de la energía.
• Fácil acceso a la intuición y a la conciencia superiores.

Saravita

Esos sonidos tienen efectos beneficiosos para:

Facilitar estados de relajación y meditación
Calmar dolores leves, especialmente de cabeza
Estimular en estados anímicos decaídos
Relajar en estados anímicos exaltados o nerviosos
Desbloqueos emocionales
Armonizar los chakras y de la energía en general a todos los niveles
Favorecer estados de trance

¿Qué es la terapia con cuencos tibetanos?

Es un masaje sonoro realizado con estos instrumentos metálicos (cuencos tibetanos)
Se utilizan golpeándolos o frotándolos con una baqueta y producen un sonido cargado de armónicos de naturaleza sanadora.
El paciente se estira en una camilla, cierra los ojos, y exclusivamente se concentra en el sonido que produce el terapeuta al tocar los cuencos tibetanos.
Los cuencos tibetanos han sido creados con conciencia e intención y son utilizados como guías en ritos ceremoniales, viajes astrales, el despertar de la conciencia y en la curación de enfermedades tanto a nivel físico, psíquico, mental, emocional y espiritualmente.
Los cuencos tibetanos están compuestos por una aleación de siete metales: plata, oro, mercurio, estaño, plomo, cobre y hierro y forjados de forma artesanal.

¿En qué se basa la terapia del sonido con cuencos tibetanos?

Toda terapia basada en el sonido, se basa en el principio de resonancia, por el cual una vibración más intensa y armónica contagia a otra más débil, disonante o no saludable.
El principio de resonancia designa la capacidad que tiene la vibración de llegar más allá, a través de las ondas vibratorias y provocar una vibración similar en otro cuerpo. Es decir es la capacidad que tiene una frecuencia de modificar a otra frecuencia.
Las mujeres que viven juntas o que pasan muchas horas juntas acaban ajustando sus ritmos hormonales. El ejército sabe que cuando cruzan un puente no pueden ir en formación, por el peligro de rotura del mismo, por lo que abandonan la formación hasta que lo han acabado de cruzar. Sendos ejemplos del principio de resonancia.
Además el sonido modifica nuestras ondas cerebrales, ayudándonos a entrar en otros niveles de conciencia, donde son posibles los estados de sanación espontánea y estados místicos, haciéndonos más receptivos a la auto-sanación.
El tercer factor de la terapia del sonido con cuencos tibetanos, son los armónicos. Cada vez que se produce un sonido aparecen los armónicos. Estos armónicos tienen efectos altamente beneficiosos sobre nuestro cuerpo y sobre nuestro campo energético.
Aunque no podamos escuchar frecuencias que están fuera de nuestro campo auditivo, ni podamos producir sonidos o frecuencias que estén fuera de nuestra capacidad, sin embargo mediante los armónicos podemos resonar con ellas.

La onda sonora producida a través del frotamiento continuo del borde del cuenco por un elemento de madera, alcanza una nota mantra que se sostiene durante largo tiempo penetrando la materia y actuando a nivel celular, sintonizando por resonancia y simpatía. También actúa en el ámbito del hábitat, quebrando estructuras energéticas negativas depositadas en el espacio, específicamente en los rincones y en todo lugar en donde se perciba la energía estancada o desvitalizada.

Para el practicante de meditación, escuchar el sonido de una campana o cuenco como si fuera el sonido de la propia mente es haber alcanzado un nivel muy alto de desarrollo espiritual. Es un signo de que su ego se ha derretido, su práctica se ha nivelado y transformado en su forma de vivir.
A través de las distintas culturas las campanas fueron utilizadas a lo largo de la historia para la elevación del espíritu. Elementos infaltables en los templos, eleva la frecuencia energética de las personas por resonancia. Rescatando de la cultura Tibetana las mentadas campanas o cuencos tibetanos , es nuestra misión difundir sus propiedades benéficas para la salud mental y física de los seres humanos, apuntando a una mejor calidad de vida.

¿En qué nos puede ayudar la terapia con cuencos tibetanos?

El médium Edgar Cayce predijo que el sonido sería la medicina del futuro y esto ya está ocurriendo.

Los grandes expertos en terapia de sonido ya han descubierto científicamente que mediante el sonido se puede conseguir la auto-destrucción de las células cancerosas y la curación de infinidad de enfermedades.
Los cuencos tibetanos son instrumentos de curación, sanación, relajación y meditación, ayudándonos a establecer una vibración saludable en todo nuestro organismo, tanto a nivel físico, mental o psicológico, emocional y espiritualmente.
Son un medio maravilloso para equilibrar los chackras y cambiar la conciencia desde un estado alterado de ansiedad y estrés hacia un estado de paz, relajación y serenidad, induciendo estados de sanación espontánea y estados místicos y elevando nuestra frecuencia vibratoria.
Las personas que han experimentado un masaje sónico con cuencos tibetanos experimentan grandes cambios, mayor claridad mental, aumento de la creatividad, mayor concentración, mayor visión de futuro y una gran sensación de paz. El resultado es un individuo más productivo, más centrado, más feliz, más sereno, más equilibrado, más en paz consigo mismo.
Existe un espacio de paz en nuestro interior y los cuencos tibetanos nos ayudan a entrar en él, nos ayudan a resonar con nuestra verdadera conciencia o yo superior y con ese sentimiento de paz y serenidad que todos llevamos dentro.
A nivel físico se utilizan en la curación de cualquier enfermedad; para recargar nuestro sistema energético, para aliviar el sufrimiento y el dolor (incluye el dolor emocional), para eliminar inflamaciones, para estados de ansiedad, angustia, estrés, depresión, tristeza, insomnio, hiperactividad.
Hace que los sistemas biológicos funcionen con más homeostasis; calma la mente y con ello el cuerpo y tiene efectos emocionales que influyen en los neuro-transmisores y los neuro-péptidos, que a su vez ayudarán a regular el sistema inmunitario, el sanador que llevamos dentro.

Origen e historia de la terapia del sonido con cuencos tibetanos

Según el gran maestro bodhisattva tibetano Gwalwa Karmaza, los cuencos cantores del Tíbet emiten el sonido del vacío, que es el sonido del universo manifestándose. Son el símbolo de lo incognoscible y como aleación datan de la época del buddha histórico, Shakyamuni (560 - 480 a C.)
Los orígenes de los cuencos tibetanos y su historia detallada se pierden en el pasado lejano y seguramente es un regalo de la religión chamánica Bon, que existía en el Tíbet varios siglos antes de la llegada del budismo.
Tradicionalmente los cuencos tibetanos se utilizaban para la meditación y la sanación en los monasterios de monjes.

La ciencia y la experiencia revela que todo es energía, todo es vibración, que no hay nada como cosas duras o inmóviles o estáticas. TODO VIBRA.
El ser humano también y dependiendo de la frecuencia de onda, la vibración será más elevada o más baja, aquí influyen mucho los pensamientos, los sentimientos. En donde existen bloqueos la energía se traba, no fluye. Entonces sufrimos porque no hay armonía en nosotros, ya sea por exceso o por deficiencia en nuestra energía o en determinadas frecuencias de energía, que corresponden con lo que comúnmente se llaman chacras.
Esta falta de armonía se traduce en problemas que van desde enfermedades físicas, desequilibrios emociónale, problemas sexuales, de relación con los demás o con el mundo, falta de amor etc. Lo que tenemos que hacer es desbloquear, hacer fluir y armonizar esas frecuencias.

Las vibraciones que emiten los cuencos producen los mismos efectos que el sonido, pero tienen más intensidad y al contactar directamente con la persona, la vibración penetra en el cuerpo afectando más profundamente tanto física, emocional, energética, como espiritualmente.

Cuándo la humanidad redescubra el acceso a los sonidos originales, dará un salto de conciencia rápido e increíble.
-Profecía Hopi

Masterclasses con Jaume Aragall

2011-05-27T12:12:00.001+02:00

Este mes he estado trabajando en el Barcelona Opera Studio,
los cantantes que han participado han sido muchos,
variados y con muchas ganas de trabajar y aprender.
En este mundo de la ópera se pide demasiado a los jóvenes cantantes,
se les mete muy pronto en grandes teatros a cantar roles pesados,
pero no hay una educación escénica, por mencionar algo que llama
la atención tanto, porque no saben cómo analizar un texto, un rol, una ópera,
no saben moverse, actuar, interpretar, etc etc etc
Un cantante seguro de sí mismo y pensante es una joya.

Gracias a Dios hay personas que hacen cursos de perfeccionamiento donde
la parte escénica es de las más importantes y los cantantes pueden llevarse
algo de entrenamiento y conciencia del escenario.
Por otro lado, en este curso vino a dar una ayuda Jaume Aragall a los jóvenes cantantes,
y os dejo este documento interesante de algunas clases. Se trata de corregir al cantante
y no de confundirle las ideas, como normalmente pasa en los cursos!

Frecuencia Solfeggio

2011-04-30T13:48:00.001+02:00

Conferencia del músico Carlos Laza, sobre las frecuencias musicales que está rescatando del solfeggio. Conocimientos de música que fueron OCULTADOS por la iglesia y los que mandaban hace mucho tiempo, y que tienen un gran poder de sanar a quien las escucha o practica.
20 minutos de conferencia, y después sus amigos Pedro e Inma nos deleitan con una gran intervención musical con dichas frecuencias.

QUE SON LAS ANTIGUAS FRECUENCIAS SOLFEGGIO??

Estas frecuencias de sonidos eran originalmente usadas en los cantos gregorianos, tales como el gran himno a San Juan Bautista, así como otros himnos.Se creía que cuando se cantaban estos cantos se impartía una bendición y gracia especiales que ayudaban al desenvolvimiento de los rituales cristianos.Las frecuencias contenidas en estos cantos fueron redescubiertas por Dr Joseph Puleocomo se describe en el libro de Leonard Horowitz.Es una bendición para toda la humanidad el trabajo que han elaborado estas dos personas al devolvernos el tesoro de estas frecuencias.

Las frecuencias solfeggio incluyen SEIS FRECUENCIAS:

UT 396 Hz Frecuencia para liberar el miedo y la culpabilidad
RE 417 Hz Frecuencia para deshacer las situaciones y facilitar el cambio
MI 528 Hz Frecuenica para la transformación y los milagros .Reparación del ADN
FA 639 Hz Frecuencia para la conexión y las relaciones
SOL 741 Hz Frecuencia para el despertar de la intuición
LA 852 Hz Frecuencia para volver al orden espiritual.

Frecuencia Solfeggio 528 HZ Para reparar el ADN escuchando y mirando al vídeo al mismo tiempo

Frecuencia Solfeggio 528 HZ Reparación-Curación-Milagros

Frecuencia 741 Hz SOL Expansión de la conciencia

Caterina Cornaro

2011-04-25T17:23:00.000+02:00

Caterina Cornaro es una ópera de Donizetti que raramente se hace.
Basada en personajes y hechos históricos; Jaime II de Lusignan, Rey de Chipre quien, para obtener el apoyo de la República Veneciana en contra de los otomanos, casa con la noble veneciana Caterina Cornaro. Desafortunadamente dicha alianza propició la toma final de Chipre por parte de la república de Venecia al morir Jaime II misteriosamente envenenado. Caterina Cornaro asumió el reinado de Chipre pero una década después fue destronada por los mercaderes de Venecia.
La ópera narra el conflicto político arriba descrito al mismo tiempo que Caterina tiene que hacer frente a su antiguo amor (al cual tiene que rechazar por órdenes de su padre que la cede, por amenazas, al rey de Chipre), a las intrigas venecianas (encabezadas por el detestable Mocenigo) y a su matrimonio por conveniencia. Finalmente a la muerte de su esposo (que en la ópera es retratado con gran nobleza) ella asume el trono de Chipre con convicción. La ópera está construida en un prólogo (en Venecia) y dos actos (en Chipre). El interés de la trama se mantiene hasta el conmovedor final con la muerte de Lusignano y la extensa aria final de Caterina. Es interesante recordar que este tema ya había sido tratado anteriormente por Fromental Halevy en su “Reine de Chypre” y por “Franz Paul Lachner con su “Caterina Cornaro”. Donizetti pensaba destinar su ópera (al principio llamada “Regina di Cipro”) a Viena en 1842 pero una producción de la ópera de Lachner (arriba mencionada) lo hizo desistir. En cambio compuso “Maria di Rohan” para Viena y destinó Caterina Cornaro para su antiguo teatro; Teatro San Carlo de Nápoles.

Caterina Cornaro se constituiría como el último estreno en vida del compositor. Donizetti ya estaba considerablemente enfermo de una sífilis avanzada y afectado de sus facultades como para hacer el viaje a Nápoles (residía entre Paris y Viena en esas épocas) por lo que envió la partitura a Mercadante para que supervisara la producción. La obra resultó un fracaso completo a pesar de algunos artistas interesantes. Únicamente se mantuvo en cartelera 6 funciones. Un año después, en 1843, se repuso en Parma con alguna modificación mínima de Donizetti pero la obra no se pudo sostener en el repertorio.

La ópera desapareció hasta 1972 y 1973 años en los que se rescató para producciones y conciertos en Nápoles, Londres, Nueva York, Paris y Barcelona. Las divas de esas funciones del siglo XX fueron nada menos que Leyla Gencer y Montserrat Caballé. Los tenores Jaime Aragall y José Carreras. A pesar del éxito (captado para el disco) Caterina Cornaro volvió a desaparecer hasta 1995 (Teatro Donizetti Bergamo).

El Prólogo está brillantemente construido en dos partes; Después de un breve preludio que comienza festivo y tierno –representando los preparativos nupciales de la boda de Caterina y Gerardo- y torna oscuro – anticipando la desgracia que acontecerá- hay un coro inicial seguido de un exquisito duettino para tenor y soprano con ambas voces amalgamadas al estilo de “Tornami a di” de Don Paquale. Entra la oscura figura del villano Mocenigo (bajo) con acentuaciones amenazantes de la orquesta y da paso a una soberbia cavatina en dos partes, una de las más bellas compuesta por Donizetti para este tipo de voz. El primer bloque concluye con un ensamble-stretta vital y dramático en el cual se revela la cancelación (impuesta) de la boda de Caterina y Gerardo.

El segundo bloque del prólogo comienza con un coro atmosférico seguido de la bellísima aria con cabaletta de Caterina “Vieni o tu che ognora” con un acompañamiento terso que incluye cornos atenuados y arpa. La cabaletta es luminosa y permite gran lucimiento del arsenal vocal de la soprano. El Prologo concluye dramáticamente con un magnífico dueto para tenor y soprano en el cual Caterina rechaza (bajo amenaza) el amor de Gerardo. La primera parte está compuesta de dos solos con temas distintos “Spera in me” primero el tenor con una línea amorosa después la soprano con titubeos y un tema pleno de melancolía, la parte central es un recitativo dramático (tempo mezzo) que concluye en una stretta “Va crudel” en donde la parte de tenor requiere de amplio fuelle y slancio. La línea de la soprano no es menos dramática. El número concluye espectacularmente con ambas voces en simetría.

El Primer Acto es el centro de la obra, el más extenso y dramático. Comienza con un pequeño preludio de tintes folklóricos para dar paso a una escena con Mocenigo y un pequeño dueto entre este y Strozzi (tenor comprimario). El aria de Lusignano (barítono, nuevo esposo de Caterina) es de lirismo ardiente con una línea melódica memorable y noble en el estilo de la música de Don Alfonso en La Favorite. Continúa un oscuro coro de sicarios. El dueto de la amistad para tenor y barítono confronta a los dos amores de Caterina, la nobleza de ambos se interpone y esto es rebelado en este número que antecede a páginas similares de Verdi y otros compositores italianos. La primera parte “Vedi: io piango” con la línea melódica lastimera del tenor respondida por un tema noble y amplio del barítono. Después del tempo di mezzo la stretta une a ambas voces de forma espectacular. El coro de mujeres tiene el encanto expansivo de páginas similares de Donizetti (y porque no decirlo, Verdi). Enseguida viene una romanza afectuosa de Lusignano destinada a su esposa Caterina. El dueto de Gerardo y Caterina, que se reencuentran una vez más, es seductor y emotivo (sobresale la tonalidad menor) pero ligeramente convencional comparado con el del prólogo. La Stretta mantiene un ambiente melancólico y lánguido. El acto concluye con un formidable cuarteto para soprano, tenor, barítono y bajo en donde se desenmascaran las intrigas de Mocenigo. La stretta final de este ensamble “Va fellon” posee la energía de los mejores ensambles Donizettianos, la participación del coro en la parte final lo concluyen de forma espectacular.

El acto segundo y final se desarrolla en ambiente de guerra (entre Venecia y Chipre) el tañido de campanas irrumpe a lo largo del breve y dramático preludio (sobretonos de Huguenots de Meyerbeer). El aria de Gerardo “Io trar non voglio” es emotiva, compacta y de gran belleza, es rematada por una cabaletta espectacular y marcial en el molde del Donizetti tardío y Verdi temprano. Después de un coro de mujeres, Caterina Cornaro concluye con una amplia arquitectura típica de Donizetti; Gran escena final para Caterina que inicia con un larghetto “Pieta o Signor” con solo de cornos para dar paso a un tempo mezzo que esencialmente está constituido por un cantabile emotivo del moribundo Lusignano “Sposa perdona” con unas cuerdas sincopadas y tremolas que reflejan el estado del personaje. La obra concluye con una cabaletta de rigor para Caterina “Non piu afán” plena de resolución en su asunción al trono de Chipre. De esta forma concluye brillantemente, no sin cierta amargura, esta magnífica ópera.

Recomendación discográfica

Dada su limitada historia en teatros de ópera las grabaciones de Caterina Cornaro son todas tomadas de concierto o representaciones. Espero en un futuro que Opera Rara considere grabar esta obra para tener, al menos, una versión discográfica en estudio. No que considere el estudio superior a en vivo. Me parece que ambos tipos de grabación son complementarios; Se cambia espontaneidad y esa “frisson” entre público y artistas por una interpretación cuidada, musical y en sonido pleno. Hay al menos 5 grabaciones de Caterina Cornaro que se pueden trazar.

- 1972 ; Gencer, Aragall, Bruson, Clabassi, Cillario / Varios

- 1972; Caballé, Carreras, Saccomani, Mazzieri, Cillario / Opera d’oro

- 1973; Caballé, Aragall, Edwards, Howell, Masini / Phoenix

- 1974; Rinaldi, Garaventa, Montefusco, , Boncompagni / Bongiovanni

- 1995; Mazzola, Ballo, Antonucci, Giusepini, Gavazzeni

La versión de 1972 es en sonido muy variable e incluye a una Gencer vocalmente desigual ya no en plenitud aunque alerta desde el punto de vista dramático. Aragall se constituyó como el gran Gerardo del Siglo XX y Bruson es el gran estilista de siempre. Por la mediocre toma sonora no puedo considerarla más que para historicistas o aficionados a alguno de estos artistas.

La versión Opera d’ oro posee un sonido aún peor que quizá ha influido en una apreciación incorrecta de la obra. No importa que Caballé y Carreras hagan una extraordinaria pareja.

La versión en Phoenix es la mejor de la obra, versión de concierto en Paris con sonido stereo. Gianfranco Masini dirige una prestación orquestal si bien no inmaculada y con algunos detalles y desafinaciones, muy comprometida con el estilo belcantista, tiempos fluidos, fraseo cálido e impulso dramático donde se requiere. La Orquesta de la ORTF cumple. El coro no es inmaculado pero canta con intensidad y suficientes dinámicas sonoras para causar placer.

Montserrat Caballé como Caterina Cornaro fue dueña de este papel. Con la diva catalana no hay que lamentar las irregularidades vocales de la Gencer. Su trabajo dramático evoluciona a lo largo de los actos desde el inocente lirismo del prólogo hasta la reina imponente del último acto. Su voz amplia, lírico-spinto, está en plenitud, pianissimi de ensueño, fraseo majestuoso, agudos firmes y potentes. Toda una lectura del personaje.

Jaime Aragall también en los 70’s alcanzó su plenitud. Exhibe una voz de tenor lírica de una belleza pocas veces igualada. En esta versión quedan plasmadas todas las virtudes del mejor canto de este maestro así como alguno que otro defecto; Fraseo de ensueño, verdadero slancio, agudos firmes, soporte ejemplar. Aparte de dos o tres momentos de entonación sospechosa Aragall se muestra como una de las grandes voces de su tiempo. Este es uno de los mejores testamentos en disco de este artista que cuando estaba en forma pocos lo alcanzaron.

Strehler, Il Maestro

2011-04-22T21:03:00.000+02:00

Impempe Yomlingo, Mozart con Marimbas!

2011-04-22T19:49:00.001+02:00

En Europa se inventa tratando de ser fiel a la partitura y encima novedoso??? NO, se cree que se inventa sacando de contexto la historia con cosas ya vistas y fuera de lo normal pero que no llaman la atención. Estamos saturados....
Hay que irse a Africa para que la creatividad ponga un toque de novedad, y nada más y nada menos que la compañía Impempe Yomlingo se decide por la Flauta mágica de Mozart.
Y es una ópera que da respeto!!
Dejo que vean y pasen un buen rato!
Seguro que Mozart hubiera estado feliz y hubiera vuelto a casa componiendo algo para ellos.....

Riccardo Muti

2011-04-16T17:48:00.002+02:00

Vean, piensen, aprendan.

Caro Mº Muti, grazie!

gran lección Maestro, sin Dios nadie puede nada.

Colosenses 3:23 Y todo lo que hagáis, hacedlo de corazón, como para el Señor y no para los hombres;

Hallados varios fragmentos inéditos de la zarzuela "Luisa Fernanda"

2011-04-03T13:46:00.000+02:00

Su descubridor, Ignacio Jassa, trabaja desde comienzos de año como documentalista en este archivo situado en el sótano de la sede madrileña de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), un lugar repleto de cajas verdes de ph neutro que albergan miles de libretos, partituras y materiales de orquesta.

Jassa relata en una entrevista a Efe su hallazgo: mientras reordenaba todos los materiales de "Luisa Fernanda", comedia lírica de tres actos compuesta por Federico Moreno Torroba en 1932, descubrió decenas de partituras correspondientes a dos danzas y un ballet, firmadas por Torroba después de que su zarzuela se estrenara en el Teatro Calderón de Madrid hace casi ochenta años.
Los fragmentos inéditos correspondientes a las danzas, explica Jassa, estaban destinados a sustituir otro número instrumental de la obra sobre el que se desarrollaba una escena hablada del acto segundo, mientras que el ballet es la continuación de las danzas.
Un mes después de su descubrimiento, los números ya han sido editados para que cualquier compañía pueda llevarlos a escena, algo que finalmente no ocurrirá en las representaciones programadas en el teatro de la Zarzuela del 8 de abril al 22 de mayo por falta de tiempo.
Sí se ejecutarán en cambio el próximo otoño en Perú, con motivo de la temporada de ópera en el teatro municipal de Lima, bajo la dirección escénica de Goyo Montero y la musical de Juan de Udaeta.
Satisfecha por el hallazgo, la directora del CEDOA, María Luz González Peña explica a Efe que, para la representación de esta u otras zarzuelas, es necesario que la compañía alquile el material al archivo por un precio que va desde los 110 euros a los 315, según la importancia de las orquestas o la popularidad de las obras.
"Somos imprescindibles y aunque sea exagerado, nos han llegado a decir que somos el Prado de la zarzuela", asegura González Peña, quien subraya que la zarzuela goza de "muy buena salud", a pesar de que al archivo ya no llegan obras nuevas y de que "todavía hay una generación que pone a este género el marchamo de franquista".
"Esto es absurdo porque la zarzuela es mucho anterior", añade González Peña, a la que le enorgullece que en EEUU, Italia, Rusia o Lituania el gusto por género y la música se imponga a prejuicios.
En el archivo, protegidos en salas ignífugas sin calefacción ni aire acondicionada, se pueden encontrar partituras manuscritas, y algunas autógrafas, de figuras como Ruperto Chapí, uno de los fundadores de la entonces llamada S.A.E. (Sociedad de Autores Españoles), o de Francisco Asenjo Barbieri, además de legados de diversos compositores.
Entre las "joyas" más destacadas, el CEDOA guarda celosamente "La Gran Vía", "La verbena de la Paloma" y "El barberillo de Lavapiés".
Laura Camacho

Barcelona Opera Studio

2011-03-22T16:40:00.000+01:00

El efecto sanador de Mozart

2011-03-07T15:26:00.001+01:00

Del Blog Why Mozart?

People are always asking me what it is about Mozart's music that is healing or helpful. Why isn't Haydn's music as powerful, or Beethoven's or Schubert's? Actually, I believe that any great composer's music can be healing, keeping in mind our definition of healing. Remember that we define healing as "amelioration of symptoms." Healing is not synonomous with curing!

Starting back in the 1950's, a brilliant French ear, nose, and throat doctor and surgeon with a great love of music, starting treating many opera singers with various physical symptoms that prevented them from singing like they had. This man was Dr. Alfred Tomatis. One of his statements that was someone novel at the time was "the human voice cannot reproduce sounds that it cannot hear." Dr. Tomatis looked at hearing deficiencies that the patients exhibited and discovered that when the patients listened to Mozart's five violin concertos, in particular, that their hearing improved. Dr. Tomatis determined that these particular pieces of Mozart had the perfect range of pitches and the perfect timbre or tone color to heal the voice and the individual.

In the 1990's research was being conducted at the University of California at Irvine in which Mozart's Sonata in D Major for two pianos was being played for high school students about to take the SAT. In each trial, the students were divided into three groups. One group listened to their favorite pop music for 30 minutes before the test, one listened to nothing and one group listened to the Mozart piece. Repeatedly, the students who listened to the Mozart piece scored higher.

These two phenomena constributed to the idea of a "Mozart Effect." I personally believe that the media has greatly exaggerated the power of Mozart however I do believe that Mozart's music is healing, inspiring, beautiful, uplifting and amazing. Many people believe that Mozart was the greatest composer of all time because in his brief life, he was a master of every genre he attempted and he attempted all of the genres of his time: sonatas, symphonies, chamber music, opera, and choral music. If you haven't listened to any Mozart lately, treat yourself to some tonight!

más enlaces sobre el poder curativo de la música de Mozart
http://healingmusicenterprises.com/
http://ezinearticles.com/?Music-and-Healing:--Why-Mozart?&id=111442
http://www.healingmusic.org/library/Newsroom/MozartHitsSourNotes.asp

Samuráis en acción

2011-03-02T22:00:00.000+01:00

Nada como ver la tecnología en acción en el teatro.

Fernando Broncano: “El mundo digital rehace nuestras relaciones con el mundo”

2011-02-15T13:41:00.000+01:00

¿Cómo crees que nos afectan las nuevas formas de interacción social a través de la red, como el hecho de escribir en un blog o participar en una red social?
El hecho de escribir en un blog cambia tu manera de ser. Lo que aparentemente se nos ocurre a todos es que en las redes sociales entras como con una máscara pero en la realidad esa apariencia que tú quieres adoptar es la que te transforma. Estamos hablando no de la persona que entra un día en un chat, sino cuando realmente te involucras, por ejemplo una persona que tiene un blog, un perfil en una red social, sobre todo si son con un fin determinado. En realidad, el cambio es un camino de ida y vuelta. Las entradas en el ciberespacio transforman nuestra realidad y nuestra personalidad a las propias entradas que estamos haciendo.
¿Adaptamos la realidad?
No lo adaptamos en un sentido que controlemos el proceso, no es que te pongas y te quites una máscara, o cómo te adaptas unos zapatos que te aprietan, a mí me parece que la cosa es más profunda. Ese acto de introducirte en una red social transforma las relaciones que tú tienes con el mundo. El mundo digital rehace nuestras relaciones con el mundo. Ahora están determinadas por la presencia física, por la corporeidad y por la percepción, pero en realidad eso es solo una parte, muchos de los estratos que nos hacen ser como somos no están ligados a la corporeidad, como por ejemplo la imaginación, estar resentido, desear hacer algo, o también la imaginación de cómo sería nuestra vida. Estos estratos son los que yo creo que son los más plásticos para ver cómo las relaciones a través de las redes sociales nos transforman. No conoces físicamente a quien está al otro lado de la pantalla pero obviamente está actuando sobre ti, tú estás adaptándote a él o bien a personas indeterminadas o a la imagen de las personas a las que te estás dirigiendo. Esa adaptación inversa te está cambiando en la medida en la que estás reconfigurando tu mundo imaginario para estar presente en esa red. Cuando estás escribiendo un blog, hablo por mi experiencia, lo notas, tu escritura, tu manera de relacionarte con el mundo, por ejemplo qué ves, siempre estás pensando “esto podría estar en el blog”. Ves el mundo bajo otras categorías (las categorías que te hacen intervenir en este medio). No es que yo escriba para mi, escribo para un lector potencial. No es pasivo. Un adolescente en Tuenti es clarísimo, un adolescente está reconfigurando su cuerpo, le está cambiando la vida. Si anteriormente tenía cuatro personas de referencia, ante las que quería presentarse bien: -ser el más bruto (en los chicos) o la que mejor viste (en las chicas) dentro de los roles de género en los que entran los adolescentes-, de pronto el hecho de que esté interviniendo en una red social cambia sus lugares de referencia, cambia los ideales y los ‘yoes’ de referencia con los que tiene que negociar.
Y entonces, ¿dónde queda el yo “auténtico”?
No hay yo auténtico. Fíjate, un adolescente cuando va a un concierto e inmediatamente está pensando en escribir en Tuenti “me gusta” o “no me gusta”, está haciendo dos cosas: una, ir al concierto, y dos, pensando en que luego tiene que dar cuenta de que ha ido al concierto y contárselo a alguien a quien puede interesarle eso. Esto cambia la relación con las acciones que está teniendo.

Para seguir leyendo pincha aquí

Barcelona Opera Studio

2011-02-07T01:46:00.000+01:00

Dirigido a cantantes, coros y pianistas repertoristas

Taller de estudio vocal, técnico y escénico de las óperas:

1. FLAUTA MAGICA, ACTO I, (2-8 DE MAYO)
2. LA BOHEME, III Y IV CUADROS, (9-15 DE MAYO)
3. L'ELISIR D'AMORE, ACTO I, (16-22 DE MAYO)

Maestros de canto: Jaume Aragall, Raquel Pierotti, Stefano Palatchi, Angels Civit

Escena: Maria Elena Mexía

Piano: Ricardo Estrada

Conferencias: JAUME TRIBO (maestro apuntador), MIGUEL LERIN (agente), DAMIA CARBONELL (dirección artística Gran Teatro del Liceo), FERNANDO SANS (director Opera Actual) y XAVIER CHAVARRIA (Musicólogo).

Plazo de inscripción máximo 8 de Abril - 50.00€

Duración: 30 horas.

Precios por curso:
Coro y pianistas 200.00€
Cantantes: 450.00€
Oyentes 1 día ó conferencia: 20.00€
Audiciones 15 de abril

Curso reconocido por la Generalitat como curso de formación de profesorado.

Los alumnos que quieran asistir a más de un curso de Opera Studio tendrán un 10% de descuento.

Coordinador: Ricardo Estrada
Más información: restrada73@hotmail.com

Lugar: A Tempo, Estudis Musicals
C/ Lluçá nº56 Tlf: 93 491 17 81

La Nueva Conciencia: Conferencia Eckhart Tolle

2011-01-28T18:53:00.003+01:00

"La Nueva Conciencia": Conferencia Eckhart Tolle en Barcelona en Noviembre 2007 sobre la naturaleza de la mente y el Poder del Ahora. Eckhart Tolle es el autor del famosísimo best-seller internacional "El Poder del Ahora". Una profunda y excepcionalmente clarificante conferencia en un castellano perfecto, de un ser sencillo y sabio.

Tolle afirma haber experimentado un despertar espiritual a los 29 años, después de padecer largos periodos de depresión. Su ensayo El Poder del Ahora enfatiza la importancia de ser consciente del momento presente para no perderse en los pensamientos. En su opinión, el presente es la puerta de acceso a una elevada sensación de paz. Afirma que "Ser Ahora" conlleva una conciencia que está más allá de la mente, una conciencia que ayuda a trascender el "cuerpo del dolor" que es creado por la identificación con la mente y el ego. Su último libro Una Nueva Tierra, ahora explora la estructura del ego humano y cómo éste actúa para distraer a la gente de su experiencia presente en el mundo. También ha escrito El Silencio habla y Practicando el poder del ahora.

Tolle no está alineado con ninguna religión o tradición en particular. Sin embargo, en el libro Diálogos con maestros espirituales emergentes, de John W. Parker,[2] Tolle ha reconocido una fuerte conexión con Jiddu Krishnamurti y Ramana Maharshi y afirma que sus enseñanzas son una síntesis de las enseñanzas de estos dos maestros. Además, sostiene que escuchando y hablando con el maestro espiritual Barry Long,[3] comprendió las cosas más profundamente. Las influencias a las que se hace referencia en El Poder del Ahora son los escritos de Meister Eckhart, Advaita Vedanta, Un curso de milagros, el sufismo y la poesía de Rumi, así como la escuela Rinzai de Budismo Zen. El libro también interpreta frases de Jesús recogidas en la Biblia. Dentro de la comunidad espiritual e intelectual hay numerosos detractores de su obra, ven en ella una copia de los grandes libros escritos por los grandes maestros espirituales.

Jessye Norman, un reconocimiento a esa VOZ

2011-01-28T17:57:00.001+01:00

Una cantante brillante, inteligente, culta y apasionada del teatro.
Creo que aún no se le da suficiente importancia y reconocimiento en el mundo a esta gran cantante.
Voz prodigiosa como pocas veces en la historia de la ópera, soprano, mezo y contralto!
En los comienzos de su carrera recibió el apodo de Just Enormous por su poderosa voz e imponente presencia.
Canta Wagner, como Berlioz, como Berg, Schoenberg, como spirituals y canciones pop. Y todo lo hace bien y derrochando voz.

Nació en una familia de músicos aficionados; su madre era pianista, su padre cantaba en un coro local. Jessye Norman estudió en la Escuela Elemental Charles T. Walker, el Instituto A.R. Johnson Junior High School, y Lucy C. Laney Senior High School, todos en Augusta.

Norman recibió una beca para ir a la Universidad de Howard, graduándose en 1967 con un título en música, y de la Universidad de Michigan con un "Masters Degree" en 1968. Al año siguiente, ganó la Competición Musical Internacional ARD en Múnich.

Hizo su debut operístico en 1969 como Elisabeth en Tannhäuser de Richard Wagner en la Ópera Estatal de Berlín, y en los años siguientes actuó con varias compañías de ópera, alemanas e italianas donde canto Aida, La Africana de Giacomo Meyerbeer y óperas de Mozart y Haydn.

Regresó a los Estados Unidos para su debut en concierto en el Lincoln Center en 1973.

Hizo un sensacional debut en 1983 en el Metropolitan Opera en Les Troyens de Berlioz en una producción que marcó la temporada del 100.º aniversario de la compañía.

En la década siguiente se sucedieron importantes adiciones a su repertorio como Sieglinde en La valquiria, Ariadne auf Naxos, Madame Lidoine en Diálogos de carmelitas de Poulenc, la Judith de Barba Azul de Bartok, Erwartung de Schönberg aunque nunca cantó Tristán e Isolda en escena, su versión de la Muerte de amor (Liebestod) ha sido un clásico en sus recitales con orquesta.

En obras de Berlioz, Wagner y lieder de Strauss, se destacó particularmente recordándose sus lecturas de las Wesendonck Lieder y las Cuatro últimas canciones.

Además de sus representaciones operísticas, es una distinguida recitalista en lieder y espirituales.

Colabora con otros artistas: Norman estrenó el ciclo de canciones woman.life.song de la compositora Judith Weir, una obra encargada para ella por el Carnegie Hall, con textos de Toni Morrison, Maya Angelou y Clarissa Pinkola Estés; interpretó una selección de música sacra de Duke Ellington; grabó un álbum de jazz, Jessye Norman Sings Michel Legrand e intervino en el proyecto de Vangelis titulado Mythodea.

En 1997 fue la personalidad más joven en recibir el premio del Kennedy Center.

En 1984 fue condecorada con la Legión de honor del gobierno francés.

Recibió el 2006 Lifetime Achievement Award de la Academia Discográfica (The Recording Academy) y es Embajadora Honoraria de las Naciones Unidas.

Su ciudad natal, Augusta, Georgia, le dedicó un anfiteatro junto al río a principios de los años 1990.

El alcalde de Pasadena, California, después del recital del 22 de septiembre en la "Blair IB Magnet High School", declaró ese día como "Día de Jessye Norman" en Pasadena.

Ha sido requerida para cantar en acontecimientos públicos y ceremonias. Entre ellas, las inauguraciones presidenciales de 1985 y 1997, el 60.º cumpleaños de la reina Isabel II, y la celebración del bicentenario de la Revolución francesa en la parisina Place de la Concorde, en la que cantó La Marsellesa [1] vestida con los colores de la bandera francesa, obra del diseñador Jean-Paul Goude.

El tenor de Madrid

2011-01-23T18:10:00.000+01:00

Quien acuñó esa frase: "De Madrid al cielo", dicen que en el siglo XVIII, sin autor preciso, probablemente nunca pudo imaginar que llegara el día en que un tipo nacido en la calle de Ibiza cumpliría el eslogan. Plácido Domingo encarna ese espíritu mejor que nadie. Los 70 años que festejó el viernes rodeado de su público, amigos, familia, en el Teatro Real han servido para que durante toda la semana se haya puesto en justa perspectiva su leyenda.

Plácido Domingo sigue seduciendo por lo que queda fuera de los titulares

Pero más allá de las cifras apabullantes, de su obsesión por batir récords y por poner picas en Flandes, Domingo sigue seduciéndonos por lo que queda fuera de los titulares. Alejado de sus marcas históricas, sus 130 papeles enterrando las categorías y los encasillamientos en todas las tesituras, sus más de 3.000 representaciones, de sus hitos, de sus minutos de aplausos, de sus vueltas al mundo y sus apabullantes energías destroza marcas, sus condecoraciones, sus premios. Lejos del superhombre y el hincha -o bien cerca- está ese toque que nos produce su presencia, esa devoción al escenario, esa fiereza teatral, esa pasión desaforada por tocar el corazón de cada uno de nosotros cuando lo ve, lo escucha, lo disfruta.
Hace más de 10 años, cuando él rondaba los 60 y ya parecía haberlo hecho todo, los periodistas, tan imbéciles, le preguntábamos sobre su retirada. Era lo lógico si nos atenemos a comprender los límites físicos de cualquier ser humano. Pero es que Plácido no es cualquier ser humano. Con los años hemos entendido que no solo es inútil, sino además, una falta imperdonable de respeto, una ceguera inexcusable insistir, como siguen haciéndolo algunos. No solo muchos de los que se lo demandaban se hayan retirado antes del periodismo que Plácido de los escenarios, sino que lo mejor va a ser cruzar los dedos y pedir al cielo, al cielo de Madrid, que aguante, que siga, que nos dé esas fascinantes lecciones de heterodoxia.
Porque verle al final de su carrera meterse en tesituras de barítono es, ante todo, una bendita demostración de riesgo y ruptura de moldes solo posible en un artista de sus dimensiones. ¿Cómo Plácido va a cantar Simon Boccanerga, cómo va a interpretar a Rigoletto? ¿Y por qué no? Que haga lo que le dé la gana y a los guardianes de las esencias, que les den.
Lo mismo que a todos aquellos partidarios de las camarillas, la bronca, el club de la pureza, cuando hacían suyo el santo grial de Alfredo Kraus -como Galdós, ese madrileño nacido en Canarias- para tratar de oponérselo a Plácido como ejemplo. Esa ansia de contraponer el uno al otro ha hecho mucho daño a la afición. ¿Por qué no quedarnos con ambos? ¿Por qué no cerrar divisiones ciegas y defender a los dos en sus propias virtudes como ejemplos de que esta ciudad ha proporcionado al mundo? Nada más y nada menos que a dos de los mayores cantantes de la historia.
Kraus, con su rigor, con su elegancia, con su exquisitez; Plácido con su descaro, con su voluntad de hierro, su maravillosa perseverancia, esa que a la edad madura -como dice él elegantísimamente, resistiéndose con razón a llamarla vejez- le hizo escuchar los mensajes de su voz y su cuerpo y buscar soluciones para seguir de pie en el escenario.
No importaba si el precio que había que pagar era tan desafiante como meterse a aprender papeles en ruso, rescatar óperas enterradas en los baúles y adaptar su voz a una tesitura ajena que ha hecho propia, intermedia. Cualquier cosa con tal de seguir deleitándonos en el escenario a estas alturas. Allí ocupará su espacio hasta el último latido, ya lo ha dicho.
Mientras ese triste momento llegue, cuanto más tarde mejor, cada vez que acudamos a verlo, debemos ser conscientes de escuchar al último representante de un divismo descomunal, de una forma total de entender el arte, de una manera de hacer, de amar, de afrontar ese espectáculo total llamado ópera y elevarlo hacia la leyenda.

El Pais

Placi y los madrileños el día de su cumple!

2011-01-22T20:44:00.002+01:00

Feliz cumpleaños Plácido!

2011-01-20T14:15:00.002+01:00

¡70!

y que bien vividos y empleados.
En la historia de la ópera no ha habido un cantante con una carrera tan amplia y llena de éxitos.

Ha hecho de todo y bien. Le han criticado siempre por su voz de "tenor corto", pero quién le ha superado de los grandes cantantes con agudos?
A este punto, quién no sabe que es el mejor tenor del mundo y de la historia del canto?

En esta vida o demuestras varias veces que vales o nadie te perdona, porque en el fondo la envidia supera y ciega y no te deja ver que hay personas con dones de Dios que hay que valorar y aprender de ellos.

Placi, en este blog junto con la Caballé son los REYES absolutos. Porque son los mejores y son un ejemplo para todos de estudio, inteligencia, pasión, simpatía, humildad... No son los divos que hoy se ven por los teatros. A los 30-40 años no tenían la fama que hoy los jóvenes tienen por cantar 3 óperas bien. Placi y la diosa se han trabajado con los años su fama, dejándose la vida en el escenario y demostrando que el canto es cosa seria y hay que saber qué y cuando cantar una ópera. Se han pensado hasta el último detalle en la interpretación. Y por eso nadie les supera.
Sobre todo Plácido, sus personajes son memorables, porque además es un perfecto actor. No te da opción a que pienses que podría ser de otra forma, no te deja pensar que hubo antes que él otro cantante que fue mítico en ese rol.

Anécdotas sobre Placi todos sabemos. Parece que su vida nos pertenece a todos, y creo que si, Dios le ha creado para todos. Como lo hizo con Mozart. Todos nos sentimos identificados con él y le defendemos hasta la muerte porque es como parte de nosotros.

Parece mentira que con 70 años siga debutando óperas nuevas y roles de barítono, su voz siga ahí intacta y su energía en el escenario inagotable. Sino canta está en el foso dirigiendo, o escuchando cantantes por el mundo, dirigiendo teatros, aceptando premios y homenajes, dormirá? tendrá tiempo para ver las estrellas y meditar? para darle tiempo a su familia?.... Es un hombre especial. Disfrutemos de este gran artista, porque como él no vamos a tener muchos en la historia.

Feliz cumpleaños Placi, con el mejor deseo de que sigas disfrutando de la ópera, que nos des más emociones y sorpresas.

Muti, explica lo que significa dirigir

2011-01-17T21:25:00.003+01:00

Sinopsis de Lucia en una línea

2011-01-14T13:01:00.002+01:00

Lucia di Lammermoor

Act I

Scene 1

Lord Enrico Ashton is outraged to find that his sister Lucia is in love with his mortal enemy, Sir Edgardo di Ravenswood.

Scene 2

Lucia and Edgardo pledge their eternal faith.

Act II

Scene 1

Enrico tricks Lucia into believing Edgardo unfaithful. He insists she marry Lord Arturo Bucklaw.

Scene 2

Edgardo disrupts the wedding and curses Lucia.

Act III

Scene 1

Enrico challenges Edgardo to a duel.

Scene 2

Lucia kills Arturo; she is mad.

Scene 3

Edgardo, hearing Lucia has died, kills himself.

Entrevista a Placido Domingo en Noche TVE

2011-01-12T16:49:00.000+01:00

Feliz 2011!!!!!!!!!!!!!!!!!

2010-12-31T16:53:00.002+01:00

Les deseo a tod@s mis lectores un año lleno de bendiciones, felicidad y muuuuuuuucha alegría!!!

Montserrat Caballé, espejo del alma pura.

2010-12-31T12:13:00.000+01:00

Entrevista a Montserrat Caballé 2002

2010-12-27T12:02:00.000+01:00

Absolut perfection!!!!!!!

2010-12-25T20:37:00.004+01:00

Gracias mi Dios por amarnos tanto y por habernos dado compositores e intérpretes que dieron su vida por el arte, y en especial, Gracias porque con la música y el canto nos acercamos más a entender lo maravilloso de tu poder divino, porque podemos gozarlo a través de estos momentos:
Feliz cumpleaños Jesús.

VIVA LA OPERA!!!!!

Feliz Navidad!, «la belleza salvará al mundo»

2010-12-24T02:52:00.000+01:00

Todo ser humano es, en cierto sentido, un desconocido para sí mismo. Jesucristo no solamente revela a Dios, sino que «manifiesta plenamente el hombre al propio hombre»[23]. En Cristo, Dios ha reconciliado consigo al mundo. Todos los creyentes están llamados a dar testimonio de ello; pero os toca a vosotros, hombres y mujeres que habéis dedicado vuestra vida al arte, decir con la riqueza de vuestra genialidad que en Cristo el mundo ha sido redimido: redimido el hombre, redimido el cuerpo humano, redimida la creación entera, de la cual san Pablo ha escrito que espera ansiosa «la revelación de los hijos de Dios» (Rm 8, 19). Espera la revelación de los hijos de Dios también mediante el arte y en el arte. Ésta es vuestra misión. En contacto con las obras de arte, la humanidad de todos los tiempos —también la de hoy— espera ser iluminada sobre el propio rumbo y el propio destino.

El Espíritu Santo, «el soplo» (ruah), es Aquél al que se refiere el libro del Génesis: «La tierra era caos y confusión y oscuridad por encima del abismo, y un viento de Dios aleteaba por encima de las aguas» (1, 2). Hay una gran afinidad entre las palabras «soplo-espiración» e «inspiración». El Espíritu es el misterioso artista del universo. En la perspectiva del tercer milenio, quisiera que todos los artistas reciban abundantemente el don de las inspiraciones creativas, de las que surge toda auténtica obra de arte.

Queridos artistas, sabéis muy bien que hay muchos estímulos, interiores y exteriores, que pueden inspirar vuestro talento. No obstante, en toda inspiración auténtica hay una cierta vibración de aquel « soplo » con el que el Espíritu creador impregnaba desde el principio la obra de la creación. Presidiendo sobre las misteriosas leyes que gobiernan el universo, el soplo divino del Espíritu creador se encuentra con el genio del hombre, impulsando su capacidad creativa. Lo alcanza con una especie de iluminación interior, que une al mismo tiempo la tendencia al bien y a lo bello, despertando en él las energías de la mente y del corazón, y haciéndolo así apto para concebir la idea y darle forma en la obra de arte. Se habla justamente entonces, si bien de manera análoga, de «momentos de gracia», porque el ser humano es capaz de tener una cierta experiencia del Absoluto que le transciende.

La « Belleza » que salva

16. Ya en los umbrales del tercer milenio, deseo a todos vosotros, queridos artistas, que os lleguen con particular intensidad estas inspiraciones creativas. Que la belleza que transmitáis a las generaciones del mañana provoque asombro en ellas. Ante la sacralidad de la vida y del ser humano, ante las maravillas del universo, la única actitud apropiada es el asombro.

De esto, desde el asombro, podrá surgir aquel entusiasmo del que habla Norwid en el poema al que me refería al comienzo. Los hombres de hoy y de mañana tienen necesidad de este entusiasmo para afrontar y superar los desafíos cruciales que se avistan en el horizonte. Gracias a él la humanidad, después de cada momento de extravío, podrá ponerse en pie y reanudar su camino. Precisamente en este sentido se ha dicho, con profunda intuición, que «la belleza salvará al mundo»[25].

La belleza es clave del misterio y llamada a lo trascendente. Es una invitación a gustar la vida y a soñar el futuro. Por eso la belleza de las cosas creadas no puede saciar del todo y suscita esa arcana nostalgia de Dios que un enamorado de la belleza como san Agustín ha sabido interpretar de manera inigualable: «¡Tarde te amé, belleza tan antigua y tan nueva, tarde te amé!»[26].

Os deseo, artistas del mundo, que vuestros múltiples caminos conduzcan a todos hacia aquel océano infinito de belleza, en el que el asombro se convierte en admiración, embriaguez, gozo indecible.

Que el misterio de Cristo resucitado, con cuya contemplación exulta en estos días la Iglesia, os inspire y oriente.

Que os acompañe la Santísima Virgen, la «tota pulchra» que innumerables artistas han plasmado y que el gran Dante contempla en el fulgor del Paraíso como « belleza, que alegraba los ojos de todos los otros santos »[27].

«Surge del caos el mundo del espíritu». Las palabras que Adam Michiewicz escribía en un momento de gran prueba para la patria polaca[28], me sugieren un auspicio para vosotros: que vuestro arte contribuya a la consolidación de una auténtica belleza que, casi como un destello del Espíritu de Dios, transfigure la materia, abriendo las almas al sentido de lo eterno.

Con mis mejores deseos.

Extractos de la Carta de Juan Pablo II a los artistas

Happy DIGITAL Xm@as!!!!!!!!!!!!!!!!

2010-12-18T16:51:00.001+01:00

Misa en Do menor de W.A.Mozart, kv 427

2010-12-18T04:26:00.000+01:00

Esta misa, creo en mi modesta opinión, tiene un contenido altísimo en espiritualidad. Parece directamente compuesta por Dios.

Todo empezó porque Konstanze Mozart le pidio a su marido un vocalizo. Y Wolfi le escribió un tema que podéis escuchar pinchando aquí.
Al piano Lorenzo Arruga, soprano Ivanna Speranza.
Mozart compuso la misa por iniciativa propia (tratándose de la primera misa que compuso sin tratarse de un encargo) como voto por su reciente matrimonio con Constanze Weber (que además cantó como soprano solista en el estreno). Cabe destacar la influencia de los antiguos maestros del norte de Alemania como Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel.
La Gran Misa en Do menor está inacabada. Falta la instrumentación de algunos pasajes, concretamente del Credo in unum Deum y del Et incarnatus est. Por otra parte, el Hossana que define al Sanctus aparece en la partitura como fuga a cuatro voces y orquesta, pero la escritura instrumental revela que falta un segundo coro a cuatro voces. Además, el Credo está incompleto (tan solo está compuesto hasta los versos <>.). Asimismo, falta por completo el Agnus Dei.

Hoy se tiende a creer que Mozart llegó a Salzburgo con la obra en este estado, y que para poder estrenarla llenó los huecos con fragmentos de algunas de sus misas anteriores. Puede ser que Mozart recuriera a algún Agnus Dei compuesto por él con anterioridad, pero tampoco puede descartarse la hipótesis de que Mozart terminara realmente esta misa durante su estancia en Salzburgo antes del día del estreno, y que luego, esta nueva partitura con las partes que faltaban se perdiera.
Arleen Auger
Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Leonard Bernstein

Recordando una Walküre sublime...

2010-12-13T03:37:00.000+01:00

1994, Teatro alla Scala.
Waltraud Meier, Placido Domingo, Monte Pederson, Riccardo Muti.
A vosotros os dejo el placer de escucharla, verla y meditarla.
Wagner inspirador...

La Gruta de Venus

2010-11-25T17:57:00.002+01:00

Ya no existen reyes enamorados del arte, de la música.
Wagner tuvo la gran suerte de toparse con Ludwig II de Baviera, el cual se enamoró de sus óperas y los temas en estas desarrollados.
Que suerte poder estar "loco" e invertir todo en construir castillos y teatros por el bien del arte.

Imaginen sólo poder estar sentado en el bote del cisne escuchando Tannhäuser... representado sólo para cuando lo desees....

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Por una orden de Luis II del 15 de diciembre de 1875, se construyó la "Gruta de Venus", que quedó terminada en 1877. La gruta fue construida con armazón de hierro y paredes de lienzo impregnado y recubierto con una mezcla de cemento. De la misma manera fueron hechas las estalactitas y estalagmitas.
La gruta está dividida en dos grutas laterales y una central, que según la iluminación recuerdan la "Gruta azul" de Capri o la "Gruta de Venus" de la ópera de Richard Wagner, Tannhäuser. El rey hizo además que se pintaran paisajes y escenas de Tannhäuser en las paredes. Para protegerlas de la humedad, las pinturas se recubrieron de cera. Una cascada y una barcaza en forma de concha fueron hechas para ser utilizadas dentro de la gruta.
Siete hornos eran necesarios para la calefacción de la gruta. Estos eran utilizados incluso en verano, ya que el interior es muy frío. Una máquina de proyección de arco iris y una máquina para hacer olas completaban la ilusión de un mar artificial cuando el rey quería ser transportado en la barcaza.
El novedoso sistema de iluminación eléctrica, con 24 motores de dínamos, fue la primera central eléctrica de Baviera. En particular resultó problemática la iluminación para el efecto de la "Gruta azul", debido a la insistencia del rey por un "azul más azul".

mi aria preferida!